31.3.14

Juan Genovés nos muestra la obra “En la calle” más real que nunca

Juan Genovés nacido en Valencia en el año 1930 es uno de los artistas iconos de la libertad en España por varios motivos, principalmente por su obra artística y su visión social de la realidad que le ha tocado vivir con su familia y luego en su trabajo diario en una España complicada.

Esta obra, del año 1975 y titulada “En la calle”, es de la serie que le valió el gran título de estar una semana en la cárcel tras la muerte del dictador simplemente por pintar y crear obras de arte. Posiblemente sea la mejor manera de estar en el trullo.

30.3.14

Ajuar doméstico de la época califal, siglo X, en Valencia

Este plato forma parte del ajuar doméstico de una vivienda palacio, encontrado entre los restos de la época califal (sobre el siglo X) en la zona de la cárcel de San Vicente Mártir de Valencia. No son puramente artesanía pues además de hacer los platos de uno en uno, los decoraban imaginando figuras de la naturaleza que interpretaban según los autores.

29.3.14

Un simple mensaje envuelto endelicadeza contundente

Un simple mensaje envuelto en luz, en delicadeza, en ganas de impresionar, en originalidad, en deseos de llamar la atención para que nos resulta más complicado no aceptarlo, es un mensaje envuelto en ARTE. No tiene que ser un cuadro de Goya que haya costado semanas de trabajo, pues las ideas ahora funcionan mcuho más rápido que antes y las nuevas técnicas nos facilitan su creación y convertirlas en forma. Pero si algo te impacta, sin duda, estarás viendo algo que se acerca al arte.
Est cartel es del artista David Shrigley

28.3.14

¿Qué importancia tiene el Arte? ¿es importante que sea importante?

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Debemos restarle importancia el ARTE y solo así lograremos disfrutarlo que es para lo que se crea.

No es posible juzgar el ARTE desde el punto de vista de la calidad pues precisamente esa pretendida calidad a veces destroza el ARTE hasta convertirlo en artesanía. Cuando visitamos museos observamos ejemplos que nos gustan y otros que nos desagradan, igual que cuando paseamos por la vida.

Es imposible respondernos a la duda de cual es el motivo que lleva a unas obras hasta permanecer siglos entre nosotros colgadas en los almacenes de la contemplación y en cambio la inmensa mayoría se pierden definitivamente.

Alguien las selecciona por nosotros. Efectivamente, a veces por motivos mercantiles, otras por gusto, las más por originalidad e innovación, otras por representar una tendencia o ser parte de una familia de idioma artístico. Pero si nos dedicamos a rebuscar entre ARTE alejado de nuestra zona física de influencia vemos que se debería multiplicar por mil el tamaño de los museos si pretendiéramos que nos mostraran una selección de todo lo que se hace en el mundo del ARTE.

La obra que muestro es de Robert Rauschenberg titulada “Pilgrim (Peregrino)” y realizada en el año 1960.

27.3.14

Hombre desnudo flotando en un mar de dudas

El fotógrafo Maciek Jasik nos muestra la figura humana como si de muñecos de goma se trataran, es decir, nos muestra la realidad del ser humano, amoldable e incapaz de ser algo duro y fuerte ante las situaciones externas. Dentro de un mar de colores todavía el humano es más débil pues se asemeja a los animales que flotan en el mar húmedo de las dudas.

26.3.14

Dibujo roto o papeles dibujados


No sé el autor y eso imposibilita totalmente saber algo más de esta obra. Me gustó en una tienda y lo fotografié para llevármelo con gusto. La distribución de las formas, sus simples líneas, sus colores, su conjunto.

25.3.14

Un verso y un cuadro de la poetisa Safo de Lesbos

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El pintor neoclásico Jacques-Louis David, francés del siglo XIX pintó esta obra pictórica titulada “The Poetess Sappho” o “La poetisa Safo de Lesbos”.

Esta poeta griega, Safo o Sappho, debió nacer por el siglo VII a.d.C. en Lesbos (cerca de Turquía) y siendo de clase alta sabemos que se dedicó a escribir poemas de los que se han logrado conservar unos 650 versos. Se piensa que era profesora o que al menos creó una escuela de contemplación artística entre compañeros y compañeras de su influencia social. Su amplia relación con amigas con sus mismos gustos artísticos y con otras poetas de su época la han catalogado como precursora del amor íntimo entre mujeres.

Os dejo un verso suyo.

Ven, pues, ¡Oh diosa! y mis anhelos cumple,
liberta el alma de su dura pena;
cual protectora, en la batalla lidia
siempre a mi lado.

24.3.14

¿Qué es hoy el Arte? ¿Qué era el Arte según Aristóteles?

¿Y qué es el Arte?  

 

Aristóteles decía, el Arte…:
1/ Nos muestra lo que es la realidad
2/ Nos enseña lo que parece ser la realidad
3/ Nos descubre lo que la realidad debe ser

La verdad es que Aristóteles no podía intuir qué es el Arte del siglo XXI ni las enormes posibilidades y diferencias que hoy puede mostrar el Arte.

Hoy el Arte es sobre todo experimento, se acerca sobre todo a la tercera acepción de Aristóteles, pero la verdad es que 2.300 años después las opiniones de este sabio griego siguen siendo muy válidas.

“Nuestro señor el desollado” pintura neo surrealista

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Este cuadro se titula “Nuestro señor el desollado” y está realizado por Paul Pletka en un alarde de mezclas y dando una sensación equivocada de desconocimiento de la imaginería católica que asombra por sus personajes.

Este artista pintor y escultor de California pintó esta obra en el año 2004 con acrílicos sobre lienzo simulando el descendimiento de Cristo pero rodeado de una seria de figuras que cuando poco nos resultan sumamente curiosas. Desde el encapuchado de la zona izquierda al que aparente llevar una cabeza en la mano que en realidad es una máscara como otrso varios que portan máscaras pustas en la escena. Es una interpretación basada en culturas iberoamericanas, pero que tiene tantas licencias que se puede pensar que no intentaba reflejar una realidad religiosa sino un trabajo contemporáneo con total libertad de composición. 

El cuadro está en el Museo de Arte de Phoenix. Paul Pletka está considerado un pintor neo surrealista que tiene fascinación por las culturas de los nativos americanos y por la conversión de estos al cristianismo por los primeros conquistadores.

23.3.14

Marisa Flórez fotografió la soledad de Adolfo Suarez. Abandonado por sus soldados

Aquí traigo imágenes de obras de ARTE de gentes que supieron plasmar el momento, congelar la situación. algunas veces también fotografías aunque las menos.
Esta imagen de Adolfo Suarez solo, abandonado en su escaño de Presidente del Gobierno, de la fotógrafo Marisa Flórez para El País es de justicia en el día del fallecimiento de Suarez y de reconocimiento a la fotógrafo que supo leer el momento y el carisma, el mensaje de Adolfo Suarez, ya solo, helado ante la responsabilidad y abandonado por todos sus soldados.

Ilustración del libro “Pontus y Sidonia” siglo XV


Los libros antiguos manuscritos tienen dentro un sin número de maravillosas ilustraciones auténticas obras de arte, ilustraciones que por su detalle nos muestran una forma de entender la sociedad de aquellos siglos, cruel y muy dura.

Esta ilustración es del libro “Pontus y Sidonia” que es un romance o una novela de caballerías y amor en prosa, escrita originalmente en francés hacia 1400, conocida como Ponthus et la belle Sidonie, probablemente escrita por Geoffroy IV de La Tour Landry o por otro miembro de la familia de La Tour Landry.

La novela relata las aventuras de Prince Pontus, el hijo del rey Thibor de Galicia, que se enamora en Bretaña de Sidonia, hija del rey de Bretaña. Además de su historia de amor trata también de las luchas por volver a reconquistar Galicia e instaurar la monarquía perdida. El texto está asociado a los señores de La Tour, ya que proviene de los antepasados de la familia, cuyas posesiones ancestrales estaban en Bretaña, desde los miembros del linaje del príncipe Ponto.

La historia se basa en un manuscrito anterior, el cantar de gesta anglonormando “Horn et Rimenhild” (ca. 1180). Varias traducciones se hicieron al alto alemán medio durante el siglo XV (es decir, en el período correspondiente a la fase final del alto alemán medio o de la fase de formación del idioma alemán moderno).

Hay una versión que se conservó en alemánico, posiblemente escrita en la Antigua Confederación Suiza entre 1440 y 1460, y otra versión en francés, probablemente escrita en la región de Tréveris. Otra traducción de la versión francesa fue realizada por Eleanor, archiduquesa de Austria (1433-1480).

22.3.14

Buste de profil (Portrait of Jacqueline) de Picasso

Pablo Picasso creó esta litografía en zinc que tituló "Buste de profil (Portrait of Jacqueline)",  en el año 1957, que se encuentra enThe Blanton Museum of Art at The University of Texas at Austin.

20.3.14

Mi siglo de "El Roto" desnudo y ácido

Andrés Rábago u OPS o El Roto es además de un gran dibujante y editorialista con sus pocas palabras un artista ilustrador que ha trufado su carrera de innumerables premios a su trabajo. Escritor de libros tiene más de 20 publicados con sus historias y sus cuentos de una sola imagen y ha expuesto de forma individual en más de 90 ocasiones por todo el mundo. En sus cuadros firma como Rábago.

Esta obra, firmada por El Roto en el año 2001 se titula "Mi siglo".

17.3.14

Isla de las Esculturas de Pontevedra. Un parque diferente

Es la Isla de las Esculturas de Pontevedra, un lugar para pasear mientras se contempla arte. Un parque donde se une contemplación fácil y miradas algo más complejas. Francisco Leiro deja una escultura que titula Saavedra en medio del agua y Dan Graham nos deja una pirámide en medio del césped del parque.

16.3.14

El israelí Amos Gitai nos pinta en rojo el dolor de la guerra

Este dibujo fue pintado por Amos Gitai dos años después de la guerra de Yom Kipur de 1973. Amos Gitai es un gran cineasta israelí que también es un gran creados de obras artísticas en donde siempre muestra el lado más social y duro de los territorios sobre los que vive, esté en ellos o se tenga que escapar por ser muy crítico con las violencias de todo tipo. Este realizador artista siempre ha concebido el cine como una forma de intervención en el espacio público y en la actualidad política, ha interpretado y narrado su propia genealogía, prestando especial atención a la influencia que, por motivos muy distintos, han tenido sus padres en su forma de ver la vida y la sociedad.

15.3.14

Carlos Irijalda y su fotografía abstracta de la normalidad

El pamplonés Carlos Irijalda nos plantea en esta fotografía la mirada hacia un mecanismo de arte contemporáneo que no nace para ello pero que se puede observar así a poco que lo separemos de su entorno natural. Es una visión abstracta de algo común aunque escondido a la vista habitual. A veces la belleza puede estar escondida en cualquier lugar e incluso resulta extremadamente rara.

14.3.14

Una bicicleta de la artista argentina Mart Aire

La artista argentina Mart Aire empezó a pintar a la edad de 12 años en su Buenos Aires natal pequeños textos que con los años se van convirtiendo en murales con bicicletas. Sus colores potentes, sus formas algo naif, sus encantadores encuadres dejaron en aquellos años 90 una forma de entender el arte urbano muy encantador. Hoy sigue pintando y practicando el Art Street más innovador.

13.3.14

Marie-Thérèse Walter pintada por Picasso desde el amor

Picasso pintaba en el año 1931 esta obra en donde retrata a Marie-Thérèse Walter de cara y perfil. Amante y amor de Picasso fue musa de muchos caudros de aquella época viviendo con él cerca de Picasso en un castillo palacio que le compro para su amada. Ella era una joven veinteañera y deportista que lograba sacar de Picasso las mejores épocas artísticas.

12.3.14

José Ramón Alba nos hace una ronda por la zona de los hurtos

Espacios y sensaciones, lecturas e imágenes caminando juntas. Tal vez leer en estos tiempos sea un acto de rebeldía, sin duda de creatividad mental. Unir la lectura y la imagen creativa para darle más sentido es una forma de facilitar las ideas y los caminos de estas. Esta imagen se llama “Ronda” y es de la serie “Hurtos” del artista José Ramón Alba

11.3.14

El Arte de la esperanza, contra el dolor

Curiosamente el dolor a veces crea arte; el pensamiento casi siempre. Este pequeño cartel del aeropuerto de Kuala Lumpur, puesto por los familiares de las posibles víctimas de la desaparición de un avión, avisan de que creen en la esperanza de la solución satisfactoria. Y sin saberlo han creado un arte visual contundente. El dolor compartido es menos dolor. Y a veces el dolor crea la estética de la esperanza.

10.3.14

Bohyun Yoon y sus posturas sexuales coreanas

El artista coreano Bohyun Yoon nos presentó en el año 2009 este montaje de piezas troceadas del cuerpo humano en silicona que con una iluminación adecuada reflejaba unas sombras cuando menos curiosas de posturas sexuales que parecían flotar en el aire como muñecos con movimiento propio haciendo sexo delante de todos nosotros. Tenemos una gran duda con esta obra. ¿Qué era realmente la obra de arte, las piezas deconstruidas que colgaban de hilos o las sombras de estas mismas piezas que eran las que creaban la idea final?

9.3.14

El capital de la cultura está escondido en la sociedad

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Los tontos que mandan en la CULTURA no se han dado cuenta del negocio que representa. No, euros no, negocio. Para ellos emprender es pensar en el beneficio económico para después poder comprar cuadros caros. Eso es invertir en cultura para los chatarreros que mandan. Pero el capital de la cultura está escondido en la sociedad, en las mentes. Y como eso es muy adentro, no llegan a verlo. Solo se deslumbran con las cosas caras y supérfluas.

¿Y si pusiéramos la cultura muy cara? Tal vez así ellos pensarían que efectivamente es interesante invertir en cultura. Y los ricos tontos, que son la mayoría, seguirían sin disfrutarla y solo comprándola.

7.3.14

Valerie Hegarty nos impresiona con sus cuadros en relieve

Las obras del artista neoyorkino Valerie Hegarty son verdaderamente impresionantes que muchas veces menudo se hace pasar por cuadros históricos que se han destrozado. Es pinturas devastada, rota o destruida, lienzo fusión junto a paredes agrietadas formando collages que engañan a la vista y a las sensaciones de que aquello no es una obra creada de nuevo para ser observada desde el ahora, sino una transformación por el paso del tiempo o de las circunstancias.

Valerie Hegarty trabaja con materiales frágiles tales como cartón pluma, papel, pintura y pegamento, que va manipulando hasta convertirlos en una imitación escrupulosa de los objetos reales sólo para demolerlos después hasta formar su obra final. Como si de fallas valencianas que esperan su fuego depurador se trataran. Trampantojos que se convierten en obras de arte y no al revés.

El periódico The New Yorker llamó a su trabajo una mirada a los "poderes de decadencia de una nación y de los asuntos de Estado fracturado." Tal vez de toda la cultura en general.

5.3.14

Desnudo de Martín Eder, artista alemán detallista

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El artista alemán Martín Eder nos presenta una obra detallista y en muchos casos erótica con mujeres llenas de pequeñas arrugas, manchas o granos, realizadas con gran maestría. Es uno de los artistas alemanes más valorados y reconocidos.

4.3.14

Lygia Clark, fundadora del movimiento Neoconcretistas

La artista Lygia Clark fue una mujer brasileña que a mitad del siglo XX fundó el movimiento Neo Concretistas que apoyaban el Arte como una forma de ser subjetivo, intentando que en las presentaciones de sus obras los espectadores se relacionaran con sus obras e incluso las manipularas hasta convertirlas en otra obra distinta. Pintora y escultora sobre todo también realizó montajes para que se percibieran sensaciones visuales nuevas, terminando con obras que se utilizaban como terapias ante problemas de salud mental. Su colección titulada “Bichos” eran obras escultóricas que se podían modificar en sus formas hasta aparecer como infinidad de composiciones diferentes según se doblaran de una forma o de otra.

Trabajó también el arte geométrico dentro de la abstracción moderna, en un inicio de lo que después con las nuevas tecnologías fue mucho más sencillo de crear.

La obra que dejo se titula “Composición” y es del año 1953

Martín Kippenberger y sus obras provocadoras

El artista alemán Martín Kippenberger creó este cuadro al óleo en el año 1988; obra que pertenece a la colección Friedrich Christian Flick. Este pintor alemán fue durante su vida un polémico artista que creaba sobre todo para provocar e incluso ofender, en la década de los 90, cuando el Arte Contemporáneo estaba más calmado que ahora. Murió joven a los 44 años de edad.

3.3.14

“Talleres de grafitis para ejecutivos” organizados por whisky Glenfiddich

Las sinergias están para crearlas, para alimentar lo más extraño entre si hasta lograr que surjan. La marca de whisky Glenfiddich está planteando unos “Talleres de grafitis para ejecutivos” como una iniciativa novedosa para realizar después de los duros días de trabajo, para relajación personal e intentar salir del contexto del duro y estresante trabajo.

Será un taller de arte urbano de dos horas impartidas por el grafitero Suso33 que enseñará lo más básico de este arte callejero0 que ya se ha expuesto en el Museo Reina Sofía de su propia mano.

Uno de los grafiteros referentes en España, Suso33, será el encargado de dirigir e impartir estas clases sobre este mundo artístico, para muchos, aún desconocido. Este artista multidisciplinar, que ha traspasado las fronteras de la calle y se ha colado con sus sprays en lugares tan emblemáticos como el Museo Reina Sofía de Madrid, enseñará y guiará a los asistentes, para que puedan crear su propio grafiti.  El propio Suso33 explica sus inicios en este arte y su vinculación al mundo del grafiti asegurando que “la continuidad del chorro de pintura de un spray me permitió prolongar mi cuerpo y sentirme libre como en una danza que deja rastro”.
  
El artista madrileño define la obra que ha creado para Glenfiddich como “un proceso de experimentación de diferentes formatos, técnicas y estilos, pudiendo funcionar  a la vez en su conjunto y por separado.

Los talleres de grafitis para ejecutivos se llevarán a cabo en el espacio 1001atmosphera (General Pardiñas, 50 de Madrid) del 7 al 10 de abril en horario de tarde. Serán gratuitos, previa inscripción en el teléfono 91 556 01 54. En la imagen se ve al grafitero Suso33 en su taller.

Tracey Rose y los restos de sus perfomances

En el Museo Reina Sofia y dentro del Festival “Miradas de Mujeres 2014” y su programa “Fisuras” se puede ver esta perfomance de la artista sudafricana Tracey Rose dentro de un conjunto que se debería ver todo en su conjunto y casi explicado o leído en la cartelería que acompaña al total de exposición, para sacarle el sentido que la artista ha intentado plasmar. O tal vez no, y dejarse simplemente llevar por lo que contempla.

Se comienza el recorrido con unos vídeos donde se plantea el papel de la mujer en su actividad pública y social para continuar con otros vídeos diferentes, más teatrales todavía con personajes que van cambiando de ropa o de instrumentos. Bien, pues toda aquella marabunta de objetos inclasificables son los que al final se muestran en una gran habitación a modo de los restos de los sueños de todo lo anteriormente visto. Toda la obra ha sido realizada para el propio Museo Reina Sofía y vuelvo a repetirlo, para sacar u7na idea global del todo, es conveniente ir asesorado por alguien que nos dirija un poco o bien empaparse de su sentido.

2.3.14

Picasso en dos exposiciones de gran valor artístico

En Zaragoza y hasta el 4 de mayo, hay una exposición de gran calidad por lo que representa de complicado reunir una colección de obras que muestren una temática o una época determinada de un autor muy conocido. En la Sala del Palacio de Sástago se encuentra la exposición “Picasso: arte y arena” en una muestra complementaria a las obras de Picasso que ahora mismo se están mostrando en la exposición de la Fundación Mapfre en Madrid “Picasso: el genio en su laboratorio” otra una ocasión única para disfrutar de este genio pictórico. Ambas exposiciones se complementan en el tiempo en el análisis de la obra de Picasso que se podría completar con las obras de Picasso en Barcelona y en Málaga para tener una visión casi completa del genio malagueño.

La de Zaragoza es una amplia muestra de obras pictóricas, grabados, dibujos o cerámica que el artista Picasso dedicó a la tauromaquia, una de sus pasiones vitales que él desde niño adquirió por parte de su padre y que fue transformando según evolucionaba su obra y su manera de entender el Arte.

Que se la llevaron! Capricho número 8 de Goya

Los ochenta Caprichos de Goya son unos grabados sobre la sociedad española analizando con una visión satírica los comportamientos de la burguesía y el clero de aquellos años, enseñando vicios y abusos de los que mandaban sobre la sociedad normal.

Si bien la primera impresión se realizó en el año 1799 fue muy corta y estuvo retirada por miedo hasta que en 1821 se realizó una segunda reimpresión.

Este grabado que muestro, el número 8 y titulado “¡Que se la llevaron!” representa claramente el abuso de unos desconocidos que roban a una mujer para ultrajarla  y violarla en una clara referencia a que por aquel entonces los poderosos eran dueños de las personas y las usaban o las robaban según les apetecía.

En el texto de la publicidad de aquellos años se publicó el siguiente texto: "Colección de estampas de asuntos caprichosos, inventadas y grabadas al aguafuerte por don Francisco de Goya. Se venden en la calle del Desengaño, número 1, tienda de perfumes y licores, pagando por cada colección de 80 estampas 320 reales de vellón".