29.4.12

Carteles artísticos de 'Entrepayasaos' en Zaragoza

'Entrepayasaos' es unas jornadas que desde hace 6 años se llevan realizando en Zaragoza con el patrocinio del Ayuntamiento de la ciudad y de la Junta del Distrito del Casco Histórico, donde se dan a conocer los trabajos de los payasos, con actuaciones, talleres, conferencias y cursos. Participan artistas locales e internacionales, tanto en actividad de calle como en actuaciones teatrales o talleres. Pero lo que nos lleva hasta esta entrada es el diseño de su cartelería, mantenida en estos años. Potente, colorista, ingenua, pero maravillosamente encandiladora de una actividad como la clowntertulia, que sirve como poco, para aumentar nuestra capacidad de sonreír, de ser más felices por unos momentos. 

Bellos y sencillos carteles, muy bien trabajados, que encajan perfectamente en la actividad que publicitan, sin perder para nada unos detalles artísticos que los diferencian de la cartelería tradicional.

28.4.12

Boris Labbé preseta "Programa Cluster" en Madrid

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Boris Labbé es un miembro activo del colectivo “10+[dix][sup]”, que trabaja en proyectos multimedia. Desde septiembre de 2011 es artista en residencia de La Casa de Velázquez-Académie de France à Madrid. Presenta en mayo 2012 en “espacio trapézio” una selección de trabajos de reciente producción compuesta por las piezas Kyrielle (2011, animación de acuarela sobre papel), Cinétique (2011, animación digital 3D) y Il(s) tourne(nt) en rond (2010, animación digital 2D). Boris Labbé nacido en1987 en los Pirineos Altos, se licencia en la Escuela de  Arte y de Cerámica de Tarbes en 2008, y en la Escuela de Cine de Animación de Angoulême en 2011. Posteriormente Boris Labbé estudia e investiga sobre procesos de creación digital para mejorar su práctica artística. Conceptualmente está interesado en las problemáticas de percepción, de persistencia de la retina, de interdependencia del movimiento, de polirrítmica sonora. Su trabajo se centra en el arte digital formalizado mediante formatos instalativos, concibiendo sus dispositivos como vídeo proyecciones monocanal, integrando así un trabajo de espacialización. Sus piezas son animaciones en 2D y 3D, en las que utiliza diferentes técnicas gráficas de dibujo, escaneado de imágenes, cuadernos de bocetos, cuadernos de viaje, graffiti, etc, trazado vectorial y modelado con software específico. La estética de las mismas se caracteriza, entre otras cosas, por el predominio de sujetos orgánicos, de escenas delirantes, macabras o eróticas. Su búsqueda de estructuras narrativas no convencionales le lleva a utilizar herramientas como el espejo, el bucle, la repetición, la acumulación de movimientos. El sonido es un elemento esencial en su obra, que produce mediante composiciones propias o en colaboración con artistas sonoros como Quentin Buffier.

Programa Cluster
Se define como un sistema para presentar obras de videoarte y animación que han sido realizadas mediante becas de producción o durante residencias artísticas internacionales. Desde “espacio trapézio” interesa plantear la recepción del vídeo y su visibilidad, ofreciendo un lugar y tiempo adecuados para su observación. Un programa de presentación de trabajos videográficos en formato instalación monocanal. Presentar piezas de vídeo ofrece al visitante la posibilidad de acercarse plenamente a un trabajo artístico en particular, funcionando el espacio expositivo bajo una dinámica de showcase en la que un conjunto de obras realizadas en soporte audiovisual recibe toda la atención.

La Casa de Velázquez-Académie de France à Madrid es, a la vez, un centro de creación artística y un centro de investigación dependiente del Ministerio Francés de Enseñanza Superior e Investigación. Es un espacio privilegiado en el que artistas de procedencias geográficas y culturales diferentes desarrollan su creatividad, reflexionan sobre su oficio y sus orientaciones estéticas compartiendo experiencias. La Casa de Velázquez-Académie de France à Madrid acoge actualmente a trece miembros, franceses o extranjeros, seleccionados en París, a los que se añaden dos becarios españoles seleccionados con la colaboración del Ayuntamiento de Valencia y la Diputación Provincial de Zaragoza, respectivamente. Los artistas practican las disciplinas siguientes: arquitectura, artes plásticas, composición musical, fotografía, cine, videoarte. Además recibe a becarios, para estancias de uno a tres meses en colaboración con instituciones como, la feria Estampa de Madrid o la Fundación Miró de Palma de Mallorca. 

Espacio trapézio - C/ Augusto Figueroa, 24 - 28004 Madrid  www.espaciotrapezio.org/

27.4.12

Luis Pastor, un poeta que canta quejas e ilusiones

Hemos tenido en Zaragoza la visita y el trabajo durante dos días de Luis Pastor. Un poeta que canta. Pero si su obra es una lenta maravilla de disfrutar la queja y el suspiro, la ilusión y la libertad, escucharle entrevistado en Aragón Televisión ha sido una bocanada de aire fresco, de sensatez, de cordura mental en tiempos nublados, de historias acabadas pero sin final. Luis Pastor ha reconocido que les faltó fuerza para dar el último paso social que sí dio José Antonio Labordeta, convirtiéndose en abanderado político. Aunque es cierto que no todo es queja y reivindicación en los cantautores, sino también poesía, fotografía social, eclosión otra vez de la protesta necesaria ante la desviación de la sociedad, empujada por unas raíces conservadoras.

Luis Pastor nos ha visitado en Zaragoza. Necesitamos muchas más visitas como esta, muchas más lagunas que nos enseña la importancia de la poesía en la vida de cada día.

¿Qué fue de los cantautores?
Preguntan con aire extraño
cada cuatro o cinco años
despistados periodistas
que nos perdieron la pista
y enterraron nuestra voz.

Y así van para más de treinta
con la pregunta de marras
tocándome los bemoles.
Me tomen nota señores
que no lo repito más: 
Algunos son diputados
presidentes, concejales,
médicos y profesores,
o ejerciendo asesoría
en la sociedad de autores.

Otros están y no cantan,
otros cantan y no están.
Los hay que se retiraron,
algunos que ya murieron
y otros que están por nacer. 
Jóvenes que son ahora
también universitarios,
obreros, chicos de barrio
que recorren la ciudad.

Un Cd debajo el brazo,
la guitarra en bandolera,
diez euros en la cartera,
cantando de bar en bar.
O esos raperos poetas
que es su panfletos denuncian
otra realidad social.

25.4.12

“Andy Warhol. Portraits”, un gran éxito expositivo

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La exposición en Zaragoza de “Andy Warhol. Portraits” que presentó Ibercaja en la sala Patio de la Infanta en este principio de 2012, recibió un total de 73.000 visitas, lo que ha supuesto un éxito de participación en una exposición cultural en Zaragoza. Curiosamente y asumiendo que era una exposición casi única en Europa pues nunca un conjunto de la obra de Andy Warhol había salido de EEUU, era una exposición normal e incluso tirando a floja en su planteamiento expositivo. Es cierto que junto a la exposición se ha realizado una gran labor divulgativa, talleres y conferencias complementarias, visitas guiadas y una actividad educativa que indica un camino poco transitado pero que hay que explorar mucho más, si queremos que las exposiciones culturales tengan más sentido y sean más visitadas.

“Andy Warhol. Portraits” debe ser el ejemplo sobre el que basculen las iniciativas culturales en ciudades de tamaño medio, con grandes calidades expositivas, pero complementadas con una buena divulgación y un excelente trabajo pedagógico detrás que sirva para dar a conocer lo que se expone desde todas las ópticas posibles, desde enseñanzas muy sencillas dirigidas a niños hasta conferencias que profundicen en todos los aspectos de lo que se está exponiendo. Es triste ver algunos esfuerzos en exposiciones de gran calidad en Zaragoza, que pasan bastante desapercibidas por un mal trabajo divulgativo y complementario.

En la exposición “Andy Warhol. Portraits” se han contabilizado un total de 65.952 visitas en sala, de las que 2.700 han sido escolares; hay que sumar 774 participantes en las visitas para familia y otras 3.960 visitas guiadas. Un conjunto de diversas propuestas que ha permitido alcanzar un cifra global de 73.386 visitas a esta muestra. El objetivo de 'Andy Warhol. Portraits' era acercar el aspecto creador y artístico de Warhol, indagando en la historia personal del artista, en sus motivaciones y en su capacidad creadora e innovadora.

24.4.12

Kees van Dongen pinta la primavera casi puntillista

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Kees van Dongen es el seudónimo del pintor holandés Cornelis Théodorus Marie van Dongen nacido en el año 1877. Era miembro del grupo fuavista y del expresionista alemán “Die Brücke” y gran parte de sus estudios pictóricos y su obra la realizó en Francia y Alemania. Trabajó mucho el retrato generalmente en posiciones y miradas sensuales de mujeres jóvenes y alegres.
Este cuadro de un homenaje  a la primavera de oleo y acrílico sobre lienzo es un ejemplo de paisaje que no tiene mucho que ver con sus obras más conocidas, pintado a principio del siglo XX.

20.4.12

Realismo moderno de Edward Hopper en Madrid

El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, presenta desde el próximo 12 de junio de 2012 hasta el 16 de septiembre, una gran exposición sobre el pintor americano Edward Hopper, que reunirá la más amplia y ambiciosa selección de la obra del artista estadounidense que se haya mostrado hasta ahora en Europa. Pintor que supo reflejar perfectamente la soledad americana desde principios a mitad del siglo XX a través de expresionismo abstracto sobre todo en los últimos años de su carrera pictórica, hasta 1968

La muestra contará con obras procedentes de grandes museos e instituciones como el MOMA y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, la Addison Gallery of American Art de Andover o la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Filadelfia, además de algunos coleccionistas privados y de la colaboración especial del Whitney Museum of American Art de Nueva York, que ha cedido 14 obras del legado de Josephine N. Hopper, esposa del pintor. La exposición cuenta también con la colaboración de la Terra Foundation for American Art.

Edward Hopper es uno de los pintores norteamericanos más conocidos y apreciados en Europa pero, paradójicamente, sus cuadros sólo se han expuesto en contadas ocasiones ante este público. Con el objetivo de llenar ese vacío y difundir su trabajo, se unen ahora estas dos instituciones culturales, especialmente relevantes para el artista: el Museo Thyssen porque alberga la colección más importante de su obra fuera de Estados Unidos y la Réunion des Musées Nationaux porque París y la pintura francesa de principios del siglo XX fueron un referente fundamental en los inicios artísticos de Edward Hopper.

Americanismo y realismo son, desde sus comienzos, atributos clave de la pintura de
Edward Hopper. Sus cuadros son un fiel retrato del país y revelan su cara más moderna, pero sin idealizarla, mostrando la realidad de manera simplificada, jugando con las luces y las sombras acusadas de sus personas y objetos que marcan todavía más la soledad y el vacío de la sociedad moderna. Aunque existen algunos paisajes y escenas al aire libre, la mayoría de sus obras se desarrollan en interiores de lugares públicos, como bares, hoteles, estaciones, trenes.

16.4.12

Joaquim Muntañola Puig, “Muntañola” falleció este marzo

Joaquim Muntañola Puig, “Muntañola” “Puig” y “Kim”, dibujante humorístico sobre todas sus otras profesionas, se nos fue a principios de marzo de 2012, casi sin ruido, a los 97 años, tras una larga trayectoria como dibujante de comic creando personajes como "Josechu el vasco", "Angelina y Cristobalito" “Don Felipe” y "Doña Exagerancia".
 el humor se merece un respeto y reconocimiento mayor, pues es muy complicado conseguir sonrisas con unos trazos y unas sencillas historias.

Autor de comedias de teatro, de cortometrajes, locutor de radio, crítico de cine, escaparatistas, publicó numerosos libros y en el año 2000 le fue entregada la Cruz de San Jorge de la Generalidad de Cataluña.

15.4.12

Crear es dejar volar la imposible para demostrar que es posible

Crear es dar vida, lanzar al aire propuestas y desear que sean capaces de volar, de encontrar su viento y se pongan a caminar ellas solas en busca de felicidades o críticas, pero siempre aires nuevos, diferentes al que había cuando se crearon. 

Crear es osar a romper consensos, a edificar nuevos elementos que pueden romper los consensos, que en su provocación, pueden hacer sufrir sobre todo a los que nunca hacen nada. ¿Y qué más da?, ¿no? 

Crear es atrevido, pero qué más da si es de eso de lo que se trata el vivir. Hay que dejar de creer en lo establecido, para simplemente dejarnos llevar por la creación nueva, que busca luces y sombras nuevas, aunque nos parezcan viejas. Crear es sin duda dejar volar a la imaginación. No atemos nuestros pensamientos a las cadenas viejas y rancias. Así no.

14.4.12

Abstracción pictórica de Fernando Zóbel de Ayala

Fernando Zóbel de Ayala y Montojo era un pintor español muy influyente en la pintura abstracta del siglo XX. Su procedencia filipina junto a sus estudios en EEUU y Suiza le convierten en un simplificador del arte que emplea primero como elementos pictóricos la caligrafía oriental, para crear formas que invitan a pensar, a viajar a lomos de ellas. Tras este periodo pasa a la Serie Negra, la que coincide con el apogeo del grupo "El Paso". Adopta el grafismo negro pero sólo sobre fondos blancos, marcando sobre todo el movimiento y su fuerza expresiva, como vemos en la imagen que dejamos arriba, titulada “Navacerrada” pintada en el año 1961. 

Su gran prestigio mundial le lleva a estar representada su obra en numerosos museos de los más importantes de todo el mundo. Admirador de cuenca, está enterrado en el cementerio de San Isidro de Cuenca, sobre la Hoz del Júcar.

13.4.12

Fundación Beulas, en Huesca presenta “Paseos por la colección Arte y Naturaleza”

La exposición que se exhibe ahora en el Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) de la Fundación Beulas, en Huesca titulada “Paseos por la colección Arte y Naturaleza” pretende mostrar las diferentes ideas de paisaje que animan al arte desde los años setenta del anterior siglo a través de obras adquiridas por el CDAN-Fundación Beulas de artistas de diferentes países y de varias generaciones y podrá visitarse hasta el 29 de septiembre de 2012. 

El CDAN-Fundación Beulas pretende convertirse en referencia internacional en todos los temas que relacionan el arte y la naturaleza con la cultura contemporánea.

Por medio de estas obras también se quiere llamar la atención sobre los muy variados soportes y técnicas puestas en juego, mostrando el abanico de posibilidades desplegadas para construir la nueva idea de paisaje. 'Paseos por la colección Arte y Naturaleza' llama la atención sobre la variedad de soportes y técnicas artísticas, revelando las posibilidades para construir la nueva idea de paisaje. Así, podrán verse piezas escultóricas, pinturas, dibujos, bocetos, proyectos, maquetas, fotografías, películas, vídeos, instalaciones y documentos.

El listado de artistas seleccionados es: Siah Armajani, Ricardo Calero, Enrique Carbó, Alberto Carneiro, Javier Codesal, Thomas Joshua Cooper, Per Kirkeby, Christiane Löhr, Richard Long, François Méchain, Pedro Meyer, David Nash, Rafael Navarro, José Noguero, Bernand Plossu, David Rodríguez, Ülrich Rückriem y Fernando Sinaga.

12.4.12

Mujer. Obra del pintor holandés Willem de Kooning

El Museo de Arte Moderno de Múnich ha planteado para una exposición de estos meses, la mujer vista desde el trabajo pictórico de tres grandes del siglo XX. Picasso, Beckmann y Willem de Kooning, del que dejo un cuadro del año 1953. 

Los tres grandes artistas se dedicaron a retratar mujeres libres, emancipadas, provocativas incluso, que les sorprenden a todos ellos por su fuerza, su personalidad, su potencia personal.

El pintor holandés Willem de Kooning, que trabajó el expresionismo abstracto pero buscando gestos de sus modelos que trascendieran en sus pinturas, formas y movimiento, símbolos femeninos pero con gran fuerza, tanta, que a veces parecían féminas que producían temor, casi como mujeres cazadoras de hombres. Sus enormes ojos, sus modelos mirando sorpresivamente o de manera desafiante, les conferían una vida propia que miraba desafiante al mundo.

11.4.12

Bailarina del británico Mark Briscoe en Zaragoza

La Sala de Arte CAI Barbasán de la calla D. Jaime de Zaragoza presenta los trabajos del pintor británico Mark Briscoe que vive en Zaragoza desde hace más de 10 años. Sus obras, inspiradas en las pinturas miniaturas de la India, mientras estudiaba con el maestro Ram Krishna Sharma, reflejan bailarines y paisajes de este país, pero desde el encuadre y óptica de un artista occidental, en algunos trabajo casi puntillista y posimpresionista. Se puede ver hasta el 28 de abril de 2012.

9.4.12

Desnudo en el MOMA, fotografía sobre papel salado

El MOMA de Nueva York presenta una exposición sobre fotografías de desnudos con ejemplos de más de un siglo y con una manera diferente de trabajar el desnudo fotográfico en un periodo en el que la fotografía comenzaba a tener peso sobre todo para realizar modelos que servían luego a pintores para crear sus cuadros en pintura.

Este ejemplo está realizado en el año 1853, es una fotografía pequeña de 12x16 centímetros, en papel salado partiendo de un negativo. El papel salado era una técnica muy antigua en donde una hoja se sumergía en cloruro de sodio, se secaba y luego se ponía sobre su superficie nitrato de plata para formar cloruro de plata, que resulta muy sensible a la luz. El papel se exponía a la luz, en este caso de un negativo por contacto, y se va ennegreciendo poco a poco hasta que se ponía hiposulfito que detenía y fijaba el proceso.

8.4.12

La pintura realista del catalán Gabriel Picart

El pintor realista Gabriel Picart nació en Barcelona aunque su carrera pictórica la ha desarrollado sobre todo en EUU. Ilustrador en un principio, es ahora un gran pintor realista, casi un pintor fotográfico de modelos femeninos sobre todo, aunque ha realizado trabajos en paisaje o bodegones de gran calidad y detalle. Su gran dominio de la luz y del color, con claras reminiscencias de su anterior trabajo como ilustrador reflejan una obra muy personal, que produce calma y deseos de contemplar y disfrutar de un paisaje precioso que siempre envuelve a los modelos.

6.4.12

Damien Hirst ¿es artista o empresario de la creación para vender?

Damien Hirst, ¿artista? Muy raro, expone en la Tate de Londres una seria de sus obras más nuevas, por el mídico precio de 17 euros la entrada. No se puede entender las obras de Damien Hirst si antes no prestamos atención al negocio que se esconde dentro de sus montajes, y nunca mejor dicho. Lo primero que te encuentras al entrar en la Tate son dos enormes vitrinas de cristal llenas de moscas. Una cabeza de vaca, sin piel y apoyada en el suelo en medio de un gran charco de sangre alimenta a los insectos y alberga los huevos que pasan luego a convertirse en larvas. Las moscas que consiguen sobrevivir pasan a la otra vitrina a través de una pequeña ventana circular que comunica los dos espacios. Allí, hay una especie de radiador donde algunas quedan como electrocutadas. Resulta realmente desagradable, pero no se admiten quejas. Al fin y al cabo, uno ya sabe que se adentra en el mundo de Hirst. La Tate nunca se había visto en otra igual y que siempre había dicho que los museos eran para los artistas muertos, ha dado su permiso para llevar a cabo una impresionante retrospectiva de Damien Hirst que puede gustar más o menos, pero que no deja indiferente. 

La de las moscas, es una de las más de 70 piezas que muestra la galería Tate en Londres. Esta ¿obra? lleva por título "A miles de años" y fue creada en 1990. Fue la primera vez que Damien Hirst (Bristol, 1965) experimentó con la vida y la muerte, una obsesión que luego ha estado plasmada en innumerables trabajos. Sin duda alguna, el más conocido es La imposibilidad física de la muerte en la mente de una persona viva. Se trata de un tiburón con la boca abierta metido en un gran tanque de formol. Lo presentó, por primera vez en 1992 y cambió totalmente la forma de entender el mundo del arte contemporáneo. Saatchi pagó por la obra 50.000 libras. The Sun publicó la noticia en portada con el titular “Una millonada por un fish sin chips”. En 2004, fue vendida a un coleccionista estadounidense, Steven A. Cohen, por 8 millones de libras. 

El tiburón también está presente en una de las catorce salas de la Tate, pero no es el original. El animal primero comenzó a deteriorarse cuando estaba en casa de A. Cohen y tuvo que ser reemplazado por el equipo de trabajo de Damien Hirst. La segunda versión del escualo fue cedida al Metropolitan Museum de Nueva York y es ésta la que se puede ver ahora en la Tate Modern

Los críticos comenzaban a mimar a Damien Hirst tras ver la singular instalación "Dentro y fuera del amor". Desde su exposición original en 1991 nunca se había vuelto a reproducir. Ocupa toda una sala a la que se accede por una doble cortina de plástico. Una vez dentro, te encuentras con plantas y decenas de mariposas vivas —y muy grandes— que revolotean a su antojo apoyándose en unos paneles de las paredes a modo de cuadro y también en las cabezas de los visitantes, que, sin darse cuentan, las sacan de la habitación. Pese a que la sala está con una humedad relativa entre el 50 y el 70% y una temperatura de 25 a 30 grados, los lepidópteros viven alrededor de dos semanas, por lo que hay que cambiarlos constantemente para que siempre haya alrededor de la centena. De nuevo, la vida y la muerte, la belleza y la fealdad, lo sagrado y lo profano, las obsesiones de un artista que durante su etapa como estudiante pasaba largas tardes en los museos de anatomía y en las salas con cadáveres al servicio de los estudiantes de medicina. La fotografía de Damien Hirst junto a una cabeza cortada de un hombre calvo y gordo —“Con cabeza muerta” (1991)— es la obra que te recibe nada más entrar.

5.4.12

Salvador Dalí pintó a la muerte en "Primavera necrofílica"

El poco conocido cuadro "Primavera necrofílica", del pintor Salvador Dalí, y que está valorado en 9,1 millones de euros, se subastará el próximo 2 de mayo de 2012 en Nueva York como parte de un lote de obras del surrealismo.

"Primavera necrofílica" fue pintada en 1936 y “es un ejemplo de uno de los momentos más creativos de la carrera de Dalí, cuando, en París, establece su iconografía personal, en la que mezcla las imágenes oníricas con las figuras hiperrealistas”, informó hoy en un comunicado Simon Shaw, director de la subasta organizada por Sotheby's. Shaw detalló que, a través de los dos personajes que aparecen en el lienzo, "rodeados de una extensión sin final de llanuras y cielo que recuerda a su Cataluña natal", Dalí (1904-1989) combina "el anonimato y lo específico". La obra, no ha salido al mercado en los últimos quince años, y se exhibirá en Londres del 13 al 18 de abril, antes de su venta en Nueva York.

4.4.12

Detalles de “Plaza de la Boquería” de Aquiles (Achille) Battistuzzi


Estos fragmentos del cuadro “Plaza de la Boquería” de Aquiles (Achille) Battistuzzi, pintado en 1873, que falleció en Barcelona en 1891 aunque era nacido en Trieste (Italia). El cuadro refleja una estampa de la zona que hay enfrente del mercado de la Boquería en Barcelona y fue adquirida por la Exposición Universal de Barcelona de 1888 para exponerla en la misma. En la actualidad la obra se encuentra en el MNAC de Barcelona.


Su particular manera de pintar los detalles más pequeños de las escenas le acerca a la realidad fotográfica. Trabajó mucho escenas de interiores de iglesias pero también para crear decorados de teatros de la época. Uno de los precursores del “vedutismo italiano o veneciano” que era una técnica que reflejaba una vista urbana con perspectiva y gran profusión de detalles, muchas veces con sensación de vida urbana llenando las obras de personas paseando o realizando sus tareas más comunes. Eran pequeños cuadros que hoy se entenderían como postales de ciudades importantes, como fotografías que reflejaran la vida de un momento.

3.4.12

Muerto Antonio Mingote, se acabó una manera de entender España


Ha muerto Antonio Mingote, Marqués de Daroca, retratador excepcional de la sociedad española, editorialista de ABC durante casi 60 años. Sus fotografías dibujadas, sus personajes, su Madrid o su España han marcado durante muchos años una forma de ver y entender nuestro carácter, desde el arte y también desde la palabra. No coincidían mis ideas sociales con las suyas pero sus maneras de retratar eran fabulosas y deben admirarse. Una gran pérdida para el arte periodístico español.

2.4.12

Los "Fajaditos" de Pablo Serrano y su explicación

Los “Fajaditos” son pequeñas obras de Pablo Serrano que sin una explicación del autor, no tendrían el mismo valor de cariño, de pena incluso. Son seres sin libertad, atados y oprimidos por una vida social que les emplea, los usa y los tira. Son como muñones que simplemente trabajan hasta morir. Son penas.

El texto siguiente es de Pablo Serrano de 1964, sobre los “Fajaditos”.


“Pobrecitos, fajaditos, jodiditos en vida, muertecitos. 
Con una boca nada más, con un ojo nada más, con la nariz nada más, con un oído nada más. 
Fajaditos condecorados. 
Algo quieren decir, pero no pueden, están fajaditos. 
Tienen un libro. 
Tocan mal un instrumento. 
Sus cabezas son de tarro de farmacia, sus cabezas son de automóviles de plástico. 
Con un ojo solamente. 
Nada más con un bracito. 
Nada más, nada más nada, nada nada”

El fotógrafo Li Wei juega con lo imposible, sorprendiendo

Cuesta entender que este fotógrafo que se llama Li Wei y tiene 37 años, sea capaz de volar en el aire. Él asegura que no emplea Photoshop o programas similares para crear y retocar las imágenes y es muy posible que así sea. En principio crear esa ilusión no sería nada complicado para cualquier diseñador gráfico actual, armado con un Mac y una buena herramienta de retoque fotográfico, pero el fotógrafo Li Wei se declara "anti efectos especiales".

Se declara fotógrafo por encima de todo: "Fui artista de performances y acróbata antes de dedicarme a la fotografía, así que mi trabajo está basado en los elementos de la performance. Esos son los más importantes para mí y no los efectos especiales. Sólo utilizo Photoshop si he de borrar algo de cable que se pueda ver, pero las otras partes son reales. Cuando estoy colgado de un helicóptero a más de 200 metros de altura o en el piso 29 de un rascacielos es todo real", asegura Li Wei.

Para realizar sus obras utiliza elementos como espejos, delgadísimos cables de acero, enormes grúas, andamiajes y efectos ópticos como trampantojos que le permitan no tener que utilizar herramientas digitales para crear la ilusión. "Mi trabajo es una experiencia artística. Todo, la preparación, la realización y no solo el resultado son parte de la obra", explica el fotógrafo. De hecho en Madrid existe un artista callejero que parece flotar en el aire en plena calle, como si tras un resbalón estuviera en el aire a punto de caerse de bruces contra la acera y a un metro de altura; y todo se basa en un efecto sustentado con unos pequeños andamiajes de acero que le sujeten por debajo de su ropa. Con todo, el trabajo de Li Wei es muy bueno.

1.4.12

Un Picasso firmado, comprado por 10,6 euros

En el mundo del coleccionista de obras de arte la adquisición de una obra de Picasso está siempre unida al desembolso de cifras inalcanzables para la mayoría de los humanos —el pintor malagueño es el único que tiene tres de sus pinturas entre las 10 obras más caras— al menos hasta el pasado 1 de marzo de 2012. Ese día, un vecino de Ohio, Zachary Bodish, compró un Picasso firmado por 14,14 dólares (10,6 euros) en una tienda de artículos de segunda mano.

Zachary Bodish pensó que el póster que encontró entre una pila desordenada de cuadros era una mera reproducción industrial y este aficionado al arte lo único que le llamó la atención del cártel es que “su aspecto fuera mate y no tuviera el acabado brillante que suelen tener los posters impresos con tintas y métodos gráficos industriales”. Solo al llegar a su casa descubrió que abajo y en color rojo estaba la firma de Picasso acompañada de los números 6/100. 

La litografía que adquirió Zachary Bodish podría ser el sexto de una serie de 100 carteles originales y numerados que Picasso en 1958 para anunciar una exposición de cerámica en Francia. Aunque todavía no ha sido tasado, los expertos aseguran que el Picasso de Bodish podría alcanzar los 6.000 dólares en una subasta. Más de 420 veces lo que pagó por un poster que le atrajo por ser mate en vez de brillante.

Cigüeña de origami pintada en una pared inglesa



Dicen que este grafiti realizado en una pared junto a un canal de Londres es del genial artista urbano Banksy e incluso se preguntan de ser así, qué es lo que desea expresar con esta cigüeña con un pez en la boca, una cigüeña de papel plegado, de origami, que podría indicar que alguien está esperando un hijo. 

Es rizar mucho las interpretaciones, pero todo es posible. De cualquier manera, sea o no sea de Bansky y sin saber su interpretación exacta, es otro ejemplo de buena ubicación para realizar esta pintura y un excelente trabajo en donde juega con los colores e incluso con las hierbas del terreno para crear una obra genial con muy pocos elementos gráficos.