30.9.12

María José Cristerna, la mujer lienzo o la mujer vampiro

No sabríamos decir si la mexicana María José Cristerna, más conocida como la mujer vampiro, récord Guinness por ser la mujer con más cambios en su cuerpo es la obra de arte o en cambio son sus tatuadores los que deben figurar como artistas consagrados, aunque el resultado final quede para las grandes dudas.

Si rascamos vemos que María José Cristerna es la dueña de la empresa “Adiccion Corporal Tattoo & Piercing”, es decir que todo queda en casa y que ella se ha convertido en el mejor reclamo publicitario de su propia empresa. Emplea su cuerpo como el lienzo perfecto para probar, demostrar y convencer.

Es abogada, madre de cuatro hijos, varios cuernos de titanio en la frente, el 98% de su cuerpo está tatuado y se implantó dos colmillos para parecer una vampiro.

27.9.12

'Gaudí único', exposición en el Patio de la Infanta de Zaragoza

Ibercaja Patio de la Infanta de Zaragoza, inaugura hoy 27 de septiembre de 2012 la exposición 'Gaudí único', una muestra diseñada exclusivamente para Zaragoza y que da a conocer al artista, al científico, al arquitecto y a la persona a través de 200 piezas, entre fotografías, maquetas, planos y dibujos, mobiliario y otros materiales técnicos. 

   La directora de la Obra Social de Ibercaja, Teresa Fernández; la responsable del programa de Educación y Cultura de Ibercaja, Magdalena Lasala, y los comisarios de la muestra Pere Jordi Figuerola y Charo Sanjuán, han presentado en rueda de prensa esta exposición organizada por la caja aragonesa en colaboración con el Museo Diocesano de Barcelona, la Cátedra Gaudí y Àurea Cultura i Art.

   'Gaudí único' podrá visitarse hasta el 29 de enero y su objetivo es, de forma didáctica, acercar al público zaragozano la figura, la obra y el legado de Antoni Gaudí (Reus, 1852-Barcelona, 1926), la influencia en el modernismo del artista, único con ocho obras Patrimonio de la Humanidad, y entender así al genio más allá de la visión turística que se tiene de sus creaciones.

25.9.12

Dibujos de moda del ilustrador Arturo Elena, en Zaragoza

La Sala CAI Luzán de Zaragoza, en el Paseo de Independencia, acoge hasta el 25 de octubre de 2012 una exposición de 59 dibujos del ilustrador aragonés, Arturo Elena, de quien se ha calificado como "el verdadero referente español en la ilustración, sobre todo en temas de moda". Bajo el título de "Ilustración de moda", los visitantes podrán contemplar 59 dibujos originales realizados por este ilustrador desde 2004 hasta la actualidad por encargo de grandes firmas de la moda.

   La muestra está abierta todos los días de la semana, de 19 a 21 h., excepto los festivos. La entrada es libre y entre las ilustraciones que pueden verse en la Sala CAI Luzán, figuran las creadas para Cosmopolitan España Moët Hennessy España, Hennessy; Audemars Piguet Norte América; y Audemars Piguet Iberia Viñas del Vero Loewe.

   Arturo Elena "es el mejor en su campo en España, un verdadero referente al que diseñadores de moda intentan imitarle sin conseguirlo o hacen otras cosas para aminorar las diferencias, pero su trabajo es inimitable", ha enfatizado Antonio Abad. En rueda de prensa, Antonio Abad del Servicio Cultural de Caja Inmaculada ha indicado que "tenemos un particular cuidado con los artistas de nuestra tierra y más aún por su dedicación a un campo tan específico como este".

    Sobre la técnica del ilustrador, el profesor de Diseño Gráfico e Ilustración de la Escuela de Artes de Zaragoza, Rafael Pueyo ha explicado que el uso del rotulador le permite trabajar con la rapidez que exige su oficio y además mezclar con otras técnicas para lograr una "minuciosa ejecución" al detallar que Arturo Elena es "delicado, audaz, recrea texturas y tejidos" para sintetizar que "recrea lo exuberante y lo sencillo con igual acierto".

   "Más que ilustraciones de moda hago escenas", ha indicado Arturo Elena al explicar que su obra de ilustrador le exige trabajar así "no sólo ser buen dibujante, sino traducir las pautas que los clientes me dan en papel o por teléfono" por lo que "tengo que convertirme en maquillador, escenógrafo, iluminador" y otros oficios; el ilustrador ha defendido el uso del rotulador en la ilustración y ha rebatir que sea una técnica menor para confesar que "para mi un René Gruau (ilustrador francés de alta costura) es igual que un Velázquez" y ha considerado que si los pintores del siglo XVIII hubieran tenido rotuladores "hoy tendríamos más ilustraciones". Arturo Elena elabora su obra de "forma manual", si bien ha estimado que "algunos programas informáticos son de ayuda tras la realización de un boceto para corregir proporciones", pero el "Photoshop lo utilizo poco".

   Tras trabajar para Victorio y Lucchino  estos mismos diseñadores le solicitan luego ilustraciones para las carpetas de prensa de su primer desfile en la Pasarela de Moda Cibeles de Madrid y para la presentación de su primer perfume. Desde este momento abandona su trabajo como diseñador para dedicarse exclusivamente a la ilustración y comienza su colaboración con firmas como Loewe, Chanel España, Roberto Verino, Lemoniez, L'Oreal París, Carrera y Carrera, Audemars Piguet (España y América), The Extrème Collection, Tejidos Rafael Matías o Custo Barcelona, entre otras. Y fuera del circuito de la moda, Citröen, Lucky Strike, Reynolds, Drambuie, Bodegas Viñas del Vero o Moët Hennessy España (Grupo LVMH). Sus trabajos han aparecido en revistas españolas (Elle, Telva, Mujer Hoy, Yo Dona) y de otros países como Portugal, Francia, Ucrania, Noruega, China, Taiwán, México, Colombia y Vietnam. Entre 1992 y 2009 sus ilustraciones han sido publicadas mensualmente por la revista Cosmopolitan España.

Dos mujeres del Tafilalet, de Antonio Ortiz Echagüe


El pintor castellano Antonio Ortiz Echagüe pintó este cuadro al óleo en el año 1931. Su obra es casi siempre retratista y se formó entre sus periodos de España, Italia, Estados Unidos, Holanda o Argentina, en donde falleció.
Tituló esta obra como “Dos mujeres del Tafilalet”, reflejando dos mujeres de Marruecos, musulmanas y profundamente tapadas aunque descalzas. Es una obra grande, de unos dos metros de alta, que está en el Museo San Telmo de San Sebastián.
Tafilalet es una región interior del norte de Marruecos, cuya capital es Mequinez.

22.9.12

Tapiz africano del Centro Thies de Senegal para NY


En la imagen dejo un tapiz que irá a la Sede de las Naciones Unidas en Nueva York, creado en el Centro Thies de Senegal.
La Ciudad de Thiès es de un tamaño medio y la segunda ciudad más grande en Senegal con sus más de 300.000 habitantes, pero sobre todo muy conocida por sus fábricas de tapices, factorías construidas en el año 1966 y que producen las telas que preparan de los principales diseñadores senegaleses. Es cuna de los tapices de Pájaros del Paraíso.
Uno de los grandes atractivos de la ciudad de Thiès son las famosas tapestries o tapicerías, talleres de arte textil que crea auténticas y maravillosas obras de arte textil en telares verticales. En ellas se puede ver la manufactura tradicional de tapicerías donde se teje a punto de Aubusson. Se encuentran, principalmente, en la fábrica de Manufactures Sénégalaises des Arts Decoratifs, en la calle de la Marie. Aquí se puede comprar telares o simplemente visitar las salas de exposición de la fábrica. La factoría más importante fue fundada por artistas franceses en los años sesenta.
Este sistema de tejer emplea diversos tipos de hilos según sean para las urdimbres o hilos verticales en donde se emplea lino o algodón, o para las tramas o hilos horizontales, en donde utilizan lana, algodón, pero también oro, plata, seda o materiales especiales.

18.9.12

Goya a golpe de un clic en el Museo del Prado

Si deseamos conocer mejor toda la obra del genial Goya, ahora el Museo del Prado nos ofrece la posibilidad de mostrarnos en el ordenador y en alta resolución sus obras de pintura y dibujo, con un detalle como el que podemos observar en el detalle del dibujo que dejamos arriba, con fichas técnicas de sus obras con amplia información sobre todas ellas. Una excelente manera de viajar sin movernos de casa y de conocer las obras más importantes que el Museo del Prado tiene de Goya.

17.9.12

Dislexia de libros, una obra de la madrileña Alicia Martín

Esta obra de Alicia Martín, titulada “Dislexia” nos lleva a una locura en la relación con los libros, con la lectura, nos muestra un cierto desorden en nuestra coherencia con la lectura, que nos perturba en lo que todos consideramos una relaciones con los libros muy asumidas por todos.
Yo te compro, te leo y te abandono. O yo te compro, te regalo y te olvido.
Aquí quedan los libros agrupados en una biblioteca que se rompe, se cae, de desparrama creando belleza pero también dureza e incluso pavor. ¿Sirven estos libros para ser leídos? ¿han perdido ya su sentido para convertirse en parte de un objeto global? ¿siguen siendo parte de un todo y por ello, entes con vida individual que todavía sirve o al contrario son simplemente ladrillos de una gran columna que ha absorbido la fracción de vida de cada una de sus partes?
Es una obra del año 2002 de la madrileña Alicia Martín, que trabaja los libros como material poético para sus creaciones artísticas. Emplea para sus obras libros con taras o donados por instituciones que los iba a destruir por su uso o cambio.

10.9.12

La Puerta del Paraíso de Lorenzo Ghiberti en detalle

La Puerta del Paraíso (Porta del Paradiso, su nombre en italiano) es el nombre con el que se conoce popularmente la obra del escultor y orfebre italiano Lorenzo Ghiberti. La primera de las puertas fue realizada entre los años 1403 a 1424 y la última entre los años 1425 y 1452 y es esta última la que representa 10 episodios de la vida de Jesús por ambas caras de la puerta y que ahora se ha restaurado y abierto al público es realmente maravillosa. Permaneció en la fachada este del Baptisterio de Florencia hasta 1990, cuando fue sustituida por una réplica. Su técnica de relieve en muchos planos ligeramente diferentes en su profundidad le otorgan una visión realmente maravillosa de las escenas, técnica italiana conocida como “relievo schiacciato”. 

La puerta fue sometida hasta este agosto de 2012 a una lenta y profunda restauración, tras muchas décadas de abandono a los elementos y el vandalismo. En 1966, por ejemplo, esta obra sufrió graves daños al caer víctima de las inundaciones que cubrieron buena parte de Florencia. Las grandes dimensiones de la obra (5,20 metros de altura, 3,10 de largo, 11 centímetros de grosor y ocho toneladas de peso) dificultan mucho cualquier intento de traslado. 

En la actualidad, se expone dentro de una vitrina de cristal en el Museo dell'Opera del Duomo, en las inmediaciones del Baptisterio. 

La "Puerta del Paraíso" es la obra cumbre de Lorenzo Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesto el sobrenombre de 'La Puerta del Paraíso' por Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564). Su popularidad en el Renacimiento fue considerable. El arquitecto y pintor Giorgio Vasari (1511-1574) dijo de ella que era “la obra de arte más fina jamás creada”. 

Dejo en detalle el primer cuadro pictórico en bronce, en donde se ve la Creación de Adán y de Eva, la desobediencia de estos a Dios y como son expulsado del Paraíso.

9.9.12

Franz von Defregger nos muestra una familia austriaca

A través del blog de unjubilado.info he llegado hasta el pintor Franz von Defregger, un austriaco que vivió entre los siglos XIX y XX. Un pintor que sobre todo retrataba sin tener fotografías la vida popular de esta zona de Centro Europa. Nos enseña pues una visión de la forma en que se vivía hace más de un siglo en las familias europeas. Pintor de familias rurales, grupos religiosos que se mezclaban con la vida natural de los pueblos, retrataba sobre todo miradas, composiciones grupales en donde nada está por casualidad.

En el cuadro que dejo, se ve una familia completa, con un puesto secundario para los abuelos, pues el principal lo ocupa dos frailes orondos que disfrutan del momento. Los niños cobran protagonismo el esta obra como en otras lo han ocupados los ancianos o las mujeres. Pero además también la gastronomía o los animales domésticos tienen un espacio en la obra relatando como era el momento y la vida familiar de este grupo. Franz von Defregger refleja una visita de dos frailes, agasajados con lo mejor que esta familia tenía, jugando con las miradas de los personajes que nos llevan a los que contemplamos la obra a ir mirando según observan los protagonistas. Como espectadores, estamos dominados por lo que el artista Franz von Defregger quiso que fuéramos mirando. El gesto de la anciana que entra al fondo, agachando la cabeza, es un detalle sutil como la postura del anciano de la izquierda, que contempla como ajeno a todo, una escena que le viene dada pero de la que no quiere participar.

6.9.12

La Creación, de Miguel Ángel, en alta resolución

El genial Miguel Ángel fue el más grande de los artistas del Renacimiento, ya que él cultivó y trabajó de forma maravillosa todas las esferas del arte, desde la poesía, pasando por la arquitectura, la pintura y, sobre todo, la escultura. Tal vez su obra más sublime sea la Capilla Sixtina del Vaticano. Y tal vez su detalle más conocido sea La Creación donde Dios abre su mano hacia Adán con Eva a su regazo. Es una obra enérgica, que más que pintura al fresco parece una escultura sobre la pared, llena de vida, de realismo, de volumen y fuerza. Esta obra, la Capilla Sixtina, encargada por el Papa Julio II para su Palacio Apostólico y en la que Miguel Ángel dedicó cuatro años de su vida, es una genialidad que hace cambiar para la historia del Arte una bóveda que era azul y con estrellas doradas semejando el cielo nocturno a una maravilla única. Dicen que Miguel Ángel no contó con la ayuda de ningún colega ni ayudante en la realización de este enorme obra, que Miguel Ángel hizo tumbado en un andamio que iba corriendo de posición. Tan mal lo pasó que llegó a escribir de esa obra que inicio en el año 1508: “... De afanarme en este trabajo me he ganado un bocio como las paperas que les produce el agua a los gatos de Lombardía... Los lomos se me han hundido en la panza, hago del culo, para contrapeso, grupa, y, perdidos los ojos, doy pasos en falso. Por delante se me alarga la pelleja, y, al inclinarme hacia atrás, se me rejunta de tal modo que quedo tenso como arco sirio. Con ello, mis juicios resultan erróneos y extravagantes, pues mal se puede apuntar y disparar con cerbatana torcida. Defiende tú ahora, mi muerta pintura y mi honor, pues ni éste se halla en buen lugar, ni soy yo pintor...”.
En la obra de La Creación destacan dos enormes y claras imágenes humanas: por un lado, Dios encarnado en un hombre ya anciano y con barba blanca y cabellos largos, que está envuelto por una túnica púrpura, que parece llegar a la Tierra rodeado de ángeles llevando bajo su brazo izquierdo una figura femenina, interpretada como Eva y que aún no había sido creada. Mientras su brazo derecho se estira, con el fin de otorgar la chispa de la vida a Adán. Y por otro lado, un Adán que está representado como un joven y hercúleo personaje, un nuevo hombre débil pero bello y grande que espera acostado en tierra a que le sea insuflada vida. ya que su brazo izquierdo se encuentra en la misma posición y a la misma distancia que el brazo derecho de Dios. Estamos a ante una composición artística de belleza excepcional en la que sobre todo se refleja el dedo creador de la mano de Dios. Un soplo de vida que se entrega en el contacto entre los dedos de las dos figuras.

Para ver la imagen más grande, hacer clic sobre ella. 

5.9.12

Lorenzo Durán, tallista artístico en hojas de árboles

Podemos encontrar pequeñas obras de arte en cualquier lugar en donde haya un artista creando nuevas posibilidades.
Es el caso de este artista que empleando hojas, recorta figuras hasta convertir en pequeñas obras de arte sus creaciones, enmarcándolas después para venderlas. Lorenzo Durán es un artista extremeño que deja claro sus inicios como delineante, dibujante artístico y trabajador de la construcción, para crear dibujos escultóricos, empleando un elemento que en sí mismo no tiene valor, como son las hojas de árboles, que sin su trabajo, se perderían.
Cree que cada objeto de la naturaleza o ser vivo tiene impreso en su forma, el arte en su más pura esencia. Los colores de una mariposa, el cristal mineral, el árbol majestuoso, etc., son una forma de arte que nos deleita los sentidos y para él un buen medio para experimentar la creatividad es la naturaleza. Hay tallistas que utilizan la madera, escultores que labran la piedra y otros utilizan las hojas como medio de expresión artística (cosa que le resulta nueva y apasionante). Podéis ver más obras suyas en su página web.

3.9.12

Escultura de María Magdalena de Pedro de Mena



Es normal ver a María Magdalena vestida con túnicas de la época, con ropajes parecidos al de todos los santos y vírgenes que acostumbramos a ver en las pinturas o esculturas de época. Pero no todas las representaciones de María Magdalena son así.

En algunas obras se pueden ver sus encantos, enseñando unos bellos pechos. Y en otros figura María Magdalena con unas ropas pobres, de mujeres de calle.
Esta escultura que mostramos del genial escultor granadino Pedro de Mena y Medrano, del año 1664 representa a una María Magdalena con un traje de hojas de palmera tejidas y atadas con una soga, símbolo de sus años de penitencia en el desierto.

Es una figura de gran impresión por su mirada y sus gestos, con una mano sujetando el pecho que ayuda a que le vista se vaya al crucifijo al contemplar la escultura.

Esta obra es del Museo del Prado pero está en depósito en el Museo Nacional de la Escultura de Valladolid.
Santa María Magdalena es todo un misterio que se ha elevado con distintas teorías al santuario católico. Se dice que fue prostituta. Otros en cambio hablar que fue una mujer salvada de lapidación por Jesucristo.

Los hay que hablar de sus grandes pecados fruto de hasta siete demonios que tenía dentro de su cuerpo y que Jesús consiguió expulsar. Incluso otros hablar que en realidad era la esposa de Jesús o al menos su compañera íntima. O los hay que incluso van más allá e indican que apóstol Juan pudiera ser María Magdalena y autora del cuarto Evangelio, el de Juan.

1.9.12

El Padre Simó suplicando en el Calvario

Esta obra es un detalle de un cuadro de Francisco Ribalta y su taller que a principios del siglo XVII realizó en oleo sobre lienzo y titulado “Visión del calvario del Padre Simó”. Lo traigo por la imagen del Padre Simó, de dolor, de súplica, de incluso esperanza, muy bien logrado en una mirada que dice todo, inspirándose en las escuelas tenebristas italianas.
Dicen las leyendas que este Padre Simó estaba junto a Cristo en el Gólgota, en los montes donde fue crucificado Jesús, algo que la propia iglesia no aceptó. Gólgota en arameo significa “lugar de la calavera” pues también la tradición dice que en este lugar además de crucificar a Jesús es donde se enterró la calavera de Adam o Adán.
Y cuenta la tradición que en el siglo XVII, a la muerte de este Padre Simó que aseguraba haber estado con Cristo en su muerte, se intentó con suma fuerza y debate que se santificara a este sacerdote, empleando para ello todo tipo de artes visuales de aquellos tiempos, como eran los cuadros, carteles pintados para en reuniones religiosas o estampas y así defender la intención de beatificar a este Padre. Al no lograrlo y prohibir su culto la jerarquía de la iglesia se prohibió su culto y se tuvieron que retirar sus altares, pero nos queda el Arte y al pintura para enseñarnos los intentos por glorificar a un cura que había vivido en el siglo primero y en el XVII.

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