25.2.10

El aragonés Ángel Orensanz presenta en París una nueva creación escultórica

La muestra Geometría Sin Límites es el escenario en el que el artista aragonés Ángel Orensanz está presentando ahora en París su nueva obra. Se trata de El Pensamiento Salvaje que forma parte de un conjunto escultórico llamado Cylindrismo y que consiste en un cuerpo de acero pintado de color amarillo ocre y después esmaltado al fuego.
La aparente bastedad de los materiales y técnicas usados contrasta con la suavidad del producto final. Un contraste que el crítico de arte Pierre Restany no duda en subrayar. “Estos elementos tubulares perforados tienen un valor expresivo muy poético, casi musical, y al mismo tiempo desempeñan el papel de señales estructurales. Es su elemento primario, con el tiene ilimitadas posibilidades de composición, intervención en el espacio”, ha explicado.
Orensanz participa en esta muestra junto a grandes nombres de la escena artística francesa, como Agam, Calder, Pol Bury, Julio Le Parc, Joaquín Torres-Garcia, Marcel Duchamp, Tinguely, Vasarely e Ybaral. Geometría Sin Límites permanecerá expuesta hasta el próximo 26 de Marzo en la Casa de Latinoamérica, situada en el Boulevard Saint Germain de la capital gala.
Las obras expuestas en esta exposición son parte de la colección Cherqui, dedicada a piezas englobadas dentro de los movimientos Abstraccion Cinética y Arte Cinético.
Ángel Orensanz lleva varias décadas dedicado a casi todas las disciplinas artísticas. Su obra abarca una formidable producción en escultura, pintura, cine, video, fotografía e instalaciones.
Desde sus orígenes en la Jacetania aragonesa, este artista universal ha viajado por el mundo cosechando reconocimientos y galardones. Ahora, un largometraje, producido íntegramente en Aragón e interpretado por artistas aragoneses, contextualiza la obra de Ángel Orensanz y traza la trayectoria del artista desde sus inicios.
Es una película de ficción, escrita y dirigida por Fernando Monzón, que narra el viaje de Luis, un joven de Zaragoza, que descubre la obra de Orensanz y decide seguir el camino que el artista inició en su pueblo natal de Larués, en el Pirineo aragonés. La búsqueda culmina en Nueva York, donde el artista vive y trabaja actualmente y donde se ubica la sede de la fundación que lleva su nombre. La textura de este largometraje desarrolla un clima visual cercano al cine francés de entreguerras de Jean Cocteau, Jean Marais y Luis Buñuel, a quien le unió una buena y larga amistad.
La película cuenta con la participación del propio Orensanz, así como con la de varias personas y organismos ligados al artista (Museo Ángel Orensanz y Artes de Serrablo y la propia Fundación Ángel Orensanz de Nueva York), en un intento de relatar una obra que, por su tamaño y variedad, trasciende las narrativas habituales.

24.2.10

La luna y la navaja de Buñuel en Zaragoza


Pinturas, esculturas, objetos, dibujos de artistas contemporáneos de Luis Buñuel y Salvador Dalí en el momento del estreno de la película muestran en la exposición la conexión entre Un perro andaluz y las corrientes artísticas de la época. Están presentes Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Federico García Lorca, Rafael Alberti, José Caballero y Remedios Varo, entre otros. Ochenta años después de su estreno en el Studio des Ursulines de París la exposición recuerda la obra maestra de Luis Buñuel y Salvador Dalí con la exposición Un perro andaluz. 80 años después , organizada por Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC).


La muestra, que se podrá contemplar hasta el 11 de abril en La Lonja (Zaragoza), reúne más de un centenar de piezas entre libros, revistas, cartas, carteles, recortes de prensa, fotografías, guiones, dibujos, proyecciones, documentos sonoros, pinturas... que recrean la gestación y realización de la película e ilustran y abordan nuevos aspectos del cortometraje. La comisaria Amparo Martínez Herranz, profesora Titular de Historia del Cine en la Universidad de Zaragoza, ha puesto de manifiesto "la singularidad y trascendencia de uno de los mayores hitos de las artes visuales del siglo XX y la vigencia de una de las obras más influyentes de la cultura visual contemporánea. La película contiene, en sí misma, un entramado de elementos susceptibles de ser analizados desde una óptica diferente y actual: los temas que aborda, su conexión con la época y su influencia posterior".
elpais.es

19.2.10

Monet y la abstracción

'Monet y la abstracción', un proyecto común del Thyssen y la Fundación Caja Madrid, que podrá verse en ambas sedes madrileñas desde el martes próximo hasta el 30 de mayo, se ha montado gracias a la colaboración del Musée Marmottan Monet de París, donde se presentará la muestra en verano de 2010. El museo parisino ha cedido para la ocasión una selección de obras del pintor francés, que se suman en el Thyssen a las prestadas por numerosos museos y colecciones particulares, como el Brooklyn Museum, el Museée d'Orsay o la Fundación 'La Caixa', entre otros.

El Thyssen ha querido recuperar al "Monet tardío" y su relación con los artistas abstractos. Es la primera vez que se plantea una muestra en la que se ponen "frente a frente" obras de Monet con las de pintores de mediados del siglo XX, como detalló Guillermo Solana, quien calificó de "brillante y rotunda" esta "retrospectiva no al uso".

16.2.10

Thomas Schütte en el Reina Sofía de Madrid

En la obra de Thomas Schütte (Oldenburg, Alemania, 1954) lo de menos es el resultado final. Lo importante es el proceso, el trabajo de indagación, el puro juego. Lo suyo es cuestionar la obra de arte, crear mundos ambíguos, en palabras de Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, el museo que desde mañana miércoles acoge la primera retrospectiva que se le dedica en España al artista alemán más influyente en el arte contemporáneo. Bajo el título de Retrospección, el museo acoge 75 piezas que ocupan toda la primera planta del edificio Sabatini, incluidos pasillos, jardines y salas de Protocolo.
A lo largo de toda su vida, Schütte ha tocado todos los soportes: acuarelas, fotografías, escultura, pintura, instalaciones, maquetas arquitectónicas....Sus grandes series son un compendio de todos los formatos y de múltiples fuentes de inspiración (la pintura antigua, la arquitectura). Todo son historias inacabadas y cargadas de humor.
Fuente superior elpais.es.

Fuente inferior Museo Reina Sofía
Fechas: 16 de febrero 2010 – 17 de mayo 2010
Lugar: Edificio Sabatini. Sala 103, Sala de protocolo, Espacio 1, Claustro y jardín
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisaria: Lynne Cooke
Como título de una retrospectiva de Thomas Schütte, la palabra “retrospección” posee múltiples significados. Ante todo, se refiere al hecho de que la exposición ofrece una visión de conjunto de una carrera que abarca ya más de treinta años. Pero alude también a que el artista, sobre todo en la última década, ha vuelto la mirada al pasado buscando inspiración tanto en sus primeras obras como en la escultura de épocas históricas anteriores. Schütte ha recurrido al arte del pasado en diversas ocasiones y siempre de manera fructífera: le ha servido de fuente de inspiración para obras individuales y, en los últimos años, ha sido un punto de referencia crucial para afinar su estética. Concebida en un principio como un encargo para un espacio público, la obra Die Fremden (Los extraños), 1992, por ejemplo, ilustra cómo funciona este diálogo recursivo. Con su vocabulario de sencillas formas compactas y colores llamativos, estas esculturas rinden homenaje a dos precursores modernos: a los prototipos que ideó Oskar Schlemmer para su Ballet triádico y a una serie de pinturas tardías de Kasimir Malevich que ofrecen una imagen heroica del estoico campesinado ruso. La alusión a estos precedentes icónicos dignifica el linaje de las figuras de Schütte. Sin embargo, según el artista, el profundo aire de seriedad que domina la obra se debe además a las circunstancias sociales que determinaron su génesis. En 1989, después de la caída del muro de Berlín, la falta de trabajo y la crisis de la vivienda transformaron a los extranjeros, sobre todo a los Gastarbeiter –trabajadores extranjeros que residían en el país desde hacía tiempo–, en chivos expiatorios. Al situar las figuras por encima del punto de vista del espectador, Schütte subraya la distancia insalvable que nos separa de ellas una vez que asumen el papel del Otro.

11.2.10

¿Qué es (el) Arte?

John Baldessari, uno de los fundadores del arte conceptual, presente en una muestra antológica del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, dispensa oralmente una dosis de lucidez repartida ya como un lenitivo cultural por todo el mundo. Esta píldora de la felicidad consiste en asumir -como él declara- que todo y nada es arte. O que "arte es aquello que dicen que es arte los artistas" (E. H. Gombrich). Las obras se ven, se huelen, se admiran, se escudriñan o se pasa de largo. No pasa nada.
Harto de la disquisición entre arte y no arte, "intenté", dice Baldessari, "ser un no-artista". Intentó, a lo largo de sus 81 años, desprenderse de esa cruz. Los artistas, adorados tras la Ilustración, fueron tenidos por "creadores", a imagen y semejanza de Dios. O de Cristo, su Hijo: se crucificaban, enfermaban, morían jóvenes y dignificaban a la Humanidad mediante la inmolación de sus vidas, desgarradas pero salvíficas.
Casi todos los santos que abatió la razón ilustrada fueron reemplazados por figuras encarnadas en artistas: santos laicos, sujetos de diferentes sevicias y de asombrosa inspiración. Mientras la mayoría de los mortales iban a trabajar, ellos se dirigían a crear; mientras los más notables de los demás trabajadores tenían sólo ideas, ellos recibían inspiración.
En consecuencia, el artista ha sido apreciado como un ser elegido y excepcional cuyas prerrogativas divinas llegaron junto a pesados deberes, unos referidos a la exigencia interior de la obra y otros, respecto a la crítica.
Harto, John Baldessari decidió salir de esta tabarra y hacerse un "no-artista". Muchos otros han aspirado a esta sana condición y, con el declive de la modernidad, pintores, escultores, instaladores, performadores, han pedido desesperadamente ser tratados como un trabajador más.
Es el caso que contaba Susan Sontag de Wim Wenders cuando ella -tan europea- le preguntó, en Los Ángeles, qué hacía un gran director alemán en un lugar inculto. A lo que Wenders respondió: "¡No sabe usted qué alivio es encontrarse en un sitio sin cultura!".
Los europeos, y tanto más cuanto más "ilustrados", han soportado esta feligresía cultural dentro de la cual era preciso distinguir entre el arte y el no arte, entre la culta y la inculta novela, entre el verdadero artista y el impostor. Ser culto conllevaba prestar culto al autor pero, además, una vigilancia sobre los camuflados, una fina preparación gastronómica (tener buen gusto) y, finalmente, manejar un lenguaje lo bastante oscuro (¿oculto?) para referirse al creador. Una tarea, en fin, de esclavos.
Actualmente, sólo en Madrid, se encuentra Miquel Barceló en CaixaForum, impresionistas y no impresionistas en Mapfre, el vorticista Wyndham Lewis en la March, exposiciones en Bellas Artes, en La Casa Encendida, en las cien galerías del Consorcio, etcétera, etcétera. Pero, además, la próxima semana abre Arco y tres ferias paralelas más en ascensión.
No podrá decirse que haya decaído el espectáculo ni que el arte se encuentre exangüe. Hay obras para ver y vender. Obras para disfrutar, reír, morder o pasar el rato. Pero ahí empieza y termina prácticamente todo.
Hace tiempo que la radical quema de los templos artísticos, como hizo Baldessari con su obra anterior a 1970, los ha convertido en montones de ceniza. Lo que llegó posteriormente, lo que se encuentra en la actualidad, bueno o malo, enrevesado o banal, no es sino entretenimiento audiovisual. Los artistas han dejado de ser los sagrados gurús y su tarea, liberada de la tremenda, trascendente y teologal misión de lo creativo, ha logrado, por fin, el soleado universo de lo recreativo.

9.2.10

Barceló, inventario del caos, en Caixa Forum Madrid

Barceló, inventario del caos, en Caixa Forum Madrid hasta el 13 de junio de 2010. Una exposición imposible de perderse.
Acuarelas, dibujos, pósters... CaixaFórum Madrid expone 25 años de trabajo del artista de Felanitx
'La solitude organisative'. Caixaforum Madrid (Paseo del Prado, 36). Hasta el 13 de junio. Comisaria: Catherine Lampert.

5.2.10

'L'homme qui marche I' por 104,3 milllones de dólares

¿Cómo entender que por una escultura de Giacometti, todo lo emblemática y significativa que se quiera, se hayan pagado 104,3 millones de dólares? ¿Cómo considerar razonable desembolsar esa suma por una indefinible obra de arte?
L'homme qui marche I era propiedad de un banco alemán, el Dresdner Bank y, desde el pasado miércoles, pertenece a un desconocido comprador que ha pagado un precio casi increible.
¿Qué hay detrás de todo este negocio?, sin duda amor al ARTE poco y tal vez negocios de complicada explicación o formas de dar valor a empresas que juegan con el ARTE como en Bolsa.