30.12.16

Min Wae Aung y sus monjes birmanos

El artista birmano Min Wae Aung pintó esta obra titulada “Hacia el Monasterio” en el año 2016. Un acrílico pequeño y muy gráfico, en la línea de sus trabajo tradicionales y más comerciales, con paisajes que aun reflejando su particular estilo y sus experiencias étnicas, se mueven en un conjunto más contemporáneo, a través de los fondos, de las luces y las formas.

Monjes y monjas están dispuestos en composiciones estéticamente muy correctas, siempre con un perfecto sentido de movimiento y energía en sus obras, utilizando colores brillantes y sutilmente sombreadas y claramente delineados en negro, sobre un fondo a menudo ejecutado en una manera puntillista n contraste con las figuras para concentrarte más en ellas y sus movimientos.

29.12.16

Artemisa, Judit, Holofernes y Tassi

Artemisia Lomi Gentileschi fue una pintora excelente en tiempos en que estaba vedado a las mujeres aprender ARTE en las Academias Oficiales. Como su padre era un reconocido artista le buscó un profesor privado, Agostino Tassi, que al poco de tomarla como alumna la violó, teniendo ella sobre 19 años y él ya 46. Aquello marcó brutalmente la vida de Artemisa por lo que suponía en sí, por el tremendo juicio al que se vió abocada y por la deshonra que en aquellos años suponía ser una mujer ultrajada.

Se cree que esta obra titulada: "Judit decapitando a Holofernes", y realizada pocos años de la violación y el juicio, fue una forma de sacar todo su odio hacia el hombre que la violó. La violencia de la obra, sin duda nos lleva a un deseo de venganza muy claro.

Os dejo un extracto de su declaración en el juicio, que se conserva totalmente documentado. Este texto de la zona inferior, está sacado de Wikipedia.

“Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne”.

28.12.16

Zeng Chuanxing y su realismo étnico

El realismo chino del artista Zeng Chuanxing que nació en Long Chang, provincia de Sichuan en el año 1974, nos muestra en sus obras una serie de trabajos donde juega con las miradas de los espectadores, para engañarnos diciéndo más cosas de las que vemos.

Habiendo crecido entre  diversos grupos étnicos, Zeng Chuanxing está familiarizado con sus propias vidas y ha desarrollado fuertes sentimientos hacia ellos que intenta plasmar en sus obras. Las mujeres de las minorías son un tema importante en sus pinturas dentro de un realismo clásico donde trabaja con profundidad y  delicadeza sus sentimientos.

Zeng Chuanxing siente que los ojos y las manos de sus modelos reflejan verdaderamente el alma de todo ser humano, y tal vez por eso los personajes de sus obras son casi siempre callados y melancólicos, mostrando a través de sus miradas y sus manos, los sentimientos y actitudes hacia la vida que tienen las personas, sobre tonos grises o fríos en muchos casos.

Zeng Chuanxing, es un artista chino en alza, sobre todo por la belleza de sus obras, pero también por la técnica con la que están pintadas, y el sentimiento que desprenden.

27.12.16

Teddy Kollek y Picasso. Mano a mano

Un dibujo del exalcalde de Jerusalén, Teddy Kollek, realizado en rojo y azul y fechado el 11 de diciembre de 1969, pintado en la parte final del catálogo sobre una exposición de Picasso en el Museo de Israel, se ha salvado por muy poco de terminar en la basura, según ha informado el periódico “Times of Israel”.
                                   
Los hijos del exalcalde Teddy Kollek encontraron por casualidad este esbozo, dibujado y firmado por el exalcalde y por Picasso en 1969 mientras limpiaban la casa de su madre, fallecida a principios de este año.

“Lo encontramos entre los muchos libros sobre Jerusalén de la biblioteca de nuestros padres, y estuve a punto de tirarse a la basura”, declaró la hija, Osnat Kollek.

El dibujo del exalcalde de Jerusalén, trazado en rojo y azul,  y rescatado este mes de las pertenencias de la familia Kollek, ha sido donarlo a la Fundación de Jerusalén, una organización sin ánimo de lucro que este año celebra su 50 aniversario.

Picasso simplemente firmó el catálogo, o también realizó alguna de las líneas del boceto, de la obra? ¿Fue un trabajo de una sola persona o intervinieron los dos?.

26.12.16

Guerrero mochica en un recipiente de carámica

La cultura Moche, la de los mochicas del antiguo Perú, dentro de su complejidad y diferencias, nos ha dejado sobre todo un gran número de ejemplos artísticos, donde la cerámica es uno de los más conocidos y mejor conservados, mostrándonos su mundo cultural, militar y religioso con sumo detalle.

Generalmente nos han llegado en perfectas condiciones, recipientes y vasijas que utilizaban para las ceremonias con sus muertos, cerámicas pintadas a mano con pinceles y que nos muestran sus forma de vida, sus personas con sus vestimentas. Ellos no inventaron en estas cerámicas, representaban la vida que tenían en esos momentos, lo que nos ha servido para conocerlos mucho mejor, casi retratando a personas o a las actividades cotidianas de su sociedad, sus animales, sus ritos, sus formas de practicar sexo, etc.

Para ellos el vínculo entre la vida y la muerte era muy profundo, y así lo representaban, con muchas cerámicas sobre la fertilidad y el sexo. Estas cerámicas eran generalmente pintadas en dos colores. Uno fuerte y uno suave, casi siempre también rojos y cremas, colores cálidos. Se realizaban estos recipientes en serie con moldes y luego se pintaban a mano.

Fue un pueblo muy artístico y son muy conocidas también sus pinturas murales. Pero era también una sociedad muy clasista, donde solo unos elegidos tenían acceso y derecho a estos elementos artísticos. Esta vasija mostrando la cabeza de un guerrero tiene entre 1.300 y 1.800 años de antigüedad.

Chico de cafetería, sentado y mirando. Simplemente

Iba en busca de un Museo de Arte Contemporáneo y me encontré con este joven pegado dentro de un gran cuadro, en la cafetería del entorno.

Era una repostería cafetería de tostada con tomate o de bollería fina y yo me senté delante del joven sentado en el cuadro, pero no me solicitó desayuno. Tan sólo me miró en silencio.

Estaba bien pegado a la gran obra mural. El conjunto era muy distinto al detalle, impresionaba en un local sencillo y donde sólo destacaba la gran obra pictórica del fondo.

Bueno…, y la camarera…, joven y áspera, alegre y sonriente pero tersa y a la vez dura. Aunque se puede sonreír desde la rigidez. Es Barcelona.

24.12.16

Honorio III "doctor Boca de Miel"

Este trabajo artístico encontrado en una pared del monasterio de una iglesia gallega, nos recuerda a San Bernardo de Claraval, un santo francés Llamado "Mellifluous Doctor" (el Doctor boca de miel) por su sabiduría y arte de hablar en público. Fue Papa con el nombre de Honorio III en el siglo XII.

Pero esto es menor, para lo que quiero decir. La parte de la religión más importante que seguimos disfrutando, es aquella en la que nos ha sabido dejar durante siglos su forma de concebir el arte como sistema de explicación sencilla para las masas analfabetas de los países.

Conservamos millones de ejemplos de arte religioso repartido por todo el mundo, sea cristiano, budista, islámico o de cualquier otra religión. Y gracias a estas representaciones escultóricas, pintura o dibujos, cerámica o frescos, arquitectura o literatura, podemos conocer mejor aquellas sociedades y sobre todo aquellos miedos y temores que los dejaban acojonados para que siguieran soportando a los poderosos, garantes de la Paz Final.

Un precio muy alto, pero los listos son siempre los que ponen los precios a todo.

21.12.16

Bienabe Artia y sus paisajes vascos

Bernardino Bienabe Artia fue un pintor de Irún del siglo XX que pintó sobre todo paisajes propios, de su tierra, de sus mares y sus campos, con unas formas cubistas y unos colores naturales que le otorgaron a sus obras una personalidad propia indiscutible. Esta obra, titulada “Atardecer en el Bidasoa” es de 1923, una obra muy joven pues tenía 24 años cuando la realizó. Está pintada al óleo sobre cartón.

"Su pintura no cae en el pintoresquismo o el mero folklore, y universaliza los valores vascos con la enorme potencialidad de su plástica. Los temas de figura son más característicos que los paisajes, peculiaridad, por otra parte, que se encuentra en toda la escuela vasca. Sin embargo, Bienabe Artia infunde al paisaje un vigor ceñido y denso, que a veces recuerda los mejores momentos de Regoyos. Su paleta, propicia a los acordes graves, tiene una gama extensa y bien armonizada, que concuerda con la severidad formal y el orden riguroso de la composición, remitida siempre a la conjugación de la masa con el pigmento".
Angel Marsá en la Gaceta de las Artes, Barcelona, 1954.

18.12.16

Jim Kay y el callejón de Harry Potter

 El ilustrador Jim Kay fue seleccionado por J.K Rowling entre más de 300 aspirantes para dibujar la saga de Harry Potter. Artista conceptual para libros, televisión y cine, he producido piezas de instalación para galerías, y trabajos para el cine y la televisión. Le encantan —según dice él mismo— los museos, los libros antiguos, las películas de David Lean, los crawlies espeluznantes, la jardinería y casi cualquier música de cualquier siglo. Vive en la región de Northamptonshire donde diseña y sigue trabajando el arte en su taller.

El arte de la ilustración, de la creación para papel o cine, es un camino a medio explorar todavía en el mundo artístico. Tenemos unas herramientas nuevas que son los ordenadores y todos los elementos con los que se puede trabajar en pantallas, que sin duda nos llevarán en estos próximos años por el camino de un nuevo arte que dejara pequeño el Renacimiento.

Os dejo dos secciones de la imagen “Callejón Diagón”, realizada por Jim Kay para “Harry Potter y la piedra filosofal”. Conocer su obra y darla a concoer a los que quieren empezar en la ilustración, es aprender de un gran y joven maestro, del que tenemos que aprender todos los que admiremos el ARTE.

17.12.16

San Diego de Alcalá y los pobres, de Murillo

Bartolomé Esteban Murillo pintó esta obra en su juventud, con sólo 28 años de edad. No es sin duda su mejor obra, pero indica ya, unas formas de saber tratar a los personajes de una manera muy detallada, fotografiando la composición con cuidado y autenticidad, sin perder esa gracia que tienen todas sus obras en los ropajes y los rostros.

Se titula “San Diego de Alcalá y los pobres” y fue pintada en el año 1646. Trata del milagro de San Diego, que siendo el responsable de dar de comer a los pobres, él sabedor de que la comida de la gran olla se iba acabar antes del número de pobres que acuden en busca de sustento, se pone a rezar para que nunca se termine el alimento del puchero, y logra el milagro de que aquella comida efectivamente nunca se llegue a terminar.

Su cuerpo, a su muerte, no se corrompió y permaneció inalterable y por ese motivo los Grandes Señores y las familias Reales de la época, cuando se sentían muy enfermos, a punto de irse de viaje, mandaban traer el cuerpo sin pudrir de San Diego para que les diera fuerza y tal vez incluso suerte. El pobre San Diego estuvo viajando después de muerto, más que en vida.

16.12.16

Obra de juventud de Francisco Bayeu

El pintor aragonés Francisco Bayeu nos deja en esta obra titulada “Tiranía de Gerión” un ejemplo de sus inicios, maravillosa obra presentada en su juventud (tenía 23 años cuando la pintó) a un concurso de la Academia de Arte de San Fernando donde se solicitó a los alumnos un trabajo sobre el mítico Rey Gerión. Él estaba en aquellos años formándose en Zaragoza.

No obtiene el primer premio que era una alhaja donada por el clérigo José de Vargas (a diferencia de lo que se dice en algunos sitios) pero sí una pensión o beca para poder continuar sus estudios de pintura en Madrid; pero problemas surgidos con el artista González que era su maestro en la capital, y la muerte de sus padres, le hacen regresar a Zaragoza antes de tiempo.

15.12.16

La caridad de Pero, con su padre Cimón o Micón

Este relieve está en un edificio belga, mostrando una tradición romana con más de 2.000 años de antigüedad que refleja la iconografía de la caridad a través de una hija, llamada Pero, que encuentra a su padre Cimón o Micón, preso y hambriento, ya anciano, y al que intenta confortar y alimentar con su propio pecho, dejándose amamantar por el padre, como si este fuera un bebé, como si el anciano en sus últimos años se volviera realmente un bebé. Si nos fijamos en los ojos del anciano, vemos una mirada perdida, fija, abstraída ante la caridad de la hija.

Amor filial, donde no queda claro si el padre anciano está preso de la justicia o de su edad y su futuro, de su decrepitud. El escritor romano Valerio Máximo, escribió un libro de anécdotas históricas titulado Hechos y dichos memorables sobre el año 30 d.C. donde relata esta virtud retórica.

Aniceto Marinas y sus relieves. Teruel y Madrid

La iglesia de la Santa Cruz en la calle Atocha de Madrid, de estilo neogótico de ladrillo y piedra blanca cuenta en su fachada principal de un frontón triangular en la portada que muestra un relieve del artista segoviano Aniceto Marinas con la Apoteosis de la Cruz. Es una obra de principios del siglo XX.

En Teruel tiene una de las obras más conocidas de esta artista, el altorrelieve de los Amantes, de la que dejamos también una imagen.
 
 

13.12.16

Sarcófago dionisíaco griego, con ménade tocando la flauta

Es una sección de un sarcófago dionisíaco griego (Dioniso griego o Baco romano, hijo de Dios) del año 230-240 a. C. donde vemos una ménade (una ninfa poseída por Baco, una fémina desvariada y salvaje que se deja llevar por sus instintos a costa del vino y de los vicios) tocando una flauta doble frente mientras sobre un altar en forma de columna podemos ver la cabeza de un carnero. Belleza hermosa y maravillosa.

Jorge Molder y su "Escala de Mohs"

El Círculo de Bellas Artes de Madrid nos dejó en el año 2015 una exposición maravillosa del fotógrafo portugués Jorge Molder, del que dejamos aquí una obra “Sin título” de la serie “La escala de Mohs”

Tierna, contundente, espléndida mirada, muy bien elegido los colores con los que quiere mantener la vida del personaje de la obra.