30.12.16

Min Wae Aung y sus monjes birmanos

El artista birmano Min Wae Aung pintó esta obra titulada “Hacia el Monasterio” en el año 2016. Un acrílico pequeño y muy gráfico, en la línea de sus trabajo tradicionales y más comerciales, con paisajes que aun reflejando su particular estilo y sus experiencias étnicas, se mueven en un conjunto más contemporáneo, a través de los fondos, de las luces y las formas.

Monjes y monjas están dispuestos en composiciones estéticamente muy correctas, siempre con un perfecto sentido de movimiento y energía en sus obras, utilizando colores brillantes y sutilmente sombreadas y claramente delineados en negro, sobre un fondo a menudo ejecutado en una manera puntillista n contraste con las figuras para concentrarte más en ellas y sus movimientos.

29.12.16

Artemisa, Judit, Holofernes y Tassi

Artemisia Lomi Gentileschi fue una pintora excelente en tiempos en que estaba vedado a las mujeres aprender ARTE en las Academias Oficiales. Como su padre era un reconocido artista le buscó un profesor privado, Agostino Tassi, que al poco de tomarla como alumna la violó, teniendo ella sobre 19 años y él ya 46. Aquello marcó brutalmente la vida de Artemisa por lo que suponía en sí, por el tremendo juicio al que se vió abocada y por la deshonra que en aquellos años suponía ser una mujer ultrajada.

Se cree que esta obra titulada: "Judit decapitando a Holofernes", y realizada pocos años de la violación y el juicio, fue una forma de sacar todo su odio hacia el hombre que la violó. La violencia de la obra, sin duda nos lleva a un deseo de venganza muy claro.

Os dejo un extracto de su declaración en el juicio, que se conserva totalmente documentado. Este texto de la zona inferior, está sacado de Wikipedia.

“Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne”.

28.12.16

Zeng Chuanxing y su realismo étnico

El realismo chino del artista Zeng Chuanxing que nació en Long Chang, provincia de Sichuan en el año 1974, nos muestra en sus obras una serie de trabajos donde juega con las miradas de los espectadores, para engañarnos diciéndo más cosas de las que vemos.

Habiendo crecido entre  diversos grupos étnicos, Zeng Chuanxing está familiarizado con sus propias vidas y ha desarrollado fuertes sentimientos hacia ellos que intenta plasmar en sus obras. Las mujeres de las minorías son un tema importante en sus pinturas dentro de un realismo clásico donde trabaja con profundidad y  delicadeza sus sentimientos.

Zeng Chuanxing siente que los ojos y las manos de sus modelos reflejan verdaderamente el alma de todo ser humano, y tal vez por eso los personajes de sus obras son casi siempre callados y melancólicos, mostrando a través de sus miradas y sus manos, los sentimientos y actitudes hacia la vida que tienen las personas, sobre tonos grises o fríos en muchos casos.

Zeng Chuanxing, es un artista chino en alza, sobre todo por la belleza de sus obras, pero también por la técnica con la que están pintadas, y el sentimiento que desprenden.

27.12.16

Teddy Kollek y Picasso. Mano a mano

Un dibujo del exalcalde de Jerusalén, Teddy Kollek, realizado en rojo y azul y fechado el 11 de diciembre de 1969, pintado en la parte final del catálogo sobre una exposición de Picasso en el Museo de Israel, se ha salvado por muy poco de terminar en la basura, según ha informado el periódico “Times of Israel”.
                                   
Los hijos del exalcalde Teddy Kollek encontraron por casualidad este esbozo, dibujado y firmado por el exalcalde y por Picasso en 1969 mientras limpiaban la casa de su madre, fallecida a principios de este año.

“Lo encontramos entre los muchos libros sobre Jerusalén de la biblioteca de nuestros padres, y estuve a punto de tirarse a la basura”, declaró la hija, Osnat Kollek.

El dibujo del exalcalde de Jerusalén, trazado en rojo y azul,  y rescatado este mes de las pertenencias de la familia Kollek, ha sido donarlo a la Fundación de Jerusalén, una organización sin ánimo de lucro que este año celebra su 50 aniversario.

Picasso simplemente firmó el catálogo, o también realizó alguna de las líneas del boceto, de la obra? ¿Fue un trabajo de una sola persona o intervinieron los dos?.

26.12.16

Guerrero mochica en un recipiente de carámica

La cultura Moche, la de los mochicas del antiguo Perú, dentro de su complejidad y diferencias, nos ha dejado sobre todo un gran número de ejemplos artísticos, donde la cerámica es uno de los más conocidos y mejor conservados, mostrándonos su mundo cultural, militar y religioso con sumo detalle.

Generalmente nos han llegado en perfectas condiciones, recipientes y vasijas que utilizaban para las ceremonias con sus muertos, cerámicas pintadas a mano con pinceles y que nos muestran sus forma de vida, sus personas con sus vestimentas. Ellos no inventaron en estas cerámicas, representaban la vida que tenían en esos momentos, lo que nos ha servido para conocerlos mucho mejor, casi retratando a personas o a las actividades cotidianas de su sociedad, sus animales, sus ritos, sus formas de practicar sexo, etc.

Para ellos el vínculo entre la vida y la muerte era muy profundo, y así lo representaban, con muchas cerámicas sobre la fertilidad y el sexo. Estas cerámicas eran generalmente pintadas en dos colores. Uno fuerte y uno suave, casi siempre también rojos y cremas, colores cálidos. Se realizaban estos recipientes en serie con moldes y luego se pintaban a mano.

Fue un pueblo muy artístico y son muy conocidas también sus pinturas murales. Pero era también una sociedad muy clasista, donde solo unos elegidos tenían acceso y derecho a estos elementos artísticos. Esta vasija mostrando la cabeza de un guerrero tiene entre 1.300 y 1.800 años de antigüedad.

Chico de cafetería, sentado y mirando. Simplemente

Iba en busca de un Museo de Arte Contemporáneo y me encontré con este joven pegado dentro de un gran cuadro, en la cafetería del entorno.

Era una repostería cafetería de tostada con tomate o de bollería fina y yo me senté delante del joven sentado en el cuadro, pero no me solicitó desayuno. Tan sólo me miró en silencio.

Estaba bien pegado a la gran obra mural. El conjunto era muy distinto al detalle, impresionaba en un local sencillo y donde sólo destacaba la gran obra pictórica del fondo.

Bueno…, y la camarera…, joven y áspera, alegre y sonriente pero tersa y a la vez dura. Aunque se puede sonreír desde la rigidez. Es Barcelona.

24.12.16

Honorio III "doctor Boca de Miel"

Este trabajo artístico encontrado en una pared del monasterio de una iglesia gallega, nos recuerda a San Bernardo de Claraval, un santo francés Llamado "Mellifluous Doctor" (el Doctor boca de miel) por su sabiduría y arte de hablar en público. Fue Papa con el nombre de Honorio III en el siglo XII.

Pero esto es menor, para lo que quiero decir. La parte de la religión más importante que seguimos disfrutando, es aquella en la que nos ha sabido dejar durante siglos su forma de concebir el arte como sistema de explicación sencilla para las masas analfabetas de los países.

Conservamos millones de ejemplos de arte religioso repartido por todo el mundo, sea cristiano, budista, islámico o de cualquier otra religión. Y gracias a estas representaciones escultóricas, pintura o dibujos, cerámica o frescos, arquitectura o literatura, podemos conocer mejor aquellas sociedades y sobre todo aquellos miedos y temores que los dejaban acojonados para que siguieran soportando a los poderosos, garantes de la Paz Final.

Un precio muy alto, pero los listos son siempre los que ponen los precios a todo.

21.12.16

Bienabe Artia y sus paisajes vascos

Bernardino Bienabe Artia fue un pintor de Irún del siglo XX que pintó sobre todo paisajes propios, de su tierra, de sus mares y sus campos, con unas formas cubistas y unos colores naturales que le otorgaron a sus obras una personalidad propia indiscutible. Esta obra, titulada “Atardecer en el Bidasoa” es de 1923, una obra muy joven pues tenía 24 años cuando la realizó. Está pintada al óleo sobre cartón.

"Su pintura no cae en el pintoresquismo o el mero folklore, y universaliza los valores vascos con la enorme potencialidad de su plástica. Los temas de figura son más característicos que los paisajes, peculiaridad, por otra parte, que se encuentra en toda la escuela vasca. Sin embargo, Bienabe Artia infunde al paisaje un vigor ceñido y denso, que a veces recuerda los mejores momentos de Regoyos. Su paleta, propicia a los acordes graves, tiene una gama extensa y bien armonizada, que concuerda con la severidad formal y el orden riguroso de la composición, remitida siempre a la conjugación de la masa con el pigmento".
Angel Marsá en la Gaceta de las Artes, Barcelona, 1954.

18.12.16

Jim Kay y el callejón de Harry Potter

 El ilustrador Jim Kay fue seleccionado por J.K Rowling entre más de 300 aspirantes para dibujar la saga de Harry Potter. Artista conceptual para libros, televisión y cine, he producido piezas de instalación para galerías, y trabajos para el cine y la televisión. Le encantan —según dice él mismo— los museos, los libros antiguos, las películas de David Lean, los crawlies espeluznantes, la jardinería y casi cualquier música de cualquier siglo. Vive en la región de Northamptonshire donde diseña y sigue trabajando el arte en su taller.

El arte de la ilustración, de la creación para papel o cine, es un camino a medio explorar todavía en el mundo artístico. Tenemos unas herramientas nuevas que son los ordenadores y todos los elementos con los que se puede trabajar en pantallas, que sin duda nos llevarán en estos próximos años por el camino de un nuevo arte que dejara pequeño el Renacimiento.

Os dejo dos secciones de la imagen “Callejón Diagón”, realizada por Jim Kay para “Harry Potter y la piedra filosofal”. Conocer su obra y darla a concoer a los que quieren empezar en la ilustración, es aprender de un gran y joven maestro, del que tenemos que aprender todos los que admiremos el ARTE.

17.12.16

San Diego de Alcalá y los pobres, de Murillo

Bartolomé Esteban Murillo pintó esta obra en su juventud, con sólo 28 años de edad. No es sin duda su mejor obra, pero indica ya, unas formas de saber tratar a los personajes de una manera muy detallada, fotografiando la composición con cuidado y autenticidad, sin perder esa gracia que tienen todas sus obras en los ropajes y los rostros.

Se titula “San Diego de Alcalá y los pobres” y fue pintada en el año 1646. Trata del milagro de San Diego, que siendo el responsable de dar de comer a los pobres, él sabedor de que la comida de la gran olla se iba acabar antes del número de pobres que acuden en busca de sustento, se pone a rezar para que nunca se termine el alimento del puchero, y logra el milagro de que aquella comida efectivamente nunca se llegue a terminar.

Su cuerpo, a su muerte, no se corrompió y permaneció inalterable y por ese motivo los Grandes Señores y las familias Reales de la época, cuando se sentían muy enfermos, a punto de irse de viaje, mandaban traer el cuerpo sin pudrir de San Diego para que les diera fuerza y tal vez incluso suerte. El pobre San Diego estuvo viajando después de muerto, más que en vida.

16.12.16

Obra de juventud de Francisco Bayeu

El pintor aragonés Francisco Bayeu nos deja en esta obra titulada “Tiranía de Gerión” un ejemplo de sus inicios, maravillosa obra presentada en su juventud (tenía 23 años cuando la pintó) a un concurso de la Academia de Arte de San Fernando donde se solicitó a los alumnos un trabajo sobre el mítico Rey Gerión. Él estaba en aquellos años formándose en Zaragoza.

No obtiene el primer premio que era una alhaja donada por el clérigo José de Vargas (a diferencia de lo que se dice en algunos sitios) pero sí una pensión o beca para poder continuar sus estudios de pintura en Madrid; pero problemas surgidos con el artista González que era su maestro en la capital, y la muerte de sus padres, le hacen regresar a Zaragoza antes de tiempo.

15.12.16

La caridad de Pero, con su padre Cimón o Micón

Este relieve está en un edificio belga, mostrando una tradición romana con más de 2.000 años de antigüedad que refleja la iconografía de la caridad a través de una hija, llamada Pero, que encuentra a su padre Cimón o Micón, preso y hambriento, ya anciano, y al que intenta confortar y alimentar con su propio pecho, dejándose amamantar por el padre, como si este fuera un bebé, como si el anciano en sus últimos años se volviera realmente un bebé. Si nos fijamos en los ojos del anciano, vemos una mirada perdida, fija, abstraída ante la caridad de la hija.

Amor filial, donde no queda claro si el padre anciano está preso de la justicia o de su edad y su futuro, de su decrepitud. El escritor romano Valerio Máximo, escribió un libro de anécdotas históricas titulado Hechos y dichos memorables sobre el año 30 d.C. donde relata esta virtud retórica.

Aniceto Marinas y sus relieves. Teruel y Madrid

La iglesia de la Santa Cruz en la calle Atocha de Madrid, de estilo neogótico de ladrillo y piedra blanca cuenta en su fachada principal de un frontón triangular en la portada que muestra un relieve del artista segoviano Aniceto Marinas con la Apoteosis de la Cruz. Es una obra de principios del siglo XX.

En Teruel tiene una de las obras más conocidas de esta artista, el altorrelieve de los Amantes, de la que dejamos también una imagen.
 
 

13.12.16

Sarcófago dionisíaco griego, con ménade tocando la flauta

Es una sección de un sarcófago dionisíaco griego (Dioniso griego o Baco romano, hijo de Dios) del año 230-240 a. C. donde vemos una ménade (una ninfa poseída por Baco, una fémina desvariada y salvaje que se deja llevar por sus instintos a costa del vino y de los vicios) tocando una flauta doble frente mientras sobre un altar en forma de columna podemos ver la cabeza de un carnero. Belleza hermosa y maravillosa.

Jorge Molder y su "Escala de Mohs"

El Círculo de Bellas Artes de Madrid nos dejó en el año 2015 una exposición maravillosa del fotógrafo portugués Jorge Molder, del que dejamos aquí una obra “Sin título” de la serie “La escala de Mohs”

Tierna, contundente, espléndida mirada, muy bien elegido los colores con los que quiere mantener la vida del personaje de la obra.

14.11.16

La diosa Danteshwari, escultura de Jaidev Baghel

Vemos en la imagen a la diosa Danteshwari como deidad de la familia —Kudevi— de la región india de Bastar, que se saca en procesión por las ciudades de esta zona de la India, en unas ceremonias muy elaboradas y coloristas.

Esta escultura en bronce fundida está realizada por el artista indio Jaidev Baghel un maestro artesano de Gadhwa en Kondagaon, Chhattisgarh. Baghel aprendió las técnicas de este arte a la edad de 8 años de su padre, Srimanram, que era un artista muy talentoso y su hijo ha seguido la tradición familiar.

Su trabajo artístico abarca desde pequeñas esculturas de mano hasta obras a gran escala que adornan lugares públicos de toda la India. Una de sus esculturas significativas, un árbol de bronce de seis pies, se convirtió en una pieza conmemorativa en el Hotel Taj en Mumbai después de que resistió un ataque terrorista en 2006. "El Árbol de la Vida", como se conocía, fue creado en protesta contra la tala innecesaria de árboles en los bosques de Chhattisgarh.

7.11.16

Victimario, del canario José Luis Fajardo

Esta obra del pintor canario José Luis Fajardo, fué realizada en el año 1965 con solo 24 años de edad. Titulada “Victimario” representa a cuatro personajes de los suyos: enigmáticos, cabezones, duros y torturados, en una crítica social clara y contundente del artista, que como testigo de la realidad, sabe perfectamente qué mostrarnos. En alguna de sus explicaciones nos deja dicho: "Mis cuadros están llenos de rabia, de inconformismo, de ira contenida”.

1.11.16

Eduardo Arroyo y una obra recordando a Suiza

Eduardo Arroyo nos deja esta obra titulada “Gugliel Motel número 5” realizado al óleo en el año 1972 al óleo. Una obra casi humorística donde monta una paisaje artificial para colocar unos elementos a modo de representación teatral, refiriéndose a Suiza, con su leche, sus montañas nevadas, la manzana de Guillermo Tell o la estrella de la bandera de Suiza. Una obra medio surrealista que recuerda en algunos aspectos a las obras primitivas y sencillas de Dalí.

30.10.16

La Despeinada, La Scapigliata de Leonardo Da Vinci

La Scapigliata, una cabeza de muchacha, conocida como "La despeinada" (Testa di fanciulla o La scapigliata) es una obra de Leonardo da Vinci, pintada con tierra oscura, amarillos y blancos sobre tabla, algo menor de tamaño que un A4 y que se debió pintar entre 1500 y 1508.

Esta hermosa pintura inacabada, muestra el rostro de una gran belleza femenina y es posiblemente uno de los primeros trabajo de da Vinci, donde podemos ver “la vida” de una mujer a través de su mirada y su gesto, indicándonos que es sin duda la obra de un gran maestro del dibujo. Podríamos estar viendo a una serena mujer actual, más de 500 años después, pues la maestría del trabajo no tiene tiempos. 
 
Podríamos estar mirando a una mujer que en cualquier momento levantara la vista hacia nosotros y nos mirara con atención, pues el gesto de los labios y el despeinado que le da título a la obra, ayuda a creernos que esta mujer está misteriosamente viva.

24.10.16

Icono Virgen del Perpetuo Socorro de Madrid

No siempre puedo dejar el autor de la obra junto a la misma, a veces no logro saber quien ha creado algunas de las bellezas que contemplamos. Es la imagen icónica posiblemente ortodoxa de la Virgen del Perpetuo Socorro de la parroquia de San José de Madrid.

Vemos a la Virgen mirándonos de frente mientras el niño Jesús mira a los Arcángeles San Miguel y San Gabriel, que portan los instrumentos de su futura tortura, cuando muera en la cruz.

La mirada de la figura de la Virgen es directa, al espectador, mientras el Niño de edad incierta lleva el detalle de una sandalia a punto de caerse al suelo posiblemente y según dice la propia iglesia, demostrando el temblor del miedo ante el sufrimiento que se espera cuando sea adulto.

20.10.16

Las bañistas de Renoir, en su etapa ya enfermo

El cuadro de Pierre Auguste Renoir titulado “Les baigneuses - Las bañistas” es un desnudo típico de este artista impresionista francés que en los últimos años de su vida y con fuertes dolores en las articulaciones, nos deja una visión suya de los paraísos ensoñados donde los dioses entregan naturaleza, señoras hermosas y aire puro junto al agua donde retozarse. 

En esta obra ya estaba Renoir enfermo e intenta demostrar que el dolor no es quien debe atraparnos, que hay que derrotar a la enfermedad al menos, en sueños. Le cuesta mucho pintar con los dedos entumecidos, pero sigue trabajando con pinceles, ayudándose con diferentes técnicas.

19.10.16

Goya y el coreto de El Pilar pintado por un genio

En El Pilar de Zaragoza, el genial Goya nos dejó algunas muestras de su arte, al fresco con la enorme dificultad que tiene pintar al fresco en grandes techos, tanto técnica como personal, y más para un joven artista como Goya, que estaba casi empezando.

En el año 1772 hizo el fresco que vemos aquí en una mala imagen que es casi imposible mejorar por la mala iluminación que tiene la obra del coreto de la Virgen del Pilar, y por la gran distancia desde el suelo a la obra.

Esta obra no gustó a las autoridades eclesiásticas, sin intuir que estaban ante un enorme artista que después demostraría una forma de trabajar espléndida. Pero pintar al fresco, tumbado y en mala posición, en enormes espacios (la obra tiene 85 metros cuadrados) y sin mucha posibilidad para ver bien las perspectivas, con un sistema casi aguado que encaja muy bien para bocetos pero no tanto para obras que vamos a ver de cerca, pintar así, digo, es muy complicado.

Os dejo también el boceto de la misma obra de 1771 y que realizó Goya para explicar la obra que deseaba realizar y de alguna forma vender su trabajo antes de hacerlo. Una obra de catálogo, diríamos hoy. Una obra que luego se le debió volver en su contra pues no está tan bien terminada como el original.

por cierto, en la obra original, vemos abajo a la derecha, el destrozo que hizo la bomba que cayó en la Guerra Civil y que no llegó a explotar o no llevaba carga para explotar.

La obra se titula “La Adoración del Nombre de Dios” y ha situado en el centro el iluminado triángulo de la Santísima Trinidad, mientras que entre las nubes del Cielo sitúa ángeles y santos, distribuidos en diferentes grupos, buscando a quien mira hacia arriba, la sensación de estar viendo la Gloria en el momento en el que se llega a ella.

18.10.16

Por qué pintaba El Greco sus figuras alargadas?

 El cuadro de El Greco titulado “San Martín y el mendigo” pintado a finales del siglo XVI y que se encuentra en los EEUU, nos va a servir para demostrar que El Greco no pintaba con las figuras alargadas por un defecto en la vista como a veces se ha dicho, pues de ser así él también vería alargadas las figuras al ser pintadas en sus cuadros cuando las pintara normales. Y las vería “MUY” alargadas cuando las pintases alargadas. Además el alargamiento sería en una dirección de la figura, pero esta distorsión se da tanto en figuras verticales como en horizontales.

Os dejo un cuadro de El Greco tal y como él lo pintó y una aproximación en anchura del rostro de las personas, distorsionando la imagen. En el segundo caso, sin llegar a estar las figuras con una anchura normal, vemos que el caballo se nos ha puesto excesivamente grueso, que los hombros de San martín se nos han ido horizontalmente, mientras que los rostros todavía necesitan una distorsión mayor.

Es cierto que sus cuadros en muchos casos se veían en lo alto de grandes habitaciones de monasterios e iglesias, y eso llevar a construirlos con una distorsión, para darles más grandiosidad a las figuras. Existen muchas obras salidas del taller de El Greco, realizadas por sus ayudantes y mantienen esas formas alargadas.

El Greco era un inmenso artista que marcó escuela moderna que llega hasta nuestros días y entre sus genialidades bien pudo crear un estilo propio a conciencia de que estaba trabajando con figuras alargadas, simplemente para marcar personalidad.

17.10.16

Arcangel San Miguel y su milagro del toro. Jopetas

Del pintor sevillano Sebastián López de Arteaga, dejo este cuadro titulado “San Miguel con el toro”, pintado en la mitad del siglo XVII en México. De esta gran pintor que emigró a las américas a pintar obras para las nuevas iglesias y monasterios que se construyeron allí, han quedado muy pocas obras.

En ella vemos la aparición de San Miguel en el Monte Gargano al obispo italiano Siponte, que vemos en la parte inferior izquierda. San Miguel le está explicando al obispo que había realizado San Miguel. Personalmente más que un milagro, me parece una barbaridad, pero os lo cuento como un cuento.

La leyenda dice que había un hombre, dueño de varios rebaños de ovejas y de algunos toros y bueyes, y que uno de estos últimos se perdió un día. Al volver con sus animales a casa y darse cuenta de que faltaba un toro, acompañado por varios criados suyos, recorrió todo el territorio en su busca.
Encontró al toro en la entrada de una cueva y muy violento pues se creía ya libre, y el pastor muy cabreado contra el animal, le disparó una flecha envenenada.
Pero al cambiar sin ningún motivo la dirección del viento, la flecha se dió la vuelta y se dirigió hacia él, clavándosele al pastor en un ojo.
Cuando se preguntó al obispo Siponte sobre el significado de aquel suceso, este ordenó a todos tres días de ayuno y rogativas, durante los cuales se le apareció San Miguel, diciendole que él era el protector de aquella cueva existente en la cima del monte, y había sido él quien desvió la flecha, para seguir guardando aquel lugar en el que había decidido morar en forma de toro. Jope.

Una calabaza de Yayoi Kusama


Yayoi Kusama, artista y escritora japonesa, psicodélica que ha trabajado la pintura, la escultura o los montajes a veces incluso espectaculares como este, titulado “Pumpkin = calabaza”. 

Muy reconocida en todo el mundo por su influencia en el pop art, ha presentado sus trabajos por todo el mundo.

16.10.16

José Orús y sus obras espaciales que se mueven según la luz

José Orús fue un artista autodidacta muy vinculado a los movimientos culturales de Zaragoza, amigo de los Labordeta y pintor desde muy joven, que ya en el año 1960 y con una edad de 30 años, empieza a emplear pigmentos metálicos en sus obras hasta convertirlas en además de originales, auténticos elementos donde se junta la forma, el volumen, con la luz y el color. Trabaja el espacio en una dimensión inmensa, aunque sus cuadros sean pequeños o medianos, creando movimientos con la luz que cambia según la iluminación que reciben sus obras.

Su trabajos con luz negra son un simple mundo artificial que lleva al espectador a un lugar desconocido, donde el arte se apodera de la estancia, adueñándose de la persona que mira.

En la Sala Sástago de Zaragoza y hasta enero de 2017 hay una retrospectiva de José Orús, con entrada gratuita, para deleitarse con sus obras.

10.10.16

Invierno de coles con escarcha, de Iris Lázaro

La artista soriana y muy reconocida zaragozana, Iris Lázaro nos deja un ejemplo de pintura compleja en la técnica, que retrata su mundo con una suavidad que encandila al contemplarlo. Este bodegón de suelo, una escena campestre de su Soria en un invierno duro donde la escarcha ataca a las coles, refleja perfectamente su forma de tratar los elementos desde una mirada sencilla pero muy personal, natural pero llena de guiños, donde cualquier objeto puede ser çél mismo o el contrario, a poco que nos pongamos a soñar con ellos. Invierno 2003 que al oleo refleja una suavidad en la técnica que resulta sumamente compleja de realizar.

9.10.16

Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago, a color

El románico Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, realizado por el Maestro Mateo y su taller, en la segunda mitad del siglo XII, se creó totalmente policromado aunque todos nosotros lo hayamos visto siempre sin color, con la piedra como único testigo de esta gran obra de arte.

Sí es cierto que quedaban detalles y lugares donde el color original se había mantenido y eso junto a los estudios realizados sobre la piedra, ha permitido saber las fases diferentes que ha tenido todo el Pórtico de la Gloria a lo largo de los siglos, hasta poder averiguar casi con toda seguridad de qué color era primitivamente todo el conjunto y cada una de sus partes.

Para el próximo año 2017 podremos ver restaurado el Pórtico de la Gloria, limpio y muy trabajado para mantener su calidad durante más años, sabiendo además los factores que le afectan en su deterioro constante, tras 10 años de trabajos muy minuciosos. 

Solo se está limpiando, aunque esto suponga que en muchas partes esta limpieza, eliminando polvo acumulado, podamos ver en el próximo año colores que en estas décadas ya no se observaban.

Y se ha podido crear una visualización digital del aspecto primitivo de la gran obra, para saber todos nosotros de qué forma se terminaban las obras que hoy para todos son del color de la piedra, como vemos en muchas iglesias de España.

8.10.16

Roberto Ferri y sus desnudos académicos mortales

El joven artista italiano Roberto Ferri nació en Taranto en 1978, y se graduó de la Escuela de Arte "Lisipo" de su ciudad. Empezar a pintar como autodidacta hasta que se trasladó a Roma en 1999 para profundizar en la investigación sobre la pintura antigua, buscando desde el comienzo del siglo XVI hasta el XIX ese tipo de pintura como la de Caravaggio, muy académica, dulce, difuminada en sus grandes masas pero con detalle real en los contornos.
Ha seguido formándose y sobre todo exponiendo sus obras en Italia, EEUU, Turquía, Reino Unido, Noruega, etc. y dando conferencias sobre arte o escribiendo sobre su concepto del arte antiguo en el mundo moderno.

Sigfrido Martín Begué y una ciudad bodegón

Con solo 41 años dejó de pintar el artista Sigfrido Martín Begué, arquitecto, pintor y diseñador madrileño, muy vinculado con todo el movimiento de la Movida Madrileña.

Licenciado en Arquitectura en 1985 y con una beca de la Academia de Bellas Artes de Roma, empieza a crear dentro de la figuración obras muy personales, referenciadas muchas veces a la arquitectura junto a la mitología clásica y a la metafísica, creando paisajes surrealistas, fantásticos, soñadores, libres.

Diseñador de escenarios y vestuarios para el teatro, Martín Begué no logró entregarnos todo su potencial, al fallecer tan joven. Esta obra, del año 1986, la tituló “Ciudad Bodegón”.

2.10.16

Escultura de la mitología romana en Jardines de Sanssouci

El Palacio de Sanssouci, en la ciudad de Potsdam fue obra del arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, y construido a mitad del siglo XVIII como residencia privada del rey Federico, donde pudiera relajarse del trabajo de la corte de Berlín. Sus larguísimos paseos llenos de recodos y estatuas son sin duda un lugar para perderse.

El nombre de Sans-souci es un término francés que puede traducirse como Sin preocupaciones, simbolizando que el palacio era más bien un lugar de descanso que un centro de poder.

Sus jardines junto al Palacio de Sanssouci son Patrimonio de la Humanidad y en ellos se pueden contemplar un gran número de esculturas barrocas de Diosas y Dioses de la mitología, en mármol blanco, que resultan ya por sí solas una visita al parque. 

En esta imagen vemos a Venus, un querubín pequeño, que emerge a la vida entre las redes de las pescadoras, desde el mar, entre peces y mariscos. La mitología ofrece muy diversas interpretaciones del nacimiento de Venus o Afrodita o Turán, y esta no es la más extraña. También se dice que nace de la espuma que surgió al caer al agua de mar los testículos cortados al Dios Urano por su propio hijo.

1.10.16

David victorioso, sobre un Goliat roto y asfixiado

Esta obra del artista Richard Heb, creada en el año 1983, nos muestra en bronce una escultura claramente significativa de lo que es la derrota y el triunfo, con un David sentado sobre la cabeza de su enorme enemigo, ya roto y derrotado, con la boca abierta reclamando como poco aire. Se encuentra en la ciudad alemana de Frankfurt.

26.9.16

Cuadro que nos muestra Alemania, antes de las guerras

Alemania quedó destruida tras las dos Guerras Mundiales. En la II Guerra Mundial, sus grandes ciudades, las mayores de 100.000 habitantes, fueron bombardeadas hasta destruirlas totalmente. ¿Pero cómo eran estas ciudades? Muchas de ellas se han reconstruido pues se salvaron los planos de ellas, de sus calles, de sus viviendas. No de sus decoraciones de vecindario. Este cuadro, anónimo para mi, nos muestra una calle alemana hasta finales del siglo XIX.

19.9.16

La Madonna Sixtina o la Madonna de San Sixto, de Rafael

Este cuadro titulado “La madonna Sixtina” o la “Madonna de San Sixto” es un gran cuadro atribuido a Rafael Sanzio, de 196 x 265 cm. que curiosamente todo el mundo conoce mucho más por sus ángeles del suelo, apoyados sobre una tarima, que por el cuadro total que en la actualidad está en la ciudad alemana de Dresden.

Encargado por el Papa Julio II en el año 1512 para la iglesia de San Sisto en Piacenza (Plasencia), Italia, fue llevado a Dresde (Alemania) en el año 1754 al ser comprado por el Príncipe de Sajonia Augusto III, estuvo tras la II Guerra Mundial en Moscú y se volvió a entregar a la ciudad alemana donde es la pieza más especial del Palacio Zwinger. Es un cuadro extraño para la época, pues a modo de un teatro vemos a las figuras religiosas entre las nubes del cielo pero emanando desde la tierra, enmarcada por el telón verde del fondo.

Santa Bárbara, San Sixto, la Virgen y el Niño Jesús forman los elementos principales del cuadro, donde en las últimas décadas los ángeles de la zona inferior se han apoderado de todo protagonismo de la obra. Este cuadro se cree que fue encargado para decorar la capilla en donde se iba a enterrar el Papa Julio II, para indicar a los presentes que todas estas figuras estaban en el sepelio del Papa, asistiendo al momento y ayudando al Papa al tránsito al Cielo. Se cree que el rostro de San Sixto en realidad es el retrato de Julio II. Como se dice que la amante del pintor Rafael, La Fornarina, sería la que dio rostro a la Virgen y una sobrina del Papa Julio II quien cedió su rostro para Santa Bárbara. El nombre de Sixto viene de “seis, sexto” y en el cuadro aparecen seis personajes, que parecen mirar hacia los espectadores en abstracto, a nadie en concreto, excepto San Sixto que mira directamente a los ojos de la Virgen.

Goethe, impresionado por el cuadro, escribió sobre Rafael lo siguiente: “Él creaba siempre lo que otros soñaban crear”. Sabido es que León Tolstoi y Fiódor Dostoievski tenían reproducciones del cuadro en sus despachos. El pintor y arquitecto italiano Carlo Maratti (Maratta) dijo: “Si me mostraran el cuadro de Rafael y nada supiera de él mismo, y me dijeran que es la creación de un ángel, lo hubiese creído”.