22.1.16

La dolce vita, pero en arte callejero y efímero

No es sencillo, no, no es nada fácil saber qué nos quiere decir el artista con esta composición de arte callejero. El texto ayuda, sin duda. La dolce vita. Vemos a una persona en posición acrobática, con la cabeza metida en una especie de pozal o de tiesto de barro, de maceta con ojos y aberturas para sacar las manos. Tal vez para resultar anónimo, para no ser visto, incluso para no ver. En perfecto equilibrio consigo mismo. Y yo qué sé. El conjunto de colores si que me encaja muy positivamente, ese azul cían en precioso rodeado de grises y magentas. La obra está en el barrio zaragoza del ACTUR. El artista es: Nikita

Dibujar es muy sencillo, aunque no siempre lo entendamos así

En algunas de las últimas entradas de este blog os estoy planteando pequeños ejercicios de copia para aprender a manejar técnicas de dibujo y pintura, para desde obras sencillas de imitar, poder explorar nuevas técnicas o lo que es más sencillo, practicar la mano con ejercicios que nos pueden abrir más posibilidades artísticas según nuestra calidad en el dibujo. Dibujar es sencillo, aunque no siempre lo entendamos así. Depende de donde nos pongamos el límite.

Esta obra es del año 1927, dentro de una colección de “Estampas de Granada” del artista Hermenegildo Lanz. Es una xilografía, es decir una hoja impresa desde un grabado realizado en madera. De esta forma se logran varios ejemplares iguales pero manteniendo una calidad especial, una sensación muy hermosa. Pero es también una obra que nos refleja una forma de dibujar, pues el artista antes de pasarla a un grabado de madera, la tuvo que dibujar.

El Capitán Tormenta. Ilustración de hace más de un siglo

Esta ilustración tiene 111 años, es del libro “El Capitán Tormenta” de Emilio Salgari. Impreso en tipografía pero con una trama muy fina para este modo de impresión y aquellos años, y demuestra lo muy bien que se realizaban trabajos cuidados con métodos muy costosos y arcaicos, pero con mucha profesionalidad en los fotograbados de la época y en los impresores que con papeles malos hacía auténticas maravillas aunque de forma manual y lenta. Se imprimió en la Imprenta de Jaime Ratés de Madrid. No conozco al autor de la ilustración oroginal.

17.1.16

Clase de dibujo para los que no saben dibujar; creen ellos

Las obras de este dibujante y pintor de EEUU, Jerry Shawback, son contundentes en sus casi débiles trazos, y resulta muy fácil aprender de él copiando sus formas de trabajar y dibujar con una simple hoja de papel y un rotulador de calidad de un grosor de 0,5 mm, practicando con trazos rápidos donde lo que importa es el resultado final en conjunto, la vitalidad del resultado, casi el movimiento que se intuye entre sus pocos pero bien elegidos rasgos de rostros y partes del cuerpo. Es sin duda un ejercicio para realizar varias veces empleando cuando fotografía de un familiar como modelo de ejemplo a crear. No importa que se parezca o no, para eso ya está la fotografía. Lo que importa es que con cuatro rayas logremos algo interesante sobre el papel, que refleje una sensación de vida con pocas líneas rápidas. Si no nos gusta un ejemplo, se tira y se empieza otro, y otro, y otro. Bueno, mejor no tirar ninguna, que igual a los cuatro días nos gustan todas.

15.1.16

¿Qué Arte Contemporáneo verán nuestros nietos en los Museos?

Hay una gran parte del Arte Moderno, del más conocido como Arte Contemporáneo con un apellido añadido que no siempre admitimos y sin duda sabemos que no será el definitivo, que no sabemos bien en qué quedará, cuánto quedará, para qué quedará en el medio plazo de la historia. ¿Cuántas de las obras que hoy se contemplan en los Museos de Arte Contemporáneo, las verán nuestros nietos en esos museos de finales del siglo XXI?

Esta obra es de la artista inglesa Phyllida Barlow: “Casa vuelta hacia arriba, 2” (2012), es la nueva compra del Museo Tate Modern de Londres. Efectivamente parece un montón de escombros, puede incluso que lo sean, pero pegados hasta formar un conjunto, que ocupa un espacio, mostrando unas formas que resultan cuando menos curiosas.

Queda claro que el Arte Contemporáneo ya no trabaja las obras para que nos las colguemos en el dormitorio, en el despacho o en el salón. Ahora a lo sumo o las adquiere un Museo o las tienes que tirar. No caben en otro espacio. Y en la calle como arte público, muchas de ellas se deshacen.

14.1.16

El cuerpo de “Laurita Mazapan” como lienzo efímero

La artista española “Laurita Mazapan” afincada en Londres (no se llama así), emplea su propio cuerpo como lienzo donde trabaja desde trampantojos a auténticos paisajes donde las formas del lienzo juegas con las formas pintadas, hasta lograr un arte efímero, un modo de arte corporal curioso e impresionante. En unos tiempos en los que los tatuajes parece la forma más común de utilizar el cuerpo como lienzo donde plasmar ideas artísticas, hay que agradecer también estos otros métodos de creación, donde un mismo lienzo se puede emplear en muchas ocasiones, sin estar atado a una creación fija para siempre.

Goya y sus dibujos en aguada gris

El aragonés Francisco de Goya empleó muchas técnicas artísticas para plasmar sus trabajos artísticos. Desde las muy reconocidas pinturas a los bocetos para tapices, los grabados o los dibujos. Aquí dejamos un dibujo con aguada gris y pincel, realizado en el año 1796 y titulado “Tres lavanderas” realizado para el Álbum llamado Madrid.

11.1.16

Ya no me gustas y no sé el motivo de mi abandono

A veces unos objetos te atrapas sin saber bien el motivo. Incluso se da el caso muchas veces, de que algo te gusta en un momento dado y luego te resulta horroroso a los pocos días. Uno cambia y con él, su forma de mirar, de ver y absorber. Lo que un día te parece Arte, al otro te parece artesanía y otro no te parece nada. Este objeto resulta inclasificable. Ha estado dos días en mi escritorio esperando ser publicado con algo de sustancia. Pero he sido incapaz de entenderlo, de abrazarlo de la misma forma a como lo hice cuando lo ví. Ha perdido el sentido y no sé el motivo.

8.1.16

Natalia Goncharova y su Bosque rayonista

La artista rusa de los siglos XIX y XX, Natalia Sergéyevna Goncharova se inspiró en un principio en los movimientos primitivos del folclore ruso desde una visión cubista contemporánea sin dejar nunca de seguir trabajando para las obras musicales de su país, realizando decorados y trajes para diversas obras. Diseñadora gráfica y escritora se movió dentro del futurismo de Moscú y del grupo avant-garde Der Blaue Reiter desde sus comienzos en 1911. En esta obra del año 1913, con 32 años en el el cénit de su novedosa carrera, nos plantea un “Paisaje rayonista. El Bosque”. El movimiento “rayonismo” que como vemos consiste en configurar las obras con rajas de colores como rayos de luz, tuvo la importancia de haber sido el movimiento vanguardista ruso que abrió la puerta de la abstracción al arte en este país.Esta obra se puede contemplar en el Museo Thyssen de Madrid

7.1.16

Liubov Popova y sus cubismos arquitectónicos

Liubov Popova fue una artista rusa entre el siglo XIX y el XX que en los periodos revolucionarios de su país creó escuela vanguardista junto a otras mujeres de su país. Popova trabajó sobre todo composiciones arquitectónicas dentro de un cubismo futurista, donde juega con formas de colores, con líneas que rompen la mirada de la obra, con colores potentes rodeados de otros tonos más fríos. También se incluyen entre sus obras cuadros de figuras humanas, de bodegones o de desnudos. Este cuadro lo pintó en el año 1918 y se titula “Arquitectura pictórica”.

5.1.16

¿Qué futuro tiene el Arte Contemporáneo? ¿Hacia donde se mueve el Artehoy?

Cada vez es más habitual que el Arte Contemporáneo que se nos presenta en exposiciones o museos, sean presenciales o por internet, esté compuesto por montajes de diversos elementos y objetos que no es fácil catalogar de escultura, con la mezcla de elementos en relieve, sonido, luz, color, formas y la ocupación de espacios utilizando diversas mezclas de técnicas, para provocar sensaciones y sorprender a la vez que trasmitir modulaciones diversas. 

¿Tiene futuro este paso dado por el Arte Contemporáneo? Sin duda no lo sabemos, es imposible incluso saber hacia donde se dirige, qué papel va a quedar para la pintura y el dibujo en un futuro cercano, ni qué vendrá desde la evolución de estos collage grandes de elementos que tienden a rodearnos, a ser partícipes ellos de la instalación por delante del propio espectador. Ya no somos meros espectadores, en muchos casos somos una parte de la obra, sin la cual tiene mucho menos sentido todo. El espectador es necesario para completar este nuevo Arte Contemporáneo.

Nota.: La obra de la imagen es de la artista Sonia Leimer

1.1.16

Si ante el Arte somos sólo espectadores, aun no nos han vencido

Quiero empezar el Año Nuevo 2016 con un simple dibujo infantil. Unos trazos, unas formas sobre una pizarra, unas líneas simples que denotan dominio de los espacios y frescura. Lo de menos es qué nos quiere trasmitir el artista. Lo maravilloso es que nacemos artistas y nos van moldeando hasta dejarnos en grises espectadores. Y si al final logramos convertirnos en espectadores, hemos salido ganando, pues a la mayoría ni eso.