30.10.16

La Despeinada, La Scapigliata de Leonardo Da Vinci

La Scapigliata, una cabeza de muchacha, conocida como "La despeinada" (Testa di fanciulla o La scapigliata) es una obra de Leonardo da Vinci, pintada con tierra oscura, amarillos y blancos sobre tabla, algo menor de tamaño que un A4 y que se debió pintar entre 1500 y 1508.

Esta hermosa pintura inacabada, muestra el rostro de una gran belleza femenina y es posiblemente uno de los primeros trabajo de da Vinci, donde podemos ver “la vida” de una mujer a través de su mirada y su gesto, indicándonos que es sin duda la obra de un gran maestro del dibujo. Podríamos estar viendo a una serena mujer actual, más de 500 años después, pues la maestría del trabajo no tiene tiempos. 
 
Podríamos estar mirando a una mujer que en cualquier momento levantara la vista hacia nosotros y nos mirara con atención, pues el gesto de los labios y el despeinado que le da título a la obra, ayuda a creernos que esta mujer está misteriosamente viva.

24.10.16

Icono Virgen del Perpetuo Socorro de Madrid

No siempre puedo dejar el autor de la obra junto a la misma, a veces no logro saber quien ha creado algunas de las bellezas que contemplamos. Es la imagen icónica posiblemente ortodoxa de la Virgen del Perpetuo Socorro de la parroquia de San José de Madrid.

Vemos a la Virgen mirándonos de frente mientras el niño Jesús mira a los Arcángeles San Miguel y San Gabriel, que portan los instrumentos de su futura tortura, cuando muera en la cruz.

La mirada de la figura de la Virgen es directa, al espectador, mientras el Niño de edad incierta lleva el detalle de una sandalia a punto de caerse al suelo posiblemente y según dice la propia iglesia, demostrando el temblor del miedo ante el sufrimiento que se espera cuando sea adulto.

20.10.16

Las bañistas de Renoir, en su etapa ya enfermo

El cuadro de Pierre Auguste Renoir titulado “Les baigneuses - Las bañistas” es un desnudo típico de este artista impresionista francés que en los últimos años de su vida y con fuertes dolores en las articulaciones, nos deja una visión suya de los paraísos ensoñados donde los dioses entregan naturaleza, señoras hermosas y aire puro junto al agua donde retozarse. 

En esta obra ya estaba Renoir enfermo e intenta demostrar que el dolor no es quien debe atraparnos, que hay que derrotar a la enfermedad al menos, en sueños. Le cuesta mucho pintar con los dedos entumecidos, pero sigue trabajando con pinceles, ayudándose con diferentes técnicas.

19.10.16

Goya y el coreto de El Pilar pintado por un genio

En El Pilar de Zaragoza, el genial Goya nos dejó algunas muestras de su arte, al fresco con la enorme dificultad que tiene pintar al fresco en grandes techos, tanto técnica como personal, y más para un joven artista como Goya, que estaba casi empezando.

En el año 1772 hizo el fresco que vemos aquí en una mala imagen que es casi imposible mejorar por la mala iluminación que tiene la obra del coreto de la Virgen del Pilar, y por la gran distancia desde el suelo a la obra.

Esta obra no gustó a las autoridades eclesiásticas, sin intuir que estaban ante un enorme artista que después demostraría una forma de trabajar espléndida. Pero pintar al fresco, tumbado y en mala posición, en enormes espacios (la obra tiene 85 metros cuadrados) y sin mucha posibilidad para ver bien las perspectivas, con un sistema casi aguado que encaja muy bien para bocetos pero no tanto para obras que vamos a ver de cerca, pintar así, digo, es muy complicado.

Os dejo también el boceto de la misma obra de 1771 y que realizó Goya para explicar la obra que deseaba realizar y de alguna forma vender su trabajo antes de hacerlo. Una obra de catálogo, diríamos hoy. Una obra que luego se le debió volver en su contra pues no está tan bien terminada como el original.

por cierto, en la obra original, vemos abajo a la derecha, el destrozo que hizo la bomba que cayó en la Guerra Civil y que no llegó a explotar o no llevaba carga para explotar.

La obra se titula “La Adoración del Nombre de Dios” y ha situado en el centro el iluminado triángulo de la Santísima Trinidad, mientras que entre las nubes del Cielo sitúa ángeles y santos, distribuidos en diferentes grupos, buscando a quien mira hacia arriba, la sensación de estar viendo la Gloria en el momento en el que se llega a ella.

18.10.16

Por qué pintaba El Greco sus figuras alargadas?

 El cuadro de El Greco titulado “San Martín y el mendigo” pintado a finales del siglo XVI y que se encuentra en los EEUU, nos va a servir para demostrar que El Greco no pintaba con las figuras alargadas por un defecto en la vista como a veces se ha dicho, pues de ser así él también vería alargadas las figuras al ser pintadas en sus cuadros cuando las pintara normales. Y las vería “MUY” alargadas cuando las pintases alargadas. Además el alargamiento sería en una dirección de la figura, pero esta distorsión se da tanto en figuras verticales como en horizontales.

Os dejo un cuadro de El Greco tal y como él lo pintó y una aproximación en anchura del rostro de las personas, distorsionando la imagen. En el segundo caso, sin llegar a estar las figuras con una anchura normal, vemos que el caballo se nos ha puesto excesivamente grueso, que los hombros de San martín se nos han ido horizontalmente, mientras que los rostros todavía necesitan una distorsión mayor.

Es cierto que sus cuadros en muchos casos se veían en lo alto de grandes habitaciones de monasterios e iglesias, y eso llevar a construirlos con una distorsión, para darles más grandiosidad a las figuras. Existen muchas obras salidas del taller de El Greco, realizadas por sus ayudantes y mantienen esas formas alargadas.

El Greco era un inmenso artista que marcó escuela moderna que llega hasta nuestros días y entre sus genialidades bien pudo crear un estilo propio a conciencia de que estaba trabajando con figuras alargadas, simplemente para marcar personalidad.

17.10.16

Arcangel San Miguel y su milagro del toro. Jopetas

Del pintor sevillano Sebastián López de Arteaga, dejo este cuadro titulado “San Miguel con el toro”, pintado en la mitad del siglo XVII en México. De esta gran pintor que emigró a las américas a pintar obras para las nuevas iglesias y monasterios que se construyeron allí, han quedado muy pocas obras.

En ella vemos la aparición de San Miguel en el Monte Gargano al obispo italiano Siponte, que vemos en la parte inferior izquierda. San Miguel le está explicando al obispo que había realizado San Miguel. Personalmente más que un milagro, me parece una barbaridad, pero os lo cuento como un cuento.

La leyenda dice que había un hombre, dueño de varios rebaños de ovejas y de algunos toros y bueyes, y que uno de estos últimos se perdió un día. Al volver con sus animales a casa y darse cuenta de que faltaba un toro, acompañado por varios criados suyos, recorrió todo el territorio en su busca.
Encontró al toro en la entrada de una cueva y muy violento pues se creía ya libre, y el pastor muy cabreado contra el animal, le disparó una flecha envenenada.
Pero al cambiar sin ningún motivo la dirección del viento, la flecha se dió la vuelta y se dirigió hacia él, clavándosele al pastor en un ojo.
Cuando se preguntó al obispo Siponte sobre el significado de aquel suceso, este ordenó a todos tres días de ayuno y rogativas, durante los cuales se le apareció San Miguel, diciendole que él era el protector de aquella cueva existente en la cima del monte, y había sido él quien desvió la flecha, para seguir guardando aquel lugar en el que había decidido morar en forma de toro. Jope.

Una calabaza de Yayoi Kusama


Yayoi Kusama, artista y escritora japonesa, psicodélica que ha trabajado la pintura, la escultura o los montajes a veces incluso espectaculares como este, titulado “Pumpkin = calabaza”. 

Muy reconocida en todo el mundo por su influencia en el pop art, ha presentado sus trabajos por todo el mundo.

16.10.16

José Orús y sus obras espaciales que se mueven según la luz

José Orús fue un artista autodidacta muy vinculado a los movimientos culturales de Zaragoza, amigo de los Labordeta y pintor desde muy joven, que ya en el año 1960 y con una edad de 30 años, empieza a emplear pigmentos metálicos en sus obras hasta convertirlas en además de originales, auténticos elementos donde se junta la forma, el volumen, con la luz y el color. Trabaja el espacio en una dimensión inmensa, aunque sus cuadros sean pequeños o medianos, creando movimientos con la luz que cambia según la iluminación que reciben sus obras.

Su trabajos con luz negra son un simple mundo artificial que lleva al espectador a un lugar desconocido, donde el arte se apodera de la estancia, adueñándose de la persona que mira.

En la Sala Sástago de Zaragoza y hasta enero de 2017 hay una retrospectiva de José Orús, con entrada gratuita, para deleitarse con sus obras.

10.10.16

Invierno de coles con escarcha, de Iris Lázaro

La artista soriana y muy reconocida zaragozana, Iris Lázaro nos deja un ejemplo de pintura compleja en la técnica, que retrata su mundo con una suavidad que encandila al contemplarlo. Este bodegón de suelo, una escena campestre de su Soria en un invierno duro donde la escarcha ataca a las coles, refleja perfectamente su forma de tratar los elementos desde una mirada sencilla pero muy personal, natural pero llena de guiños, donde cualquier objeto puede ser çél mismo o el contrario, a poco que nos pongamos a soñar con ellos. Invierno 2003 que al oleo refleja una suavidad en la técnica que resulta sumamente compleja de realizar.

9.10.16

Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago, a color

El románico Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, realizado por el Maestro Mateo y su taller, en la segunda mitad del siglo XII, se creó totalmente policromado aunque todos nosotros lo hayamos visto siempre sin color, con la piedra como único testigo de esta gran obra de arte.

Sí es cierto que quedaban detalles y lugares donde el color original se había mantenido y eso junto a los estudios realizados sobre la piedra, ha permitido saber las fases diferentes que ha tenido todo el Pórtico de la Gloria a lo largo de los siglos, hasta poder averiguar casi con toda seguridad de qué color era primitivamente todo el conjunto y cada una de sus partes.

Para el próximo año 2017 podremos ver restaurado el Pórtico de la Gloria, limpio y muy trabajado para mantener su calidad durante más años, sabiendo además los factores que le afectan en su deterioro constante, tras 10 años de trabajos muy minuciosos. 

Solo se está limpiando, aunque esto suponga que en muchas partes esta limpieza, eliminando polvo acumulado, podamos ver en el próximo año colores que en estas décadas ya no se observaban.

Y se ha podido crear una visualización digital del aspecto primitivo de la gran obra, para saber todos nosotros de qué forma se terminaban las obras que hoy para todos son del color de la piedra, como vemos en muchas iglesias de España.

8.10.16

Roberto Ferri y sus desnudos académicos mortales

El joven artista italiano Roberto Ferri nació en Taranto en 1978, y se graduó de la Escuela de Arte "Lisipo" de su ciudad. Empezar a pintar como autodidacta hasta que se trasladó a Roma en 1999 para profundizar en la investigación sobre la pintura antigua, buscando desde el comienzo del siglo XVI hasta el XIX ese tipo de pintura como la de Caravaggio, muy académica, dulce, difuminada en sus grandes masas pero con detalle real en los contornos.
Ha seguido formándose y sobre todo exponiendo sus obras en Italia, EEUU, Turquía, Reino Unido, Noruega, etc. y dando conferencias sobre arte o escribiendo sobre su concepto del arte antiguo en el mundo moderno.

Sigfrido Martín Begué y una ciudad bodegón

Con solo 41 años dejó de pintar el artista Sigfrido Martín Begué, arquitecto, pintor y diseñador madrileño, muy vinculado con todo el movimiento de la Movida Madrileña.

Licenciado en Arquitectura en 1985 y con una beca de la Academia de Bellas Artes de Roma, empieza a crear dentro de la figuración obras muy personales, referenciadas muchas veces a la arquitectura junto a la mitología clásica y a la metafísica, creando paisajes surrealistas, fantásticos, soñadores, libres.

Diseñador de escenarios y vestuarios para el teatro, Martín Begué no logró entregarnos todo su potencial, al fallecer tan joven. Esta obra, del año 1986, la tituló “Ciudad Bodegón”.

2.10.16

Escultura de la mitología romana en Jardines de Sanssouci

El Palacio de Sanssouci, en la ciudad de Potsdam fue obra del arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, y construido a mitad del siglo XVIII como residencia privada del rey Federico, donde pudiera relajarse del trabajo de la corte de Berlín. Sus larguísimos paseos llenos de recodos y estatuas son sin duda un lugar para perderse.

El nombre de Sans-souci es un término francés que puede traducirse como Sin preocupaciones, simbolizando que el palacio era más bien un lugar de descanso que un centro de poder.

Sus jardines junto al Palacio de Sanssouci son Patrimonio de la Humanidad y en ellos se pueden contemplar un gran número de esculturas barrocas de Diosas y Dioses de la mitología, en mármol blanco, que resultan ya por sí solas una visita al parque. 

En esta imagen vemos a Venus, un querubín pequeño, que emerge a la vida entre las redes de las pescadoras, desde el mar, entre peces y mariscos. La mitología ofrece muy diversas interpretaciones del nacimiento de Venus o Afrodita o Turán, y esta no es la más extraña. También se dice que nace de la espuma que surgió al caer al agua de mar los testículos cortados al Dios Urano por su propio hijo.

1.10.16

David victorioso, sobre un Goliat roto y asfixiado

Esta obra del artista Richard Heb, creada en el año 1983, nos muestra en bronce una escultura claramente significativa de lo que es la derrota y el triunfo, con un David sentado sobre la cabeza de su enorme enemigo, ya roto y derrotado, con la boca abierta reclamando como poco aire. Se encuentra en la ciudad alemana de Frankfurt.