30.4.14

Las nuevas plazas del pueblo son los nuevos museos. O al revés

Los museos nunca más deben ser simples almacenes de “cosas bonitas” de “cosas que hay que guardar” o al menos y sobre todo no deben ser solo eso. El Museo Reina Sofía presenta 'Playgrounds. Reinventar la plaza' una exposición para reflexionar sobre la relación que las personas debemos tener con el arte, con el juego e incluso con la plaza pública, con la plaza del pueblo.

El Museo Reina Sofía es un ejemplo de lugar de paso, curiosamente es un gran edificio al que se puede llegar para visitar grandes exposiciones pero también para sentarse en su jardín como ya sucede en otros muchos. Un lugar “completo” donde podemos ir a tomar un café, ver unos cuadros, hablar, leer, ver una película, pasear, descansar, contemplar, inspirarse. Un sitio donde quedarse, donde beber ese aire de creación, de pensamiento, de pregunta constante. Una plaza común donde sentarse a seguir viviendo.

Hoy las calles de nuestras ciudades empiezan a tener color, formas y sensaciones al empuje de ciertas actuaciones artísticas efímeras pero eficaces. Es posible pasear y sentir más que antes. Hoy el museo se nos abre a la calle también, hoy se valora lo “bonito” de muchas otras formas que estando encerrado entre cuatro paredes de un viejo edificio.

Convirtamos el arte en un carnaval de color, de preguntas, de sensaciones. Aprendamos a tocar, a escuchar, a oler el arte. Aprendamos a crearlo, a sentirlo, a valorarlo en su justa medida, solo en su justa medida. Perdamos el miedo a tocarlo y a crearlo. Solo así sabremos valorar mucho más las maravillas creadas por nuestros antecesores y que nos pertenecen a todos los habitantes, también a los no nacidos.

El cuadro es de Picasso y titulado “Le Sauvetage” del año 1932.

29.4.14

Dama de Elche a todo color, conservando el color original


Esta imagen es la Dama de Elche, pero sacada de la reproducción muy fiel que existe en Valencia, realizada en el año 1908 por Ignacio Pinazo. El original está en el Museo Arqueológico de Madrid.

Es la escultura de una dama íbera, del siglo V antes de nuestra era, que por su belleza y sus ornatos en la vestimenta, debemos entender que era una mujer muy importante en su época. Los adornos de cuentas en la cabeza, los pendientes, los grandes rodetes que podrían ser estuches para recoger el largo pelo, sus tres enormes collares al pecho del que posiblemente el más grande contuviera amuletos dentro de sus “bullas” nos indican que debía ser la dama más importante de la zona.

La escultura estuvo pintada aunque según van pasando los años va quedando menos rastro de su decoración en color del que apenas quedan ahora restos en los labios y poco más. Se han realizado estudios de los materiales y sabemos hoy de qué color eran las diversas partes de la escultura, que hemos recreado aquí para ver aproximadamente como sería la Dama de Elche a color en su tiempo, hace 2.500 años.

28.4.14

La luz y la sombra como elementos que configuran el Arte

No es una obra de nadie conocido, es una simple mirada al cielo, la sensación de que los huecos pueden ser más importantes que los contenidos, que las luces son las que configuran los espacios, las formas, los sentidos.
Sin luz no hay arte, no existe la fotografía pero tampoco la pintura. Sin luz una escultura no tiene más que la mitad de su sentido pues muchas veces en una escultura es más importante la sombra que proyecta que la propia forma original.

24.4.14

Henri Matisse y sus obras de "cortar y pegar"

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Henri Matisse pasó sus últimos 13 años de vida en una silla de ruedas tras una operación grave. Sintiéndose incapaz de poder pintar sus obras nuevas como lo hacía hasta entonces, pero deseando seguir disfrutando de la creación de obras, cambió el sistema de pintura y se dedicó a “cortar y pegar” tal y como ahora se puede ver en la Tate Modern de Londres. Otro artista que empleaba el "Papier collé" con gran acierto.

Henri Matisse cambio de pintar con herramientas habituales a solicitar que le pinturas de vivos colores láminas de excelente papel, que él luego cortaba para darles forma y posicionaba sobre lienzos vacíos formando lo que él llamaba “esculturas planas de color” o también “pintar con tijeras”.Nuevas herramientas para crear, para pintar.

Cuando su delicada salud le impidieron incluso cortar con tijeras, indicaba a sus ayudantes el tipo de recorte y de color que deseaba y luego él ordenaba posicionar sobre los espacios vacíos con un orden al que dedicaba muchas horas de meditación. Eran composiciones de color y formas, ideadas por Matisse aunque él no las tocara siquiera. Trabajaba con colores muy brillantes, tonos muy básicos y composiciones de color muy bien elegidos. Unas obras que le devolvían a sus inicios artístico como si volviera a ser un niño pero con toda la experiencia de composición y forma de un gran artista.

En aquellos años sus obras eran consideradas un juego divertido, nunca un ARTE con mayúsculas, pero los años nos han ido enseñando que una obra no tiene que ser siempre un ejercicio finamente descriptivo sino que también puede ser un grito de color, de formas, de posicionamiento, de alegorías.

Henri Matisse ya no necesitaba un pincel, una espátula. No podía emplearlo pero dejó demostrado que las herramientas para pintar son muy diversas y que dependen más de lo que se quiere trasmitir que de las modas o de las escuelas. Todo es efímero o eterno, sin depender de las herramientas con las que se pinté una obra maestra, sino de los conceptos con los que se hace o incluso se contempla.

23.4.14

La técnica pictórica del “Papier collé”, una clase de collage más limpio

El “Papier collé” es una técnica de creación artística que traducido al castellano sería un “papel pegado” que aun sencillo de entender y por ello restado de valor hasta que investiguemos algo más, es un sistema perfecto para jugar a crear espacios, composiciones, collages de gran efectividad. No es un collage, sino una clase de collage.

Tal vez inventado por Georges Braque, el papier collé tienda a inspirarse en el cubismo de donde nace y que ya practicaba su amigo Pablo Picasso, bebiendo de la antipintura creando pintura sin ella.

La gran diferencia con el collage más tradicional y conocido es que en el papier collé solo se emplean papeles recortados creando formas y de diferentes texturas, unido a los pegamentos y si acaso pinturas acrílicas o trazos de pinturas de lápices o de carbón. Son papeles de colores, papeles pintado o impresos, recortes de periódicos o revistas pero donde la zona impresa es una textura y no una forma.

No serviría la fotografía de una modela recortada desde una revista, pues esto nos llevaría más al collage, pero en cambio sí nos servirían columnas de texto con las que se forman diversas figuras o textos de papeles pintados de pared con diversas texturas, creando desde materias reales figuraciones dentro de sus obras para facilitar la pintura, el resultado final. Por decirlo de alguna manera.

En vez de pintar un paquete de tabaco rubio, cojo uno y lo pego. Es más sencillo y rápido. En vez de pintar una textura de madera sobre una mesa, recorto un papel pintado y lo pego. Dicho así suena a chapuza, pero en todo proceso está el diálogo con el total de la obra, su composición y color, el contrapeso de los elementos, la idea final y no solo un trozo de papel pegado imitando una mesa.

Como ejemplo dejo la obra de Georges Braque titulada “El frutero y el vaso” del año 1912, en donde las texturas de las maderas son papeles pintados sobre los que ha terminado la obra dibujando con carbón la totalidad de los objetos.

22.4.14

Henry Moore y su “Gran figura de pie: filo de cuchillo”

Esta obra de Henry Moore se titula “Gran figura de pie: filo de cuchillo” y fue realizada en el año 1976 en bronce, basada en un boceto pequeño que realizó el autor sobre un hueso de un pájaro al que le añadió una cabeza de plastilina. La obra final tiene seis metros de alta y en su majestuosidad uno se olvida totalmente de que partió de un simple huevo animal como idea primitiva.

21.4.14

Techo de La Lonja de la Seda o de los Mercaderes de la ciudad de Valencia

La Lonja de la Seda o de los Mercaderes de la ciudad de Valencia es un ejemplo contundente del gótico civil y es Patrimonio de la Humanidad por su bella construcción y por su excelente conservación.

En la planta alta podemos contemplar un excelente artesonado en el techo del que dejo un detalle, lleno de figuras todas distintas, tal vez mal iluminadas pero hay que pensar también en su conservación y que da muestra de la riqueza empleada en su construcción como edificio para que la burguesía valenciana hiciera sus negocios. En esta sala de la segunda planta es donde estaba ubicado el “Consulado del mar” donde se trataban asuntos del comercio marítimo.

Por cierto tiene un sótano donde se reunían casi en secreto los mercaderes a realizar acuerdos ajenos a las normas legales, tratos “en negro” o apaños que deseaban realizar fuera de la vista del resto de mercaderes. Es visitable.

La construcción de la Lonja de Valencia es anterior a la Lonja de Zaragoza, pero posterior a la de Barcelona o Palma, todas ellas construidas desde la Corona de Aragón para gestionar el comercio desde y hacia el mar Mediterráneo y como atracción económica de las grandes ciudades para gestionar sus negocios.

Se llama Lonja de la Seda por ser este artículo uno de los más pujanza comercial de la época, en una Valencia muy importante con gran número de industrias textiles. 

Una Lonja era no tanto una sala de subastas o solo un lugar de compra venta como sobre todo un edificio para una actividad similar a los grandes bancos actuales. Se compraba y se vendía pero también se prestaba, se reclamaban deudas o se fijaban los precios de los intereses y los tipos de avales.

20.4.14

Herramientas y técnicas diversas para pintar acrílico u óleo

Las técnicas para pintar son muy variadas, pero las puramente academicistas nos encajonan a trabajar según las más normales, con herramientas habituales, olvidándose a veces que todo sirve para pintar. Exije que te enseñan a pintar acrílico u óleo con todo tipo de herramientas y así luego te será ma´s sencillo elegir según tu gusto y modo de obra final.

Conocemos ampliamente los muy diversos pinceles, por tamaño o por el tipo de pelo, por su dureza y suavidad o por su forma. Un buen pincel necesita un tiempo entre las manos del pintor para hacerse ambos a la forma correcta de trabajar. Pero también son útiles las brochas, los rodillos, las esponjas o las telas.

Las espátulas son la otra herramienta habitual y sus formas también son muy variadas así como su flexibilidad. Pero también sirven palos, cuchillos de pintar, rasquetas o las manos.

Es normal emplear grandes piezas de madera como apoyadores para pintar los detalles sin que las manos rocen la obra, pero esas mismas maderas a veces se emplean para arrastras masas de color y crear en esos movimientos formas aleatorias que dependen del color depositado y de su mezcla en el arrastre aleatorio.

Es habitual emplear cinta aislante o cinta de carretero para crear zonas reservadas o para que las formas rectas salgan más perfectas o para ayudarnos a la hora de que la mancha de color no inunde otras zonas aledañas. 

Todo sirve para lograr el objetivo, que es lo único importante. Una vez que un cuadro guste a alguien, no será fácil que te pregunte con qué herramientas lo has realizado, ni si solo has empleado pinceles de pelo de marta o de cerdo. Como nadie suele preguntar si has empleado en la mezcla de la pintura polvo de mármol italiano o arena fina de la playa de Salou. Lo importante es que hagas lo que hagas quede bien y que sea duradero en el tiempo, que antes de hacer mezclas de ciertos productos te asegures que no se cuartearán con los meses o se caerán ellos solos del soporte, sea lienzo o madera.

18.4.14

El coronel Aureliano Buendía se nos ha ido de Macondo, vete a saber a donde

Esta espléndida imagen de un Gabriel García Márquez mirando la luz del infinito, recogida o interpretada por el fotógrafo Daniel Mordzinski, nos enseña la búsqueda constante de Gabo hacia la libertad, buscando el respeto en la luz de la vida y la muerte, usando palabra preciosas con miradas, gestos, sensaciones.

“El coronel Aureliano Buendía permaneció de pie, pensativo, hasta que se cerró la puerta. Entonces volvió a acostarse con los brazos abiertos. Desde el principio de la adolescencia, cuando empezó a ser consciente de sus presagios, pensó que la muerte había de anunciarse con una señal definida, inequívoca, irrevocable, pero le faltaban pocas horas para morir, y la señal no llegaba.”

17.4.14

Isaac Mahow y sus pinturas con literatura

Isaac Mahow es un joven artista Zaragoza que se considera un escritor de paredes. Amante de la literatura que además emplea para crear junto al spray es un referente en el arte urbano por la delicadeza de sus obras, aunque creo que a él noi le gusta nada que lo califiquen de artista urbano y sí más de simple (o complejo) grafitero.

Preguntado por su estilo de pintura y literatura, las respuestas son claras:

“Depende de quién me califique. Yo baso cada obra que hago en mis propias teorías de la luz y los contrastes de color. Me gustan mucho las formas cortantes combinadas con otras sinuosas, pero sigo construyendo mi estilo y, aunque intuyo el final de lo que quiero, no sé muy bien cómo va a ser el camino hasta llegar a él. Tan solo me obligo a tener soltura dentro de unas estructuras, y profundizar en ellas, para garantizar que todo combine. Lo que si me han dicho varias veces, y creo que es acertado, es que me muevo en el campo del Surrealismo Pop.”

“Cuando era adolescente sí que intentaba decir algo, ponía frases sobre la vida o la política, pero desde hace unos años tan solo me he limitado a defender mis "skills" como un obseso. Sin embargo, poco tiempo atrás he regresado a las cosas con significado. Creo que es necesario que mi obra tenga un mensaje, sin ese mensaje el mundo interior no crece, solo se pavonea. El mensaje de ahora es más abstracto, no creo que mucha gente lo entienda, y sé que se ve mejor si miras la obra en general más que por una sola pieza.”

“Como escritor solo he de decir que mientras evoluciono veo dos posturas a la hora de pintar de las cuales me quiero alejar, y creo que eso me define. Odio hoy en día a la gente que se cree que las cosas salen por inspiración divina, como si vivieran en una burbuja y fueran algo así como el "todopoderosocreador", e igualmente me quiero alejar de la gente que opina lo opuesto, que todo es de todos, que lo que se ve lo puedes hacer tuyo sin medirte en nada, porque estos encima me causan vergüenza ajena con su "Jipismo con J". Lo más difícil y valiente es mantenerse en medio de ambas posturas y, siendo consciente de la influencia, medirte para no ser una esponja sin sentido. Me aterra que mis obras se puedan convertir en un amasijo de adornos provenientes de todo lo que veo, en donde la única unión sea la técnica o algo de menos importancia aún.”

16.4.14

Perdiendo el miedo al Arte lograremos crear con más facilidad artística

Hay que perder el miedo al ARTE, casi el respeto que atenaza los miedos y nos impide crear. Los primeros dibujos infantiles de un Goya, de un Matisse, de Pablo Serrano o de Millás se diferenciarían muy poco entre ellos. La educación infantil va equivocadamente recortando posibilidades, sueños imposibles, magias sin desarrollar, pero eso es otro tema.

Las técnicas o el vehículo de creación puede ser indistinto, pues lo único que importa es el resultado final, la motivación que logres en el espectador o lector de tu obra. Si con tu música o tus poemas, tus cuadros o tus cerámicas llegas a un público determinado y les revuelves las tripas, les haces felices o les obligas a pensar un solo segundo, ya has triunfado en el ARTE. El ARTE busca satisfacción. Es así de simple. Busca motivar y gustar u odiar. Así de sencillo. Y para eso todos nosotros valemos. Lo que no quiere decir que sea sencillo ni que no debamos dedicarle mucho trabajo.

Si buscas hacerte rico con el ARTE olvídate de crear, trapichea, compra y vende, media y valora. Pero ese es otro oficio y sobre todo otra motivación.

Ningún artista es hoy parecido a como era cuando empezó. Los primeros trazos de Velázquez, de Palazuelo o de Miró serían más parecidos en su nacimiento que en el final de su obra consagrada. Pero ninguno de ellos imaginaba que una vez desarrollada su técnica se haría imprescindible para entender el ARTE y gozar con él. Miró evolucionó de una forma muy distinta a Dalí pues eligió otros modos de escribir con color; Picasso no se parece a El Greco pues vivieron épocas históricas distintas. Warhol empleó técnicas que no existían en época de Goya, pero todos crearon desde su punto de vista social y artístico. Dieron luz con color y formas a unas historias que ellos veían de una forma determinada. Kandinsky hizo música con el color o tal vez no y lo que creo fue color con la música. Daría igual si al final logra motivar las sensaciones ajenas de quien contempla.

13.4.14

Agustín Almar y un retrato de señorita triste

Este retrato del pintor valenciano Agustín Almar de la segunda mitad del siglo XIX nos refleja a una dama de la alta sociedad, la señorita Enriqueta Soler Moreno, con unos colores muy vivos que reflejan también una seriedad de rostro que no encaja mucho con el conjunto de la alta calidad de la moda de los burgueses de aquellas décadas. Es como si la dama aunque mirando al espectador, estuviera triste en el momento del retrato, algo no habitual en una chica joven.

11.4.14

Una pared cualquier y hermosa de La Alhambra de Granada

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Es muy difícil no caer rendido ante las bellezas de los Palacios de los Nazaríes de Granada, dentro de La Alhambra. Han pasado 700 años de que aquellos españoles aunque les llamáramos moros después, construyeran aquellas habitaciones tan ricamente adornadas, con tanto arte y tanto color y gusto. No es posible dedicar horas a ver solo el interior de estos Palacios Nazaríes pues sin querer te empujar a verlos en tumulto, pero siempre quedan las imágenes para disfrutar un poco más y después, aquello que te ha sorprendido.

9.4.14

Vivian Maier nunca supo que llegó a ser una excelente fotógrafa

John Maloof compró en el año 2009 una colección de miles de negativos en una subasta de muebles y antigüedades en Chicago por 380 dólares. Al revisar su compra se sorprendió al ver el talento del fotógrafo de aquellos negativos 6x6 y decisió averiguar quien era.
Encontró su nombre, Vivian Maier, escrito en un sobre de laboratorio fotográfico. Siguió buscando hasta descubrir que había vivido en Chicago y que trabajó como niñera.
John Maloof llegó a saber que la fotografía de Vivian Maier era un secreto que guardaba ante todos los que la conocían, incluyendo a sus jefes e incluso amigos cercanos.
Hoy Vivian Maier en el recuerdo de una célebre fotógrafa con galería de exposiciones y un documental que viaja por medio mundo. Las imágenes son casi todas de Chicago y New York más negativos de algunos viajes que hizo por Egipto, Bangkok, Tailandia, Taiwan, Vietnam, Francia, Italia e Indonesia de los años 1950 y 60.

8.4.14

Xavier Valls, un artista de bodegones exquisitos

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El nuevo primer ministro de Francia, de origen español, tuvo un padre artista, Xavier Valls, que tiene algunas obras en los almacenes del Museo Reina Sofía de Madrid. Aprovechando el nombramiento de su hijo han salido a la planta cuarta del edificio Sabatini dos de ellas para dar a conocer su pintura con bodegones figurativos del que dejamos uno como muestra: “Bodegón con cerezas”.

Son obras del Museo Reina Sofía, que están sufriendo un proceso de pérdida de color por la luz, no son aconsejables que permanezcan mucho tiempo expuestas.

En el año 1949 Xavier Valls se va con una beca que el propio gobierno francés le concede como pintor, allí se casó y formó la familia que hoy tiene la responsabilidad de tener entre sus miembros al primer ministros francés. Sus obras están en varios museos europeos.

6.4.14

Paco Lagares expone “Epanalepsis” en Granada

“Hombre sentado, ensimismo mientras habla consigo mismo” del artista Paco Lagares dentro de la exposición “Epanalepsis”. Abrir y cerrar con la misma sensación, crear y sentir, hacer pensar y pensar mientras lo haces.

Paco Lagares es un artista madrileño que ahora expone en la Madraza de Granada toda una colección de dibujos y esculturas que sorprenden gratamente por su limpieza y su tranquilidad. Profesor de Arte y Dibujo en la Universidad de Granada sabe sacar jugo incluso donde todo parece seco y si hay dudas buscar sus insectos entre las obras de ramilletes de flores o de hojas secas. Los diminutos bichos son más importantes que los vegetales.

5.4.14

¿Puede el Arte mostrarse con copias en vez de con los originales?

Surge sobre la mesa si de ciertas obras de arte se deberían mostrar copias en vez de los originales y el ejemplo más sencillo son las cuevas de Altamira. Hace varias décadas se podían ver en los jardines del Museo Arqueológico de Madrid una réplica parcial de las cuevas de Altamira y era una manera de conocer aquella belleza sin estropear el original y mucho más accesible. No es lo mismo pero pude ser incluso mejor.

Ver junto a un gran cuadro de Velázquez unas reproducciones parciales ampliadas con todos los detalles de las pinceladas o los repintes es hoy posible. Pero nos parece un pecado. Podemos con las técnicas actuales tener la misma sensación de color, impreso sobre texturas de lienzo, dar información complementaria de una obra que el visitante no puede observar.

Pero voy más lejos, es casi imposible contemplar la Gioconda a una distancia correcta y con calma. No podemos acercarnos al Guernica, no es posible llevarse un recuerdo fotográfico de muchas obras de Picasso. Ilógico ¿no?

Ver según qué tipos de libros manuscritos no es posible, ver una reproducción es sencillo. Los colores de la Dama de Elche se han perdido ¿se podrían reproducir en una copia y ver el original y la copia restaurada como se pintó (previsiblemente) a la vez y con información educativa para entender la obra?

Tal vez debemos perder la necesidad imperiosa de tener que contemplar solo los originales como si solo ellos fueran capaces de trasmitir sentimientos, siempre y cuando sepamos trabajar bien las copias. No todo vale, pero ahora hay técnicas para sin engañar hacer las cosas mejor y sobre todo más seguras. Dentro de 500 años también tendrán derecho a contemplar las bellezas pintadas por Goya las personas que vivan en estos lugares.

4.4.14

La obra “El balancín” de Francisco de Goya está en EEUU

Esta obra de Francisco de Goya la realizó como muchas de ellas en aquellos años para realizar luego tapices empleándolas como modelos para ello. Esta obra de niños jugando es un motivo común en Goya y se pintó sobre 1791 formando un conjunto de siete cartones para la tapicería del despacho del Rey en el Palacio de San Lorenzo de El Escorial; se llama “El balancín” y se conserva en el Museo de Arte de Filadelfia en EEUU. Es una pintura al óleo sobre lienzo de unas medidas de 163,2 por 82,4 centímetros.

Esta obra se perdió del Museo del Prado entre 1857 y 1870 y apareció en el año 1975 pero en EEUU. A veces los cuadros son capaces de volar ellos solos, son caprichosos. Este cuadro era para el tapiz de encima de una puerta. Si nos fijamos en las dos figuras principales veremos que una representa a un niño rico mientras que la otra refleja a un niño pobre. El uno muy alegre y el otro con miedo y sujetándose al madero con los calcetines rotos.

1.4.14

Flamenco en Granada que inunda de Arte una tarde vacía

El Arte no admite sucedáneos y por eso al natural "sabe" de muy diferente manera al empaquetado de la grabación. Sucede en parte con la música, sucede con la pintura y más con la escultura pero sobre todo sucede con aquellas demostraciones en vivo donde el sentimiento que se trasmite es la parte fundamental de la expresión artística.

Podría decir que no me gusta el flamenco, excepto si lo puedo ver en directo y en vivo. El flamenco es un sentimiento y solo "sabe" si lo disfrutas a la vez que quien te lo regala. Sería como el sexo. Verlo enlatado pierde casi todo.

Para disfrutar del flamenco no es necesario entenderlo, basta con dejarte llevar y que te atrapen. Si en alguna ocasión he tenido la suerte de que me lo expliquen, el entendimiento ayuda, pero sobre todo si eres capaz de meterte dentro del sentimiento del artista, y eso solo lo saben conseguir ellos.

Hoy he disfrutado en "La Alboreá" de Granada sobre todo del bailaor Raimundo Benítez que ha jugado con sus pies hasta asombrarnos a todos; del guitarrista César Cubero que en unos solos de guitarra he dejado clara su maestría rápida pero enormemente limpia; del cataor Iván Centenillo al que le hubiera pedido menos palmas y una canción más de esas con sentimiento calmado que nos ha entregado; y la bailaora Sara Jiménez que por su enorme estatura parecía que a veces iba a salirse del escenario en unas vueltas ensortijadas que sorprenden por su rapidez. Revisando su experiencia creo que hemos tenido un día de excepcional actuación pues todos aunque jóvenes son expertos en trasmitir por todos el mundo el arte del flamenco.