31.5.12

Expresionismo alemán en una exposición de Viena

La exposición Kirchner-Heckel-Nolde, organizada por el Museo Albertina de Viena en Austria, recoge principalmente obras de tres pintores expresionistas alemanes y presenta la extraordinaria colección de una mujer que, tras la Segunda Guerra Mundial, pasó de ser una simple secretaria a convertirse en la mano derecha del prestigioso marchante Wilhelm Grosshenning en Düsseldorf y a partir de 1960, en una apasionada coleccionista privada de arte.

La selección comprende cerca de 90 obras centradas en el Expresionismo alemán: obras excepcionales de Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Emil Nolde que se exponen junto a trabajos de un representativo grupo de arte alemán del siglo XIX y de grandes maestros de Europa Occidental como Picasso, Matisse y Modigliani.

Fecha: del 1 de junio al 26 de agosto.
Lugar: Museo Albertina. Albertinaplatz 1. 1010 Viena, Austria
Horario: de jueves a martes de 10.00 a 18.00 horas. Miércoles de 10.00 a 21.00 horas. 

La imagen de la entrada es un paisaje de Ernst Ludwig Kirchner.

27.5.12

Euphoria cantada por Lereen de Suecia, gana Eurovisión 2012

Me gusta la música como elemento motivador, como actividad que impregna de sentimiento todo lo que rodea de sus contenidos, cada vez más completos y complejos, en donde la voz, el instrumento musical o el ritmo sonoro se mezcla con la decoración, la escenografía, la puesta en escena. Hoy he visto Eurovisión tras varios años sin prestarle atención. Me ha perecido un gran cambio con lo que imaginaba, con lo que esperaba. La puesta en escena de este año ha sido muy buena, la escenografía y la composición global del programa muy alto, con lo complicado que es sorprender y crear escenarios diferentes y nuevos.

Me ha gustado la canción ganadora, Euphoria cantada por Lereen de Suecia. Pero también me ha gustado la representante de Albania, Rona Nishliu; la de Italia, Nina Zilli; la de Ucrania, Gaitana; e incluso el atrevimiento de las representante s de Rusia. No me ha gustado Pastora Soler representando a España y lo siento. Creo que la televisión de Azerbaiyán ha realizado un gran trabajo y que la música ha salido ganando con unos cambios interesantes. Falta sin duda cambiar el sistema de votación clientelar entre amigos y vecinos, que no sirve para valorar lo bueno sino si acaso la proximidad geográfica o política. Pero eso es otro tema.

26.5.12

Los “Guerrilleros del ganchillo” atacan un caballo metálico

Los “Guerrilleros del ganchillo” (o las guerrilleras, que nunca se sabrá), han atacado en Zaragoza al caballito de bronce que recuerda al que había de cartón detrás de la Lonja en la Plaza del Pilar y que utilizaba un conocidísimo fotógrafo de los antiguos, que hacía fotos por encargo a niños y militares.

La imagen del caballo de bronce disfrazado de colores, enfundado en ganchillo, metido en un jersey para los fríos, es un ejemplo más de que el ARTE no tiene ni color ni forma, no conoce expresiones cerradas sino es una manera de estar siempre abierto a la exploración, a las nuevas técnicas, a la provocación, a la sorpresa.

El caballito volverá a su textura original cuando sea, pero mientras tanto ha recobrado vida nueva durante un tiempo, con este pequeño disfraz de colores que le vuelve a dar importancia y obliga a no pasar desapercibido dentro de un paisaje común ya asumido por nuestras miradas. Por mi parte, un aplauso a los “guerrilleros del ganchillo”.

23.5.12

“El asesino de su patrimonio”, posiblemente lo último que veríamos

Adrián Villar Rojas, un artista visual argentino explicaba esta obra con una contundente frase. "Yo quería imaginar el trabajo realizado por los últimos seres humanos que hacen arte antes de la extinción de la raza humana".

Este montaje de nombre “El asesino de su patrimonio” realizado en barro sobre armazón de cemento y madera muestra un grupo de gigantes que representarían la última expresión artística en un mundo sin seres humanos. Sobre un espacio de unos 25 metros y empleando la altura de las esculturas y la iluminación para darle más relieve nos hace entrar en un mundo final, acabado, fantasmagórico, en lo que podrían ser las últimas esculturas sobre la Tierra.

22.5.12

Pequeño desnudo cenital de John Crawford

El fotógrafo John Crawford nos enseña un cuadro maravilloso en clave de desnudo cenital que nos convierte a la chica casi en algo superfluo, casi sobrante en un paisaje fotográfico espléndido, en una pintura encuadrada en una excelente posición, si no fuera por que la chica desnuda tal vez debería estar posicionada más alta. Color, sombras, posición y encuadre, cambio de color y de espesura en los elementos.

21.5.12

The Michael Kohlhaas Curtain, de Stella y Calatrava

El arquitecto español Santiago Calatrava, amante de las curvas en sus creaciones arquitectónicas y el pintor-escultor norteamericano Frank Stella, considerado el gran maestro del arte abstracto y precursor del minimalismo del siglo XX, que ha utilizado la pintura desde la década de 1960 como un medio para atravesar el espacio circundante, se han unido para realizar la obra 'Frank Stella and Santiago Calatrava: The Michael Kohlhaas Curtain', que se expone en España por primera vez en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos (IAACC) Pablo Serrano de Zaragoza. Se trata de una colaboración que podrá verse en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza del 22 de mayo al 15 de diciembre.

La pieza “La cortina de Michael Kohlhaas” fusiona una de las obras monumentales de Frank Stella, un mural de 30 metros de largo y una tonelada de peso realizado en 2008 y que se presentó por primera vez en la Nueva Galería Nacional de Berlín, junto a una estructura-escultura de acero de Santiago Calatrava, diseñada con una forma atípica en arquitectura y en geometría, un toro que se convierte en imagen dentro de un anillo "una figura en armonía y equilibrio perfecto que se encuentra ya presente en la obra de Calatrava desde sus inicios". Arte, literatura y arquitectura se combinan para formar una instalación con enorme energía que trasciende las formas tradicionales de clasificación artística.

En Zaragoza, debido a las dimensiones de la sala, se muestra ligeramente abierta por un lado para que el visitante pueda penetrar en ella "encontrándose en un refugio arquitectónico", de forma que la instalación "se convierte en una compleja y mágica experiencia espacial para los espectadores". Esta colaboración es una oportunidad para que los dos artistas, "que comparten una pasión por transgredir los límites e ir más allá, corroboren que la eliminación de las barreras entre diferentes disciplinas del arte puede crear una perspectiva artística única", han señalado desde el Gobierno de Aragón.

Stella y Calatrava son dos artistas que muestran gran interés por el movimiento y la austeridad en la obra de arte, "fusionan maravillosamente el barroco y el minimalismo" y son muchos los puntos que comparten más allá de su amor por Roma, por Picasso o por los puentes; Stella es un pintor-escultor que se ha sentido atraído por la arquitectura y el espacio desde los años 60 y utiliza la pintura "como medio para perforar el espacio a su alrededor". Paralelamente, las obras del arquitecto, pintor y escultor Santiago Calatrava poseen formas escultóricas cercanas a la anatomía humana y a las formas de la naturaleza como sucede en puentes suspendidos y edificios que se retuercen sobre sí mismos, como el famoso 'Turning Torso' de Malmö (Suecia).

Stella y Calatrava se conocieron en 1990 cuando el artista americano fue a visitar la estación de tren de Saint-Exupéry que Calatrava estaba construyendo en Lyon (Francia). La colaboración surgió cuando Calatrava, a principios de 2009, visitó el estudio de Stella próximo a Nueva York. Allí vio 'The Michael Kohlhaas Curtain', un gigantesco mural de colores, inspirado en la novela 'Michael Kohlhaas', del escritor alemán Heinrich von Kleist. Stella, gran amante de la cultura alemana desde su época de estudiante al igual que Santiago Calatrava, escogió este relato de rebeldía "por su sorprendente modernidad, dinamismo y las posibilidades narrativas que encierra para trasladarlo a la pintura", han relatado las mismas fuentes. Al verlo, Calatrava pensó en una de las claves de la obra general de Frank Stella, la tensión de los límites y el problema del marco de las obras pictóricas, una cuestión sobre la que Calatrava realizó su tesis doctoral en 1981 y cuyo punto central era cómo las formas lineales pueden adoptar la tridimensionalidad. Tras este encuentro, ambos concluyeron que Calatrava resolvería esta cuestión en la colaboración, creando una delicada estructura arquitectónica en forma de toroide, con múltiples redes, "de gran simpleza visual y enorme complejidad técnica" y en ella se insertaría el mural de Stella "quedando sujeto y suspendido en su interior". Luego, en un gesto arquitectónico, el conjunto se situaría elevado del suelo.

20.5.12

La única mujer afgana que se atreve a realizar grafiti en Kabul

Shamsia Hassani es una artista del grafiti en las calles de Kabul, una mujer que pinta sus obras con spray pero vestida de burka en una ciudad llena de ruinas, destrozada por las guerras, ensombrecida y castigada sin saber bien los motivos reales de tanto destrozo a los civiles, pero Kabul es su ciudad y en ella pinta sus mensajes. Esta mujer joven de 24 años que desarrolla el arte urbano como mejor sabe utilizando el aerosol en las calles y rincones de esa ciudad rota, durante las noches por el miedo a ser detenida, no tanto por expresar lo que siente mediante su arte, sino sobre todo por ser mujer en un país donde las mujeres están asociadas a esa jaula conocida como el burka.

Ella pinta a las mujeres con burka de color azul con burbujas que les salen de la boca silenciosa, pues las mujeres en Afganistán no pueden hablar como los hombres, representando todo un símbolo de la libertad, es un color limpio que indica esperanza. En un país donde la libertad de expresión brilla por su ausencia, el merito es aún mayor si el grafiti es realizado por una mujer. Lleva menos de dos años pintando paredes, dando vida nueva a las tristes losas que en pie sirven muchas veces de parapetos ante ataques inesperados.

Cuando una pared le gusta pero no se atreve a pintar un grafiti en ella, la fotografía y luego pinta encima de ella el grafiti que desearía poder pintar en la propia pared. La escanea y la convierte en un ejemplo de lo que desearía hacer y que no se atreve ni puede.

19.5.12

Cerámica contemporánea en CERCO

CERCO es la mayor exposición de cerámica contemporánea que se celebra en España, en la Sala Multiusos de Zaragoza. Del 18 al 20 de mayo de 2012 se mostrarán en horario de 11 a 21 horas las obras de 22 artistas de las que dejo como muestra una cerámica de la gallego Xela Area, otra (en medio) de la Escuela de Arte de Zaragoza y a la derecha una del asturiano Ángel Domínguez-Gil.

Una Jirafa. Teatro sobre la poesía de Luis Buñuel

Tuve viernes de teatro vivo, moderno, potente, poético y soñador. Nada más sentarte en el teatro para ver la obra "La Jirafa" de la compañía aragonesa “Producciones Che y Moche” te entregan el programa de mano como un pequeño aperitivo que te avisa de que aquello no va a ser una obra de teatro convencional. En una cajita simulando medicamentos han metido el programa con unos textos que todavía podrían ser más ácidos.

Durante unos 80 minutos te quedas soñando con un texto de Luis Buñuel que plantea 21 micro historias, a veces sorprendente, otras ácido o irreverente en su lógica medida, otras alegre y simpático y otras triste. Sí, alguna también complicada y de complejo entendimiento, pero para eso Luis Buñuel era un genio surrealista y los años pasados desde que se escribió la obra en 1933 un peso complicado.

Pero si algo hay que reconocer por encima de todo, es el excelente trabajo de puesta en escena y dirección, la maravillosa iluminación y el incansable trabajo de los seis integrantes del escenario, que lo llenan, juegan con él y con los espectadores, dominan los espacios y los decorados, y mantienen vivo un texto que personalmente lo considero tal vez, lo más flojo de esta excelente obra.

Son unos minutos llenos de cientos de cuadros, de pinturas, de fotogramas, de obras de arte que van cambiando de color y forma sin casi poder retenerlas. Personalmente lo maravilloso no es lo que se dice, sino el cómo se dice y como se envuelve todo.

La compañía tiene por delante el gran trabajo de asentarse en este complejo mundo del teatro actual, planteando en el futuro muchas otras nuevas obras, que nos irán enseñando un camino que promete mucho por su buen hacer.

17.5.12

La Pradera de San Isidro, vista por Goya en 1788

La pradera de San Isidro, cuadro boceto pintado por Goya en el año 1788 está considera como una de sus mejores obras, fotografía pura de un momento en la vida social de Madrid, en donde retrata en un boceto para luego ser trasladado a unos tapices, el momento en el que el pueblo de Madrid celebra en su pradera de San Isidro la fiesta de su patrón.

Se ve desde la ermita de San isidro el día de la romería con la gente disfrutando de un día de campo, al igual que todavía se sigue haciendo en la actualidad. En el fondo se ve el Madrid de la época, y entre este y la gente de la romería el cauce del río Manzanares.

Nunca se llegó a realizar el tapiz definitivo, muy posiblemente por la gran dificultad que llevaba trasladar a un tapiz, por muy grande que fuera, tantísimo detalle de tanta gente en el campo, y además en una zona oscura de poco contraste de color.Si hace clic sobre la imagen la podrá ver más grande y con más detalle.

13.5.12

Nuevo poema y triste dibujo de Federico García Lorca

Del amor que Federico García Lorca tenia por su gran amigo el periodista Juan Ramírez de Lucas tenemos referencia hoy en poemas, cartas y dibujos que Lorca le mandaba y Ramírez de Lucas conservó hasta que ahora el periódico El País los está ofreciendo para conocimiento de todos. Unía así Lorca la poesía, el dibujo, los sentimientos y el dolor, y los entregaba con la libertad de quien crea para sus amigos, para sus amores, para los demás, sin más interés que el de sentirse bien y demostrar sus sentimiento hacia los que le rodeaban. Son pequeños bocetos con una gran fuerza, que reflejaban limpiamente y con pocas líneas el dolor y la tristeza de un gran artista, vilmente perdido.


Aquel rubio de Albacete
vino, madre, y me miró.
¡No lo puedo mirar yo!
Aquel rubio de los trigos
hijo de la verde aurora,
alto, sólo y sin amigos
pisó mi calle a deshora.
La noche se tiñe y dora
de un delicado fulgor
¡No lo puedo mirar yo!
Aquel lindo de cintura
sentí galán sin...
sembró por mi noche obscura
su amarillo jazminero
tanto me quiere y le quiero
que mis ojos se llevó.
¡No lo puedo mirar yo!
Aquel joven de la Mancha
vino, madre, y me miró.
¡No lo puedo mirar yo!
 

12.5.12

El olvidado trabajo de los fotograbados y fotomecánicas

La simplicidad en el diseño de una portada es también arte, sobre todo como en el caso que mostramos arriba —una portada de un pequeño ejemplar de los Cuentos de Calleja—, cuando los medios de que se disponía en aquellos años no eran ni mucho menos los actuales y eso obligaba a trabajar ilustraciones muy simples que se pudieran reproducir con facilidad. 

Eran planchas de fotograbado en zinc para impresión tipográficas que requerían un trabajo muy especial y hoy nada reconocido hasta lograr estas impresiones a color empleando métodos de grabado incluso muy similares a los que utilizaba Goya, utilizando eso si la fotografía y los laboratorios fotográficos para la realización de cada plancha, de cada separación de color. Sin ordenadores, empleando soluciones de ácido nítrico y mucha técnica y profesionalidad. Dibujo muy simple, colores vivos y casi planos, con algunas tramas muy gruesas para medias tintas escasas y así evitar problemas a la hora de grabar y de imprimir mientras se esperaban sistemas de impresión como el offset que simplificaron todo el proceso y lo dotaron de una calidad muy alta.

11.5.12

El Museo Carmen Thyssen de Málaga presenta a Hermen Anglada

La próxima exposición temporal programada por el Museo Carmen Thyssen de Málaga (ojo, noviembre de 2012) tendrá como protagonista la obra del pintor catalán Hermenegildo (Hermen) Anglada-Camarasa. La exposición organizada en colaboración con la Obra Social "la Caixa", estará compuesta de alrededor de 55 obras que plantearán un recorrido a través de la representación femenina en la pintura de este autor.

Hermenegildo Anglada-Camarasa (Barcelona, 1871-Port de Pollença, 1959) es uno de los pintores relevantes de la primera década del siglo XX. Tras un período inicial de formación en Cataluña, en 1894 marchó a París para ampliar conocimientos artísticos. Las pinturas de su etapa parisina, realizadas bajo los efectos de la luz eléctrica, muestran los ambientes nocturnos de la Belle Époque en la capital, en los que la mujer es la protagonista, envuelta en el lujo aparente y la voluptuosidad, dando lugar a obras que se cuentan entre las más creativas y sobresalientes de su producción. Anglada-Camarasa inicia así una exitosa carrera con una sucesión de exposiciones en distintas ciudades europeas, que continuaría más adelante en el continente americano. No en vano ésta fue su etapa más creativa y sobresaliente, captando de manera personalísima y original los detalles de la vida nocturna y sus personajes. Su obra pictórica está considerada como modernista, llena de color y luz y toques orientales para crear aires de lujo y sensualidad. Su obra, adquiridad por La Caixa se puede ver de manera permanente en su Museo de Plama de Mallorca.

Fecha prevista para la exposición: de noviembre de 2012 a febrero de 2013. Lugar: Museo Picasso Málaga. Palacio de Buenavista. c/ San Agustín, 8. 29015 Málaga, España. 
La imagen que dejamos en el blog se titula: “La gata rosa”

7.5.12

Ciudad Total, exposición en el IVAM

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) presenta una exposición hasta el 15 de junio sobre la “Ciudad Total” con fotografías, esculturas y proyecciones sobre la vida urbana, sobre la realidad de las grandes ciudades que se van convirtiendo en lugares poco amables, poco habitables incluso. La muestra presenta además una veintena de proyecciones de artistas y cineastas que hacen de la construcción urbana y las vivencias en la ciudad su objetivo central.

La exposición permite a quien la visite, a través de la contemplación de 70 grandes fotografías, 24 vídeos, cuatro esculturas, dos óleos y una instalación, conocer de cerca el modelo de gran ciudad que nos viene para el futuro, dura y muchas veces inhumana.

Está dividida en cinco apartados. Cosmópolis, Topologías Densas, Espacios Alineados, Lugares Fluidos y Mundos Virtuales.

4.5.12

Iconos de Keith Haring que todos recordamos

Keith Haring es un artista que está siempre de moda, aunque sin notarlo los que nos rodean sus ideas y diseños de hace muchos años. Ahora cumpliría 54 años y Google le ha dedicado el doodle en su recuerdo. Nacido en Pensilvania y estudioso de Arte en NY, es considerado una figura clave en el grafiti urbano y en el diseño más sencillo y efectista de las últimas décadas. Platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando fueron sus objetos preferidos para ilustrar, formando toda una colección de iconos que todavía se siguen empleando hoy en día en multitud de trabajos gráficos. 

Supo reflejar como nadie la generación Pop de los años 80 y 90 con sus sencillos dibujos, totalmente originales para la época que todavía tienen una actividad tremenda en nuestros recuerdos.

Trabajó también con vídeo, música, moda, collages, etc. Pintaba sobre soportes muy variados: papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas. Se inspiraba sobre arte africano primitivo pero lleno de colores limpios y simplificando las formas y líneas.

3.5.12

Explicación del cuadro "El Grito" de Munch

Una de las copias del cuadro “El Grito” de Edvard Munch se ha subastado ayer en la sala Sotheby’s por 119,9 millones de dólares, unos 91 millones de euros. Este cuadro es la cuarta copia que pintó Munch de su célebre cuadro en el año 1895, y se ha convertido en el cuadro más cara vendido en una subasta. ¿No ha tocado techo el precio de las obras de arte incluso en estos periodos de crisis económica tan acusada?

Es cierto que “El Grito” de un joven Munch pues lo pinto con 32 años, representa como nada el dolor, la desesperanza, el miedo, el alma de quien grita. Pero quedan grandes dudas de si su precio es lógico, aunque quien paga ha pensado que si. En el cuadro está como añadido del artista un pequeño poema en donde refleja con palabras lo que ha convertido en icono, con su cuadro. Es sin duda un añadido de gran valor.

"Paseaba por un sendero con dos amigos —el sol se puso—, de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio —sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad— mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza..."

2.5.12

Grabado para el libro “Un día me esperaba a mí mismo”

Este grabado es un regalo que viene dentro de los libros “Un día me esperaba a mí mismo” de Miguel Ángel Ortiz Albero, Premio al Mejor Libro editado en Aragón en el año 2011, y que me ha encantado por el detalle pero sobre todo por su imagen de tristeza limpia, de sencilla manera de jugar con el color y el “no” color, con la vida y la muerte. 

 Os obligo a verlo y para eso lo traigo hasta aquí, para que sintáis o sufráis lo mismo que he sentido yo. U otra cosa totalmente diferente, que casi es mejor.

1.5.12

Pablo Picasso pinta a un muchacho con perro en 1905

Picasso pintó temas melancólicos inicialmente en tonos frescos y predominantemente azul. Alrededor de 1905 se pasó a uno más cálido y por lo general se levantó la paleta para representar músicos ambulantes y artistas de circo. El artista visitó regularmente el popular Circo Medrano con su novia Fernande Olivier y pintó varias versiones de un muchacho con un perro, en un estilo lineal, de estilo neoclásico, como los estudios para la Familia de saltimbanquis. Este cuadro “Muchacho con un perro” es del año 1905 y se expone en el Pictoright Amsterdam