31.8.16

Gato con sillas, pero sin botas

Arte de calle, efímero, arte sencillo, de engaño. Un trampantojo de arte. Un guiño al humor, una actuación para hacer sonreír, para alumbrar la calle, para demostrar que con unos pinceles y un poco de pintura, para hacer una buena obra solo es necesario tener ideas, ganas de trabajar, atrevimiento. No es mucho. Es muchísimo.

30.8.16

La esfera del mondo. Orensanz en recuerdo al 11S de NY

El aragonés Ángel Orensanz es un artista muy reconocido en medio mundo, y sus obras están en los parques y calles de las ciudades más importantes. Afincado en New York desde hace 30 años, compró una sinagoga donde creó una fundación que lleva su nombre, donde se dan cita los más renombrados actores de los EEUU para hacer sus fiestas, de donde saca fondos para mantener todas las demás actividades artísticas de la Fundación.

La Fundación Ángel Orensanz tiene un taller internacional para las artes digitales: diseño gráfico, desarrollo web y edición de vídeo, así como un sistema de exposición y presentación de obras de arte contemporáneo. Se produce la revista de arte Artscape, a través de su filial Artscape Editores; un programa de televisión semanal (MNN) Artes por Orensanz que se transmite semanalmente, y realiza una serie de grabaciones de música clásica "en vivo desde el Orensanz", así como un programa de exposiciones internacionales de la obra de Ángel Orensanz. El Instituto de Humanidades de Nueva York, el Instituto Goethe, el Instituto Italiano de NY, el British Council y varios departamentos de Universidad de Nueva York, la Universidad de Columbia, la Universidad de Princeton, así como el estado ruso Museo (San Petersburgo), Mass Moca, el Museo Whitney, The Royal Shakespeare Company, Il Ministero per I Beni Culturali de Italia y muchas otras instituciones desarrollan allí espectáculos y presentaciones artísticas.

En la ciudad de Zaragoza tenemos 14 obras públicas de Ángel Orensaz, que no siempre son muy conocidas, repartidas por toda la ciudad.

Esta imagen que dejo es una sección de la obra titulada “La esfera del mondo” de la que el propio Ángel Orensanz ha dicho:

"En esta escultura he querido reflejar la tragedia de las torres gemelas, además me he inspirado en “Los desastres de Goya” y en el “Guernica” de Picasso. Intento recrear los momentos trágicos en la vida de las personas para ello he incluido en el interior de la pieza una serie de elementos que nos llevan a la desesperación".

29.8.16

Facebook pintado por Margó Venegas. ¿Es posible?

La aragonesa nacida en Madrid, Margó Venegas, nos hizo una propuesta en cuadríptico del que hemos elegido una parte, uno de sus cuatro rostros, en acrílico, que ella ha titulado “Facebook”. Dibujo expresivo, color potente, trazos sencillos y que nos vuelve a llevar a una obra de la que podemos aprender a practicar diversos métodos y texturas. La mirada o el gesto del rostro nos muestran también que es posible lograr gestos con trazos gruesos, con un dibujo bruto, sucio, bocetado. El puntillismo a través de gotas aleatorias (o casi aleatorias) es una forma de textura muy efectiva y sencilla para practicar.

27.8.16

Seth Globepainter y sus niños que desaparecen

Julien Malland es un artista francés que además de hacer arte urbano por todo el mundo, escribe, es editor, ilustrador de libros y director de cine. Conocido como Seth Globepainter en el mundo del arte callejero, sabe integrar muy bien sus obras con el lugar donde se realizan, empleando muchas veces dibujos de niños o ilustraciones infantiles para crear ambientes alegres y de mucho color en zonas grises y apagadas, edificios en mal estado o zonas urbanas que necesitan ese color de la esperanza que haga más gratificante el paseo por la zona.

“Soy un fanático de la cultura y las tradiciones de otros países. Cada vez que viajo intento captar la esencia del lugar con mis trabajos, para darle las gracias a su gente les regalo una linda interpretación de lo que me he llevado en mi mente”.

Arte que se come, arte efímero sobre la mesa


En Instagram podemos encontrarnos con estos platos de embutidos y frutas, que son auténticas obras de arte efímero realizados o publicados por Cheesemongrrl - Lilith Spencer. Arte bajado al campo de la mesa, del consumo. Arte que se come como muchos de los platos que se sirven en la nueva cocina española. Alimentos servidos ya no sólo con buen gusto, sino para provocar los sentidos, las sensibilidades de quien lo va a degustar. Arte que sin duda, se come con sumo gusto.


26.8.16

Artesano callejero del arte turístico

El trabajo en la calle es muy duro, pero aun así deja espacio a la pintura, a la sensibilidad, al arte sencillo de quien repite los mismos modelos para ganarse la vida. Son artesanos de la pintura acrílica, pero se parecen muchas veces a los artistas de precios altos. Que pinten para los turistas no es un adjetivo calificativo negativo.Nos sorprendería saber cuántos artistas de precio alto, pintan por encargo para los ricos turistas de paredes enormes que no saben con qué llenar.

Rama con hojas secas: ejercicio para aprender a dibujar

Esta obra se titula “Rama con hojas arrugadas” y es un dibujo del alemán Julius Schnorr von Carolsfeld, del siglo XIX. Es un dibujo perfecto para aprender y practicar el dibujo con elementos naturales que podemos encontrar en las orillas de un río o en un parque. Nos lo llevamos a casa, lo colocamos en un jarrón y nos disponemos a emplearlo como modelo para primero a lápiz y luego a carboncillo, o con diferentes lápices de distinta dureza, crear una obra lo más parecida pero con licencias del objeto que tenemos enfrente.

No se trata tanto de retratar exactamente el objeto, como de trabajar los detalles, las luces y las sombras, los volúmenes de lo que estamos dibujando. Es una sencilla forma de hacer mano en casa, y de avanzar en el dibujo, aprendiendo de forma libre.

24.8.16

Fotografía pictórica o ejemplo de la proximidad

El original de esta fotografía es de Clive Rose, que sería el autor sin ninguna duda. Pero ya en el momento de publicarse se habló de su plasticidad, de su comparación con un trabajo pictórico, de un lienzo abstracto que reflejaba manchas y formas, colores que encajaban muy bien para darle plasticidad decorativa como poco. 

Y es cierto. A poco que además modifiquemos esta imagen con algunos filtros, se logra estas sensaciones más remarcadas. La pongo como ejemplo de lo que se puede lograr para —con las propias imágenes de cada uno— semejar pintura con fotografías. Nada es mejor, son caminos diferentes para expresar. Hoy el arte admite la fotografía como una disciplina con la que explorar todas las demas forma de arte. Se puede escribir, hacer poesía, teatro o pintura…, simplemente con una serie de fotografías.

23.8.16

Técnicas y materiales de los pintores de Altamira

Hace unos 15.000 años (o más, no hay consenso sobre la fecha) alguien pintó estos bisontes en una cueva de la actual Cantabria. Empleó principalmente negro y rojo, algún ocre y también buriles para remarcar las siluetas en algunos casos. Herramientas comunes todavía hoy.

Un negro de carbón vegetal mezclado con agua y posiblemente grasa animal como aglutinantes y diluyentes hasta formar una masa como pintura espesa. Posiblemente los rojos que son de óxido de hierro se han mantenido así de brillantes por las características de la climatología de la propia cueva, aunque estos colores cambian según la época del año, la humedad y la iluminación. Creen los estudiosos que se aplicaba la pintura empleando diversas herramientas. Desde pinceles burdos a los que a veces se les aplicaba en la cabeza unos trapos para empapar pintura y distribuirla más rápido y cubriente, como pinceles finos, o directamente con los dedos y unas telas o pieles, e incluso con unas cañas que a modo de aerógrafo permitían soplar pintura más líquida hacia zonas de peor acceso o cuando se pintaba con plantillas.

Técnicas que podemos comparar con muchas de las actuales. Pero si nos fijamos en los detalles, en el ojo o en las barbas de los bisontes o caballos, o incluso si acudimos al lugar podemos también ver cómo empleaban las formas de las rocas en las paredes para remarcar los propios volúmenes naturales de los animales, para dar más vida a la pintura. Sin duda unos excelentes artistas primitivos de los que no nos estamos olvidando pues sus conceptos de arte y sus técnicas siguen existiendo en el arte actual.

Dos bubble repensados por el artista Daniel Bagnon

Bubble es lo más íntimo de una persona enferma de alzheimer, lo que representa su momento actual. Representa esa parte de la memoria que no se acumula pues sucede en tiempos enfermos, cuando todo transcurre a otra velocidad, con otros sentimientos y sensaciones. La memoria de un enfermo de alzheimer no se queda con la persona, se evapora, se va, no existe pues no es capaz de quedarse con la persona. El artista Daniel Bagnon ha intentado acercarse a esos momentos, a esos trozos de memoria que no existen pues se evaporan.

22.8.16

Jean Anguera nos mezcla una mujer con unas montañas

El escultor francés Jean Anguera mezcla relieves de personas con sensaciones naturales, une la naturaleza de los campos y montes con la propia forma humana, hasta obtener una mezcla muy original, donde seguimos viendo a mujeres y hombres, pero sin olvidarnos de que somos parte de la naturaleza, del polvo, de la tierra. Son seres humanos que construyen paisajes, o son paisajes que se transforman en seres humanos.

Esta obra se titula “Mujer tumbada, cuerpo olvidado”, es del año 1998, y se construyó en resina de poliéster. Si nos fija,os bien en la obra además de descubrir efectivamente el cuerpo abstracto de una mujer tumbada, vamos un conjunto de montañas. Todo es suave, ondulado, redondeado, excepto en lo alto. Empleando una técnica que también resulta fácil para aprender a modelar, a dominar los materiales, creando obras propias.

21.8.16

Cubos a dos colores, para darles vida propia

Un poquito de color hace maravillas en los conjuntos de masas inertes. Separe unos cuadrados de su cuadro, deles vida con color y el conjunto parecerá otro, pues la vida se la da a la totalidad de la obra. Estará eligiendo qué quiere destacar y por qué. Esto es un espigón del puerto de Barcelona, y el juego entre el blanco del cemento y el color oxidado del hierro es perfecto. Las columnas de los lados simplemente están para enmarcar el conjunto, pero eso es efecto de la fotografía. 

La ventaja de la escultura es que a la hora de verla se puede elegir el encuadre, más todavía si la vas a fotografiar.

Andō Tokutarō, y sus estampas japonesas


Andō Tokutarō, como seudónimo del artista japonés Utagawa Hiroshige creó miles de grabados en madera en el siglo XIX que nos han llegado hasta nuestros días gracias a coleccionistas que recogieron sus obras como elementos curiosos de una sociedad muy desconocida a través de estampas “nishiki-e” con paisajes urbanos o de campo y rurales donde reflejaba la vida de Japón y de su sociedad. Está considerado uno de los más importantes artistas japoneses de la época.


Lo hacemos gratis, oiga, por amor al arte

Está tan mal la cosita, que en cuanto vemos un taller nos acercamos en masa a buscar la puerta y llamar. Es el tiempo de reconstruir el trabajo, de crear talleres, empresas donde nos acojan. Lo hacemos gratis, oiga, con amor al arte, en serio.

Vicente Talens juega con indios y vaqueros del siglo XXI

Vicente Talens es un artista valenciano que se considera pintor y escultor aunque toque también la fotografía y el diseño de interiores, hasta configurar un “todo” total en el arte con instalaciones como esta que llama “Engrama” donde las piezas individuales, por sí mismas, dicen una cosa diferente a la suma de todas ellas en la posición en que están en cada montaje que realiza.

Figuras icónicas que se mueven en su espacio cuando el autor así lo considera, montando diversos paisajes con sus personajes, en un trabajo casi copia de aquellos juegos infantiles con muñecos de plástico donde lo importante no eran las batallas finales entre indios y vaqueros, sino el juego de montar la escenografía.

El arte hoy es asqueroso, sucio, inentendible, violento. Como la sociedad

Cuando intentamos explicar o incluso entender el arte contemporáneo, una de las cosas primeras que observamos es que ahora el arte no tiene por qué ser bello, y explicar esto es una cuestión compleja, pues siempre hemos defendido que como poco el arte es mostrar la belleza, ensalzar lo hermoso a través de encuadres, colores, composiciones, formas. Eso sin contar que el arte antiguo ensalzaba lo religioso, lo bueno, lo santo, lo correcto.

Ahora es casi todo lo contrario. Se ensalza la provocación, la verdad que entendemos cada uno de nosotros, y por ello lo feo, lo bruto, lo bestial, la realidad del mundo a través de interpretaciones muy personales. Si en realidad somos capaces de matarnos entre nosotros, de hacernos sufrir, ya no tiene sentido mostrarnos siempre bellos, cándidos, santos o guapos.

No tenemos virtudes suficientes como sociedad, luego no debemos pedirle al arte que las tenga. Somos violentos, incapaces, ásperos  y brutos. Somos sucios, y complicados de entender, serios y egoístas. Y así es el arte contemporáneo, una demostración de lo que somos. Si un día cambiamos a mejor, sin duda el arte volverá a cambiar también con nosotros, pues el arte es simplemente una actividad humana.

19.8.16

Ejercicio para aprender a pintar con 10 colores

El artista zaragozano Alberto Duce Vaquero nos dejó en el año 1948 esta obra titulada “Composición”, que en realidad es un simple bodegón, sin que la palabra “simple” suene a peyorativa. Es un adjetivo para llevaros a donde quiero ir. 

Los bodegones son una de las temáticas más útiles para practicar cuando se aprende a dibujar o pintar. Se componen de elementos variados, con diversas texturas, que como son pequeños permiten jugar y aprender a crear luces y sombras, y dotan a la paleta de casi todos los tonos y colores, lo que permite practicar con toda la paleta. 

En esta caso, la joven es un elemento más del bodegón, la suma de cuatro paños o telas u sus juegos de colores dentro de la misma gama. Estamos hablando de diez colores con su multitud de matices, para practicar con ellos y sus diversos tonos. Tres marrones, dos rojos, dos verdes, un cían, más el color carne y el blanco. Dejamos al negro como "no color" aunque en realidad es otro color más.

18.8.16

Dibujo de Daruma del siglo XVIII, en papel y con tinta china

Este es un dibujo de Daruma pintado en tinta sobre papel y luego montado en seda, posiblemente realizado por Hakuin Ekaku, en el siglo XVIII, una de las figuras más influyentes del Budismo Zen de Japón. Materiales simples, fáciles, y trazos muy simples pero suficientes.

Los Daruma son figuras religiosas que representan a Bodhidharma, primer patriarca del Zen, que según se dice perdió los brazos y las pierna de no utilizarlos, pues siempre estaba meditando. Es una figura con barbas, pobladas cejas y unos grandes ojos muy abiertos, con una significación muy especial en la religión oriental, y se emplea como recordatorio de lo mucho que tenemos pendiente por hacer, como una señal de la perseverancia. Un simple dibujo muy sencillo de realizar, pero que cumplía perfectamente su labor de enseñanza, de icono, de religiosidad y respeto. Todo esto también es arte.

No ha ido mal el día ciego, del músico de jazz

Guitarra, partitura, gafas de ciego, barba, pantalones a juego. La chica viajera le dejó unas monedas por su música, por romper el silencio con un jazz muy agradable. El ciego mira al horizonte aunque su rabillo se baja un poco para ver cuánto. La chica ya sabe cuánto. Menos de lo que se merece. Su enorme bolso la delata como turista, su pantalón también la delata. Las gafas oscuras del cantante de jazz también nos delatan que no es ciego, sino un hombre al sol. Es de tarde y quedan pocos horas para completar el jornal. No ha ido mal el día.

17.8.16

Un río negro, porque lo miras de malas maneras

Cuando el río baja negro es que empiezas a ver negativamente la vida. No cambies de río, cambia de gafas con las que están andando en búsqueda de tu futuro. Y recuerda que la única persona que tiene que tomar la decisión de cambiar las gafas eres tú. El oftalmólogo a lo sumo te mide el tamaño del cambio.

Harramientas para crear con suavidad diferentes obras

Los trabajos digitales sobre las fotografías tienen multitud de posibilidades, y muchas de ellas son muy sencillas de realizar a poco que aprendas a trabajar en capas, saber fusionarlas con sus posibilidades y aplicar a cada una de ellas diferentes correcciones. Pero en el fondo, la técnica no son más que herramientas, lo básico e importante es saber qué quieres hacer, qué deseas lograr con todas las herramientas de las que disponemos.

El pintor Matisse terminó su vida artística recortando papeles para formar collages. La enfermedad le impedía pintar como antes, pero no le impedía seguir creando obras que siguen sorprendiendo. Emplear la herramienta de las tijeras no supone que no puedas seguir creando arte de calidad. No depende de las herramientas y sus posibilidades, sino de lo que se intenta realizar con ellas.

16.8.16

Así es el descanso de los árboles, de William Kentridge

El artista sudafricano William Kentridge emplea de soporte hojas de libros en muchas ocasiones, jugando con su obra y su valor real, pues lo que suele hacer es repetir los mismos motivos con ligeras variaciones, fotografiarlos después y montar pequeños cortometrajes con todos los dibujos en movimiento. Estas pequeñas películas animadas son la recopilación de decenas o centenares de sus dibujos que individualmente no parecen decir tanto como unidos en una muestra teatral, cinematográfica. Un método de creación empleado con diversos materiales para las películas de animación, y que William Kentridge realiza partiendo de un libro sobre el que va dibujando elementos según va pasando las hojas. Un libro de arte dentro de un libro de textos.

Conceptos sobre el Art Brut como Arte Sucio

El Arte Brut se ha asimilado durante muchos años al Arte de la Locura, al Arte de los enfermos mentales, cuando en realidad no es ni mucho menos sólo esto, y se integran también en el Art Brut el Arte Sucio, el Arte sin Academia, el Arte sin Formación artística, incluso el Arte Salvaje o el Arte Primitivo, pero realizado en estos tiempos contemporáneos.

Todas las personas tenemos dentro una cantidad de sensibilidad artística que varía mucho entre todos nosotros. Pero todos tenemos esa sensibilidad para observar y contemplar desde la crítica, y también para crear y disfrutar creando. 


Cualquier cosa puede ser Arte si queremos que sea Arte. Más todavía si lo sabemos envolver en un ambiente, en unos complementos, en un concepto donde se ponga en valor lo que dice o pretende decir, lo que parece ser o simplemente aquello que sabe provocar a quien lo contempla. Provocar es parte del Arte.

Perderle el respeto al Arte es también aprender a crearlo desde la nada y disfrutar de esta actividad. Pero perderle el respeto desde el concepto de perderle el miedo. No de no valorarlo. Respetar es además de prestar atención y valorar, traspasar los límites y adentrarse a nuevos espacios. Perder el respeto al Arte, es atreverse a contemplarlo, a creerlo, a valorarlo con independencia de lo que otros nos digan que representa.

Goya es muy válido, es un maravilloso artista español, pero sus espléndidas Pinturas Negras no tendrían ningún valor si las hubiera creado en este siglo XXI un alumno de una academia de dibujo o una persona actual con la mente diferente a la considerada normal.

Con la fatiga no se ve nada. De Rémy Zaugg

El artista suizo Rémy Zaugg creó las obras que ahora se pueden ver en Madrid, organizada por el Museum für Gegenwartskunst Siegen y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dentro de una exposición titulada: Cuestiones de percepción, que hace referencia al interés del artista por la exploración del lenguaje y la percepción como medio de activación del espectador. Este autor es también el creador de la famosa obra de análisis pictórico: El museo de arte de mis sueños, o el lugar de la obra y del hombre.

Sus obras son gritos literarios, frases para remover pensamientos. Pero en realidad y como él decía, son simples hojas de papel con unas frases. Lo que veamos o no veamos en ellas, es nuestro problema.

¿Posible nuevo cuadro de Francisco de Goya, de una marina?

Un anticuario de Ávila compró por 40 euros a un conductor de una furgoneta un cuadro, pensando que podría hacer negocio posterior vendiéndolo por mucho más dinero. De esto hace cinco años. Pero su análisis en el taller le empezó a ofrecer la sospecha de que aquel cuadro podría haber sido pintado por Francisco de Goya. ¿Una marina pintada por Goya? Y empezó a recurrir a expertos y empezaron a encontrar similitudes con las obras de Goya. Sus trazos al pintar rocas y agua en comparación a otros cuadros sobre los que no hay duda de su autoría, el pelo y los reflejos en la cara de la mujer muy similares a los cuadros “La Carta” o “Las Jóvenes” que se encuentran en Lille. —el año aproximado de su creación sería sobre 1800— y así hasta 14 puntos corroborados por algunos expertos, que ahora desea su propietarios que sean analizados por el Museo del Prado, como institución pública al servicio del arte español.

Sin duda sería una gran sorpresa, un gran negocio, pero también una ventana nueva en la carrera de un Goya que pintaba por encargo, a quien le pagara sus obras, tanto él como su taller, si alguna vez tuvo taller al uso.

La Novia de Paula Ortiz, una clase magistral de fotografía

Acabo de ver por primera ver la película “La Novia” de Paula Ortiz, en uno de esos ejercicios casi sin perdón, por verla tarde y en televisión. Nunca es tarde si la dicha es buena. Una obra que te sujeta al sillón, te atrapa por sus formas y sobre todo por su excelente fotografía, que de no haber obtenido el Goya por su fotografía hubiera sido simplemente otro crimen de sangre más. La fotografía es espléndida, con ligeros fallos de encuadre por la diferencia de altura entre los protagonistas, pero que es la gran sujetadora de toda la obra, llena de excelentes interpretaciones por maravillosas mujeres que están soberbias en esta película.

Lorca aplaudiría sin duda esta adaptación de su Bodas de Sangre, que sobre todo juega con la intensidad, el dolor, la rotura de amores, con esa España ya desaparecida pero no hace tanto, que entendía a la mujer como objeto de posesión, de intercambio familiar, pero nunca libre.

Es poesía visual, creo que nadie pretendió con esta película nada que no fuera eso, atrapar al espectador con poesía visual y sonora en formato cine pero asemejándose el teatro. Con unos versos perfectos, una música muy bien seleccionada y un montaje excelente. El sonido creo que debería haber mejorado, pero puede que yo sea algo sordo y no lo quiera reconocer. Os dejo una imagen de la película a la que le he añadido en rojo y blanco una división en tercios, para entender algo mejor el gran trabajo constante de colocar los volúmenes por tercios, bien sólo uno como principal, dos juntos, dividiendo en tres espacios la escena, etc. En este caso distribuyendo los tres elementos de la escena, uno en cada tercio.


Mi última estrofa de esta poesía debería dedicársela al actor Carlos Álvarez-Novoa, fallecido antes de ver el éxito de su última obra. Pero he cambiado a última hora y se lo dedico solo a su bigote, tan blanco como el traje de novia. Es un contrapunto más de una clase de fotografía que se dará en las escuelas de cinematografía como excelente trabajo en los encuadres de tres cuartos, jugando con los tercios casi en exclusividad, los volúmenes a través de luces y sombras dividiendo los planos de forma que atrapa simplemente mirando.

14.8.16

Cuco Suárez y sus juegos de sombras artificiales

El artista Cuco Suárez juega en este montaje con las sombras de dos objetos cotidianos. Simplemente las sombras son el objeto de este trabajo, el engaño visual de que otra forma de ver es posible, de que todo es relativo. Incluso de que las sombras también se pueden crear artificialmente y no dependen de la luz. Pero lo curioso es que si vemos la obra, observaremos que las únicas sombras que nos siguen pareciendo naturales son las que nos produce la luz de forma natural. Las otras son simples manchas negras, artificiales y nada creíbles. Todo es relativo.

Otra imagen en clave baja y virada muy sutilmente

Continuando con las imágenes en blanco y negro y en clave baja, es decir en tonos oscuros, densos, con mucha fuerza, con incluso dramatismo, os dejo otra similar a la de ayer. En internet tenéis muchos tutoriales para lograr estos efectos en el blanco y negro. Es posible también y os aconsejo que lo exploréis, mezclar varias capas en clave baja, con distinta fuerza e incluso con diferente filtraje de color, y después borrar partes de cada capa o poner unas capas en diferentes modos y con diferente opacidad.

En esta caso además, al final de todo el proceso le ha aplicado un ligera viraje por curvas. Es aconsejable tener guardados diversos virajes personalizados, para que siempre os salgan con exactamente el mismo tono de color.

13.8.16

Una clave baja para un camino muy rodeado

Tuve que verlo en blanco y negro para imaginar que aquella senda me funcionaria. No sabía luego si integraría los rojos de algunos arbustos junto a los verdes del resto o si prefería separarlos más para remarcarlos y crear luces en la clave baja de la imagen. Es cuestión de probar y ver los diferentes resultados. Tampoco quería excesivos tonos, me gustaba más bien el camino, el suelo, rodeado de oscuridad, manteniendo el cielo con luz. Sólo eso. Masas de volúmenes que sirven para remarcar las luces, por contraste.

Louise Dahl-Wolfe y una fotografía de moda, sin ropa

Louise Dahl-Wolfe fue una fotógrafa americana que en el siglo XX modernizó el tratamiento que a la fotografía de moda se realizaba hasta el momento, recalcando mucho más el papel de la mujer como elemento muy importante en la fotografía de moda, cambiando el papel del complemento dirigiéndolo hacia la ropa, y no como hasta su llegada, en el que la mujer era el complemento necesario para mostrar la moda.

Publicó en vida y en las más importantes revistas de moda americanas sobre todo, más de 600 fotografía en color, 86 portadas de revistas y más de 3.000 fotografías en blanco y negro. Innovadora, su po iniciar el camino de la fotografía de moda en exteriores, dándole un concepto mucho más moderno, dirigiéndose a muchos más públicos y mercados.

Esta imagen es del año 1948 y aunque no tiene título, es sin duda una fotografía donde parece mostrarnos esa ruptura del encasillamiento de la moda como el único concepto de toda su obra.

El salto de Léucade, una bella escultura en mármol, para descansar

El escultor castellano Moisés de Huerta y Ayuso trabajó sobre todo hasta la mitad del siglo XX la escultura denominada “Escuela vasca” del que su ejemplo más conocido es esta escultura realizada en Roma en el año 1910 y que en el año 1912 ganó la Primera Medalla de la Exposición Nacional, titulada "El salto de Léucade". Esta escultura se encuentra en la entrada de la conocida como “Pecera” del Círculo de Bellas Artes de Madrid, actualmente cafetería y restaurante del Círculo.

Sólo muestro una sección de la escultura, que muestra una mujer desnuda en una posición realmente muy trabajada y compleja de esculpir. Una belleza en mármol blanco, que sin duda sorprende al entrar.

8.8.16

Una familia zaragozana de vacaciones en el río

Es una familia zaragozana, una familia de vacaciones en la playa, aunque no esté muy limpia, pero al menos se ve muy natural. Los hijos van creciendo mientras la madre observa que el agua está lo más limpia posible. Debe cuidarlos. Le quedan tres hijos, tuvo más, pero los tiempos son malos y los peligros muchos. Por eso está con esa cara de amargada, aunque esté de vacaciones en el río.

Una tertulia, de Ignacio Pinazo, pintor valenciano

Esta obra es del pintor valenciano Ignacio Pinazo Camarlench del que ahora se muestra en Valencia una exposición antológica. Era un pintor fotógrafo, captador de los instantes sin emplear las cámaras sino los pinceles, del siglo XIX sobre todo, aunque posiblemente sus mejores obras sean de principios del XX. Este cuadro es una obra menor, vemos una tertulia de amigas en un paisaje posiblemente valenciano, y es uno de esos trabajos fotográficos que antes comentaba, un instante atrapado.

Olimpiadas París 1924, en un cartel artístico

La ilustración es también arte, aunque no siempre se considere así. Este cartel del año 1924, de las Olimpiadas de París, es un ejemplo claro. No solo refleja, retrata el momento en el que se hace, fotografía con arte una sensación, sino que además al verlo nos motiva en una alegoría a la belleza (por cierto solo masculina, con jóvenes depilados y con una ropa interior curiosa) de los deportistas, de la juventud, de la lucha por ganar. Es un cartel publicitario, sin duda, pero también una obra realizada por encargo para mostrarnos belleza y para levantar ánimos y mover conciencias. Para mi…, arte.

7.8.16

Si uno es feo, debe resignarse y potenciar otros valores

Si uno es feo, no puede hacer mucho, aguantar su cara con dignidad y plantearse que igual tienes otros valores. Este pato por ejemplo es feo de cojones, pero en cambio nada como ninguno. Es limpio, ayuda a otros patos en lo que puede y es feliz aunque sea feo. Y lo sabe, pero no le da mayor importancia. Su rojo acné lo disimula con gallardía y punto pelota. Eso sí, mejora mucho con el peinado que lleva.

6.8.16

El arte de manchar no es la guarrada de manchar

El arte de “manchar” es también el arte de “llenar” espacios vacíos, de crear sobre lienzos urbanos, sobre papel, sobre cualquier elemento que en principio esté vacío. Pero para que manchar sea arte, tiene que salir al final algo “mejor” que lo que había antes cuando estaba vacío. 

A veces, muchas, el silencio es mucho mejor que los griteríos, que los ruidos, que las músicas sin compás. No siempre “llenar” es mejor que dejar vacío. Manchar sin sentido, lo hacen los que no tienen sentido del arte.

Os dejo otra obra fácil de ser un elemento para intentar aprender nuevas técnicas. Lo rasgado de cada mancha, esos tonos débiles que han dejado transparentar el negro, posiblemente por ser tinta china algo diluida, convierte en unas simples manchas en mucho más estético, en una obra de autor desconocido para mí, en algo válido.

5.8.16

Louise Bourgeois y un dibujo para meditar, y para hacer mano

La artista francesa Louise Bourgeois dibujó esta obra de arriba titulada “Pulso palpitante” en el año 1944. Lo intentó explicar con esta frase: Mi trabajo tiene que ver con una defensa contra la pasión excesiva, contra la velocidad de la vida. La gente va siempre con prisas. ¿Para hacer qué? ¡Para no hacer nada! Hay una clase de pasión en el día a día que carece totalmente de sentido. Este dibujo es una llamada a la meditación”.

Es un dibujo sencillo de realizar, que sirve también de modelo para los que están comenzando a practicar y a conocer nuevos modelos de creación artística. Todo sirve “para hacer mano” con el dibujo. Os dejo abajo otra obra de la misma artista para que observemos mejor su tipo de dibujo.
 

Gobierno en funciones. En malas funciones

El joven artista zaragozano José Moñú nos presenta esta obra titulada “Gobierno en Funciones” para el Premio de Arte Santa Isabel de Aragón del año 2016, quedando finalista entre los trabajos presentados. Esa mirada manca del personaje de la obra que la entienda cada uno a su fuerza, personalmente casi le sobra la otra mano, aunque lo compensa con esa cabeza llena de codificadas rayas enloquecedoras.

Todos somos surrealistas, hasta que nos educan en no serlo

El surrealismo es un sistema de crear que impregna toda la visión de la vida. El surrealismo es forma de andar, se siente, se vive, se juega. El surrealismo es precisamente para jugar con la vida, para impregnarse de todo y de nada, para perderle el respeto al miedo, la importancia a lo que no la tiene. Todo es relativo y todo es mezcla, y todo depende de la forma de mirar y de mirarnos. Somos la mezcla de muchas cosas, luego es lógico que sigamos jugando a la mezcla de mirar de muchas formas lo que es simple. La belleza sólo se puede mirar desde un punto de vista. Nos tiene que motivar, elevar, remover las tripas. Ojo, no esperéis milagros, sólo un poco.

Esta obra se titula Tubafante y es una creación del artista zaragozano Lalo Cruces. Acrílico sobre lienzo. Cuidado con este joven artista, que nos puede dar sorpresas. Y agradables.

4.8.16

Verde fondo contra amarillo otoño

Podría haber llamado a esta imagen amarillo hoja, pero pensé más en ese verde ya apagado de un otoño incipiente, que envolvía toda la imagen, remarcando que el contraste es a partes iguales entre el amarillo seco y el verde botella. Formas, colores, luces, y un cierto halo de tristeza por lo que se acaba.

Lo escribo en verano, pero la imagen es del otoño pasado, de ese septiembre finalizado que quiere descansar.

El artista Tino Casal fue también pintor y escultor


El cantante Tino Casal fue un icono de la movida madrileña, dentro de la música pop y tecno, que supuso en sus pocos años de trabajo y con posterioridad, un referente de nueva música, de una imagen diferente donde sobre todo se mezclaba el arte en su conjunto con sus obras. Pero Tino Casal fue además escultor y pintor, aunque esta faceta no sea la más conocida de este artista. Dejo dos obras de Celestino (Tino) Casal, de un dibujo que tituló “Guerrero” en la aprte alta, y otro que tituló "Blade Runner" abajo.


3.8.16

Dibujo para copiar, aprendidendo volúmenes, luz y sombras

En el siglo XVII y XVIII era muy habitual que en las academias de dibujo y pintura, bien fueran estas escuelas públicas o privadas de artistas reconocidos que buscaban a nuevos aprendices para que les ayudaran en sus trabajos, tener dibujos de artistas más o menos reconocidos, para que sirvieran de ejemplo sobre los que copiar.

Copiar obras de otros artistas es una excelente forma de aprender, aunque suene antiguo. Copiar no supone quedarse con un método o un estilo ajeno, sino practicar y conocer procesos y formas. Dominar la mano y los volúmenes, dar luz y sombras a semejanza de obras de otros artistas, y comparar lo que se logra para saber en qué hay que trabajar más, y así lograr efectos parecidos o incluso mejores. Esta Cabeza de Niño, de artista Salimberri se empleó durante años en la Real Escuela de Arte de San Luis en Zaragoza, como un ejercicio sencillo pero complejo a la vez, pues trabajaba con dos colores y trataba de buscar volúmenes además de una mirada especial, donde los ojos, la nariz y la boca tienen mucha importancia. Cualquier mala copia supone un rostro diferente, con una mirada y una sensación del modelo, totalmente diferente.

Cabeza de niño, dibujo del artista Salimberri

Fray Vicente Pignatelli, que fue primer consiliario de la Academia de Bellas Artes de San Luis de Zaragoza, desde 1754 hasta 1759, adquirió durante su estancia en Italia, un lote importante de dibujos de afamados artistas de los siglos XVI hasta mediados del XVIII, para que sirvieran de modelos a los alumnos de dicha escuela de arte dedicada a preparar en el Dibujo y Pintura, Arquitectura, Escultura y Grabado, en niveles análogos a los que se cursaban en la Real Academia de San Fernando de Madrid.

Entre los autores de los que se compraron obras para servir de modelo destacan artistas como Costa, Canuti, Guercino, Domenichino, Mitelli, Maratta, Salimberri, Creti, Gessi, Graziani, Masucci, Bertuzzi y Pitttoni, entre otros. Esta “Cabeza de niño” que vemos en la entrada es de Salimberri y forma parte de esa colección de obras compradas por la Academia de Bellas Artes de San Luis de Zaragoza.

En la actualidad estos dibujos, que pertenecieron a la colección Pignatelli, están depositados en el Museo de Zaragoza, por la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis (nombre puesto en honor de la reina María Luisa de Parma, esposa del Rey Carlos IV, fundador de dicha escuela). Siendo obras representativas de los modelos utilizados en las Academias para la enseñanza artística. Al igual que Goya pudo conocerlos, estudiarlos y hasta copiarlos, muchos artistas coetáneos se sirvieron de ellos, para conocer de primera mano un conjunto de obras pertenecientes a autores de primera fila.

Sam Spratt crea rostros y a la vez los disuelve. Como la vida misma

Desde New York o desde Berlín, desde donde parece ser dejó esta ilustración en una calle de la capital de Alemania, Sam Spratt juega con los rostros, los modela y se los lleva a su terreno para prepararlos en motivar.Los hace hablar en silencio.

Se está construyendo el que vemos, pero a la vez se está disolviendo. No somos más que temporales, un periodo de tiempo muy escaso, el resto no somos nada. Creemos ser, pero sólo somos el vehículo en el tiempo.

Y todo para morirse ellas también

En la muerte tendemos a perder el color, a quedarnos grises claros, ya no sólo de cara sino también de sentido, de sensación. Es una hoja muerta en un cementerio de hojas muertas donde las moscas grises van a comer putrefacciones, como podemos ver si afinamos la vista, en la zona derecha, por el centro. Buscan carroña, basura podrida, humedad descompuesta. Buscan muerte y asco, nos buscan. Y todo para morirse ellas también.

2.8.16

Art Street, contra los bobos de las firmas y las manchas

Una enorme mariquita roja sobre una fachada nos lleva a encontrarnos con la naturaleza en estado aumentado, si paseamos por estas calles. ¿No es todo un detalle? Nada que ver con los bobos que ensucian las fachadas con firmas o rajas o textos absurdos. Esto es arte, lo otro es un abuso.