31.10.16

Dos trabajos artísticos del grafitero Muretz

El grafitero Muretz, brasileño que viven en Reino Unido, nos deja dos muestras de su arte y una reflexión. Bienvenidas ambas.

«En la calle, miles de personas van a poder ver mi trabajo, pero dentro de la casa de un ricachón, ya no tiene tanta gracia. Además: no soy un decorador. Ya hay otros grafiteros que hace eso. Mi trabajo sirve para comunicar cosas, para dialogar y eso tiene que ser hecho con público, en la calle».

30.10.16

Ilustración de Isidro Ferrer. Una simple mirada diferente

Esta es una ilustración del aragonés Isidro Ferrer. Casi debería acabar aquí las explicaciones pues está en este lugar por ser una obra de Isidro Ferrer. Sólo por eso. La ha publicado hoy El País Semanal y como sigo de alguna forma la obra de este ilustrador global, en el más amplio término de la palabra, me ha parecido un ejemplo ideal para mostrar nuevas formas de crear arte ilustrativo, desde nuevas miradas.

Si se entiende que vulnero los derechos de la obra, por favor, decirlo, que la retiraré, pero al ser un blog sin ánimo de lucro, creo que es pedagógico conocer nuevas maneras de creación con elementos sencillos.

La Despeinada, La Scapigliata de Leonardo Da Vinci

La Scapigliata, una cabeza de muchacha, conocida como "La despeinada" (Testa di fanciulla o La scapigliata) es una obra de Leonardo da Vinci, pintada con tierra oscura, amarillos y blancos sobre tabla, algo menor de tamaño que un A4 y que se debió pintar entre 1500 y 1508.

Esta hermosa pintura inacabada, muestra el rostro de una gran belleza femenina y es posiblemente uno de los primeros trabajo de da Vinci, donde podemos ver “la vida” de una mujer a través de su mirada y su gesto, indicándonos que es sin duda la obra de un gran maestro del dibujo. Podríamos estar viendo a una serena mujer actual, más de 500 años después, pues la maestría del trabajo no tiene tiempos. 
 
Podríamos estar mirando a una mujer que en cualquier momento levantara la vista hacia nosotros y nos mirara con atención, pues el gesto de los labios y el despeinado que le da título a la obra, ayuda a creernos que esta mujer está misteriosamente viva.

Arte decorativo para una gran pared de un salón

Muchas veces el arte más sencillo sirve simplemente para decorar, y eso además de lógico es muy positivo. ¿Para qué desearíamos algo importante, si no fuera sobre todo para agradar la vida de los que lo contemplan?

Este dibujo está en un gran mural de un bar de Murcia. Ocupa toda una pared y como podemos observar es sencillo en el trazo, pero más que suficiente para su cometido: decorar y ofrecer un envoltorio determinado a una gran sala. Mucha veces no es necesario más.

Un trazo rápido en fresco, simplemente negro sobre el lienzo de la pared preparada para ello, y realizado como si fuera con un gran rotulador sobre un papel pequeño.

26.10.16

Familia de búhos arropados por la madre

En un bar de Murcia me encontré con estos búhos arropados por la madre, pintados en su gran pared de la sala. Me encantó la mirada de la madre, pero me obligó a realizar la fotografía los ojos cerrados del búho más pequeño. Me pareció encantador. Un trabajo artístico sencillo pero muy hermoso. Muy tranquilizador.

25.10.16

Son 300 cebollas esperando a nacer

Si un dia nos mostraran 300 cebollas nos imaginariamos un campo enorme llenos de plantas espigadas y derechas. Pero en este caso solo son casi dos, simplemente casi dos flores de cebolla. Puede parecernos un milagro que de una semilla diminuta pueda salir un fruto de casi un kilo de peso. Y efetivamente…, es un milagro natural.

24.10.16

Tierra, del artista americano Philip Guston

Philip Guston fue un artista americano que además de grandes y personales pinturas, trabajó también el dibujo esquematizado, libre, lleno de simples líneas que más parecen poemas gráficos y visuales que obras gráficas, y que nos llevan a conceptos del arte actual muy simples pero muy efectivos.

Y sobre todo muy fáciles de explorar por las personas que deseamos a veces transmitir ideas y conceptos, en vez de con palabras, con líneas, con formas, con espacios. Esta obra que vemos aquí la dibujó en el año 1967 y fue titulada "Tierra".

Arte, enfermedad, grito, sensaciones de locura, mundos extraños

Daniel Bagnon es un artista español que ha veces nos ha invadido con sus ideas, modificando calles y creando trayectos urbanos donde el arte se apoderada de las aceras. Su montaje más conocido ha sido “From Bubble”, “Desde la burbuja”, donde intenta mostrarnos la particularidad de la forma de ver y pensar de los enfermos de alzheimer.

Manchas, círculos sin terminar, formas rotas y que se van perdiendo, incomunicación, extrañeza en algunos movimientos, irrealidades e ilógicas posiciones de los enfermos, que desde la perspectiva de quien observa, al principio nunca los entiende.

Arte, enfermedad, grito, sensaciones de locura, mundos extraños.

Icono Virgen del Perpetuo Socorro de Madrid

No siempre puedo dejar el autor de la obra junto a la misma, a veces no logro saber quien ha creado algunas de las bellezas que contemplamos. Es la imagen icónica posiblemente ortodoxa de la Virgen del Perpetuo Socorro de la parroquia de San José de Madrid.

Vemos a la Virgen mirándonos de frente mientras el niño Jesús mira a los Arcángeles San Miguel y San Gabriel, que portan los instrumentos de su futura tortura, cuando muera en la cruz.

La mirada de la figura de la Virgen es directa, al espectador, mientras el Niño de edad incierta lleva el detalle de una sandalia a punto de caerse al suelo posiblemente y según dice la propia iglesia, demostrando el temblor del miedo ante el sufrimiento que se espera cuando sea adulto.

21.10.16

Filosofía de Borja-Villel, en un mundo sin filósofos atrevidos

He querido elegir más que seleccionar, algunas frases de Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía. Os dejo aquí la dirección de la entrevista completa, pues no tiene donde elegir, de tanto como intenta decir.
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El arte contemporáneo empieza en Mayo del 68: también lo conceptual nace de otra crisis.

No hay más tendencia que el neoliberalismo. Esa es nuestra condición, es nuestro ecosistema, y propicia, entre otras cosas, que las artes queden absorbidas por las industrias culturales y de la comunicación. Con crisis y sin ella, los museos quedan envueltos en parámetros economicistas: visitas, taquillas.

Los museos pequeños desaparecen o lo tienen muy complicado, porque se ven en un ecosistema muy agresivo. Y los museos grandes, lejos de alcanzar la libertad absoluta, se topan con unas leyes administrativas más restrictivas y una falsa transparencia. La cultura nunca había sido tan popular como lo es hoy, que está convertida en mercancía. Pero, al tiempo, este es uno de nuestros momentos más débiles, más frágiles.

Los mejores edificios para los museos no son las galerías de autor, como los Meyer o los Gehry, sino las fábricas o los hospitales. Esa distorsión nos enseña que nuestra época no funciona.

Antes de llegar, ya sabía que las grandes ligas del mundo del arte están llenas de zombis: todo es comunicación y espectáculo. Como si tuviéramos una fábrica de automóviles y nos olvidáramos de hacer coches. Antes de montar una exposición, ya sabemos qué taquilla vamos a hacer, en torno a una serie de parámetros. Están amañadas, digamos.

Y hoy, hay unos pocos (Museos) que lo tienen todo y muchos que no tienen prácticamente nada. Estos últimos están en el sur de Europa. Un museo norteamericano puede comprar obras a Latinoamérica y, luego, se niega a prestarlas a su país de origen: porque quiere cobrar una fianza, porque pide que se muestren en unas condiciones inalcanzables. Un canibalismo donde ganan quienes lo tienen todo.

El Museo Reina Sofía ejerce, además, como una bisagra entre dos partes de un eje: el que va desde la Biblioteca Nacional hasta el Matadero. La cabeza es más noble [los paseos de Recoletos y el Prado], pero faltan los pies, las vísceras [el paseo de las Delicias]. Madrid no es una ciudad bonita, como Barcelona o París, pero aquí la gente hace la calle suya. Y todo esto debe acabar ocupado por la gente.

Obviamente, la cultura no es una prioridad para la clase política. Si partimos de la cultura, somos capaces de imaginar muchas economías, pero si partimos de la economía, solo somos capaces de imaginar una cultura. Entonces, es difícil. El propio museo se contradice y acaba haciendo lo contrario de aquello que se había propuesto.

El problema no es tanto que haya una cafetería en un museo, sino que el museo se transforme en una cafetería. Mire: algo que aún nos queda por desarrollar es nuestra presencia en las redes sociales, y hay que trabajarla. Pero eso es una cosa, y otra creer que venir al museo consiste en hacerse selfies con los cuadros.

20.10.16

Las bañistas de Renoir, en su etapa ya enfermo

El cuadro de Pierre Auguste Renoir titulado “Les baigneuses - Las bañistas” es un desnudo típico de este artista impresionista francés que en los últimos años de su vida y con fuertes dolores en las articulaciones, nos deja una visión suya de los paraísos ensoñados donde los dioses entregan naturaleza, señoras hermosas y aire puro junto al agua donde retozarse. 

En esta obra ya estaba Renoir enfermo e intenta demostrar que el dolor no es quien debe atraparnos, que hay que derrotar a la enfermedad al menos, en sueños. Le cuesta mucho pintar con los dedos entumecidos, pero sigue trabajando con pinceles, ayudándose con diferentes técnicas.

19.10.16

Goya y el coreto de El Pilar pintado por un genio

En El Pilar de Zaragoza, el genial Goya nos dejó algunas muestras de su arte, al fresco con la enorme dificultad que tiene pintar al fresco en grandes techos, tanto técnica como personal, y más para un joven artista como Goya, que estaba casi empezando.

En el año 1772 hizo el fresco que vemos aquí en una mala imagen que es casi imposible mejorar por la mala iluminación que tiene la obra del coreto de la Virgen del Pilar, y por la gran distancia desde el suelo a la obra.

Esta obra no gustó a las autoridades eclesiásticas, sin intuir que estaban ante un enorme artista que después demostraría una forma de trabajar espléndida. Pero pintar al fresco, tumbado y en mala posición, en enormes espacios (la obra tiene 85 metros cuadrados) y sin mucha posibilidad para ver bien las perspectivas, con un sistema casi aguado que encaja muy bien para bocetos pero no tanto para obras que vamos a ver de cerca, pintar así, digo, es muy complicado.

Os dejo también el boceto de la misma obra de 1771 y que realizó Goya para explicar la obra que deseaba realizar y de alguna forma vender su trabajo antes de hacerlo. Una obra de catálogo, diríamos hoy. Una obra que luego se le debió volver en su contra pues no está tan bien terminada como el original.

por cierto, en la obra original, vemos abajo a la derecha, el destrozo que hizo la bomba que cayó en la Guerra Civil y que no llegó a explotar o no llevaba carga para explotar.

La obra se titula “La Adoración del Nombre de Dios” y ha situado en el centro el iluminado triángulo de la Santísima Trinidad, mientras que entre las nubes del Cielo sitúa ángeles y santos, distribuidos en diferentes grupos, buscando a quien mira hacia arriba, la sensación de estar viendo la Gloria en el momento en el que se llega a ella.

Normas para tomar fotografías en el MoMA

Normas para visitar el museo MoMA de New York. ¿Por qué no copian todos los museos?

CÁMARAS FOTOGRÁFICAS.- Se permite tomar fotografías para uso personal, salvo donde se indique lo contrario. No se permite el uso de flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de vídeo únicamente en la entrada. No está permitida la reproducción, distribución o venta de fotografías o grabaciones de video sin previa autorización del Museo.

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En algunos (pocos) museos se indican qué obras por algunos derechos de propiedad, NO se puede fotografiar, por ejemplo en la zona de Picasso del Reina Sofía. Pero lo triste es que en otros muchos no te dejan fotografiar nada, como si hacerlo SIN FLASH fuera un acto que estropea las obras, o un acto de robo del arte. Si el uso personal que luego se hace es ilegal, para eso tienen que estar los mecanismos de defensa. No hay que olvidar que muvhas de estas obras importantes, están en internet. Pero no así las obras de autores menos conocidos y obras de autores importantes pero que son menos conocidas.

18.10.16

Puede que fuera el infierno, pero no me causó miedo

Dentro de una cueva artificial a la que había que bajar casi a oscuras, nos encontramos con esta obra sin título ni autor aparente. Sabíamos donde bajábamos, en busca de la sorpresa. Y sin duda entre el fuego artificial encontramos unas figuras que recortaban la sensación de estar en el infierno. Salimos rápido, no se nos fuera a cerrar la puerta.

Flores de calor, para el otoño de frío

Flores rojas u hojas rojas. Es el otoño, la sensación de que debemos descansar para volver con más fuerzas renovadas. Es el calor del hogar, pues en la calle será complicado retenerlo, es el rojo pasión o el rojo apasionado. Es la potencia que aumenta en los últimos segundos del verano.

Por qué pintaba El Greco sus figuras alargadas?

 El cuadro de El Greco titulado “San Martín y el mendigo” pintado a finales del siglo XVI y que se encuentra en los EEUU, nos va a servir para demostrar que El Greco no pintaba con las figuras alargadas por un defecto en la vista como a veces se ha dicho, pues de ser así él también vería alargadas las figuras al ser pintadas en sus cuadros cuando las pintara normales. Y las vería “MUY” alargadas cuando las pintases alargadas. Además el alargamiento sería en una dirección de la figura, pero esta distorsión se da tanto en figuras verticales como en horizontales.

Os dejo un cuadro de El Greco tal y como él lo pintó y una aproximación en anchura del rostro de las personas, distorsionando la imagen. En el segundo caso, sin llegar a estar las figuras con una anchura normal, vemos que el caballo se nos ha puesto excesivamente grueso, que los hombros de San martín se nos han ido horizontalmente, mientras que los rostros todavía necesitan una distorsión mayor.

Es cierto que sus cuadros en muchos casos se veían en lo alto de grandes habitaciones de monasterios e iglesias, y eso llevar a construirlos con una distorsión, para darles más grandiosidad a las figuras. Existen muchas obras salidas del taller de El Greco, realizadas por sus ayudantes y mantienen esas formas alargadas.

El Greco era un inmenso artista que marcó escuela moderna que llega hasta nuestros días y entre sus genialidades bien pudo crear un estilo propio a conciencia de que estaba trabajando con figuras alargadas, simplemente para marcar personalidad.

17.10.16

Arcangel San Miguel y su milagro del toro. Jopetas

Del pintor sevillano Sebastián López de Arteaga, dejo este cuadro titulado “San Miguel con el toro”, pintado en la mitad del siglo XVII en México. De esta gran pintor que emigró a las américas a pintar obras para las nuevas iglesias y monasterios que se construyeron allí, han quedado muy pocas obras.

En ella vemos la aparición de San Miguel en el Monte Gargano al obispo italiano Siponte, que vemos en la parte inferior izquierda. San Miguel le está explicando al obispo que había realizado San Miguel. Personalmente más que un milagro, me parece una barbaridad, pero os lo cuento como un cuento.

La leyenda dice que había un hombre, dueño de varios rebaños de ovejas y de algunos toros y bueyes, y que uno de estos últimos se perdió un día. Al volver con sus animales a casa y darse cuenta de que faltaba un toro, acompañado por varios criados suyos, recorrió todo el territorio en su busca.
Encontró al toro en la entrada de una cueva y muy violento pues se creía ya libre, y el pastor muy cabreado contra el animal, le disparó una flecha envenenada.
Pero al cambiar sin ningún motivo la dirección del viento, la flecha se dió la vuelta y se dirigió hacia él, clavándosele al pastor en un ojo.
Cuando se preguntó al obispo Siponte sobre el significado de aquel suceso, este ordenó a todos tres días de ayuno y rogativas, durante los cuales se le apareció San Miguel, diciendole que él era el protector de aquella cueva existente en la cima del monte, y había sido él quien desvió la flecha, para seguir guardando aquel lugar en el que había decidido morar en forma de toro. Jope.

Una calabaza de Yayoi Kusama


Yayoi Kusama, artista y escritora japonesa, psicodélica que ha trabajado la pintura, la escultura o los montajes a veces incluso espectaculares como este, titulado “Pumpkin = calabaza”. 

Muy reconocida en todo el mundo por su influencia en el pop art, ha presentado sus trabajos por todo el mundo.

16.10.16

José Orús y sus obras espaciales que se mueven según la luz

José Orús fue un artista autodidacta muy vinculado a los movimientos culturales de Zaragoza, amigo de los Labordeta y pintor desde muy joven, que ya en el año 1960 y con una edad de 30 años, empieza a emplear pigmentos metálicos en sus obras hasta convertirlas en además de originales, auténticos elementos donde se junta la forma, el volumen, con la luz y el color. Trabaja el espacio en una dimensión inmensa, aunque sus cuadros sean pequeños o medianos, creando movimientos con la luz que cambia según la iluminación que reciben sus obras.

Su trabajos con luz negra son un simple mundo artificial que lleva al espectador a un lugar desconocido, donde el arte se apodera de la estancia, adueñándose de la persona que mira.

En la Sala Sástago de Zaragoza y hasta enero de 2017 hay una retrospectiva de José Orús, con entrada gratuita, para deleitarse con sus obras.

14.10.16

Okuda San Miguel y dos trabajos artísticos

El diplomático español Ángel Sanz-Briz, salvó la vida de miles de judíos húngaros durante la Segunda Guerra Mundial. Ahora, el mural del grafitero español Okuda San Miguel le rinde homenaje inmortalizado en un mural en la propia ciudad de Budapest.

Este mismo artista ha realizado en la iglesia de Santa Bárbara en el pueblo asturiano de Llanera y en colaboración con Red Bull, un trabajo artístico en una iglesia transformada en un parque interior para realizar skate y monopatin, reformando y transformando el edificio: “Kaos Star es su pieza artística más icónica y representa una rosa de los vientos colorida e isométrica que intenta decirnos que no importa dónde estés o qué hagas, lo que importan son tus metas.”

Dicha iglesia se construyó en 1912, estuvo luego abandonada durante décadas, hasta que el colectivo Church Brigade rescató este templo para un destino muy original para los jóvenes de la zona y de toda Asturias, tras desacralizar el edificio.

13.10.16

Publicidad artística de El Corte Inglés

Dentro del arte hay algunas actividades que nos hemos acostumbrados a separar de esta disciplina, como minusvalorando su creatividad, su calidad artística, su incidencia en los conceptos de motivación visual, por el simple hecho de que están realizados por encargo (como trabajaba Goya o Velázquez) o porque sirven para un objetivo claro, que es vender.

Me estoy refiriendo a la publicidad, al diseño gráfico, a la fotografía publicitaria.

Os dejo dos anuncios de El Corte Inglés de esta misma semana. Dos ejemplos claros de que si ambas obras no llevaran textos o logotipos, serían consideradas dos obras de arte.

Sin duda la de la izquierda es surrealismo puro que Magritte firmaría. El concepto del de la derecha es una idea calcada de fotografía de moda americana de los años 50, hoy muy aplaudida. El arte impregna muchas más cosas de las que nos imaginamos.

12.10.16

Ventana de la cárcel voluntaria

Esta ventanita de un convento de clausura sirve para comunicarse con la vida, para vender repostería o para que se hable muy levemente con las personas que acuden a comprar. Es el clásico torno de un convento, que permanece cerrado hasta que se llama con los nudillos. Si observan que eres hombre, te hablan pero no ves. Si eres mujer sí logras verles la cara y la conversación puede ser más extensa. Es la ventana de la cárcel voluntaria.

Troncos débiles sujetando vigas poderosas

No me preguntes por qué. Son maderos, pequeños troncos sujetando troncos más gruesos, vigas y traviesas de tren. Los débiles logran sujetar a los fuertes, pero se necesitan más. Y estar unidos y todos en la misma dirección de apoyo y trabajo. Pero es posible sujetar y tener sentido si se trabaja en equipo.

10.10.16

Invierno de coles con escarcha, de Iris Lázaro

La artista soriana y muy reconocida zaragozana, Iris Lázaro nos deja un ejemplo de pintura compleja en la técnica, que retrata su mundo con una suavidad que encandila al contemplarlo. Este bodegón de suelo, una escena campestre de su Soria en un invierno duro donde la escarcha ataca a las coles, refleja perfectamente su forma de tratar los elementos desde una mirada sencilla pero muy personal, natural pero llena de guiños, donde cualquier objeto puede ser çél mismo o el contrario, a poco que nos pongamos a soñar con ellos. Invierno 2003 que al oleo refleja una suavidad en la técnica que resulta sumamente compleja de realizar.

Técnica al oleo, imitando casi una acuarela

Presenta La Lonja de Zaragoza una retrospectiva de la artista soriana Iris Lázaro con obra que va desde los años 1977 hasta la actualidad. Sorprendente artista por su temática pero personalmente más, por su técnica de pintura al óleo, suave, difusa, fluada, pero con todo el detalle de lo que desea reflejar. Es casi un efecto fotográfico al que intencionadamente se le ha añadido un filtro suave para no contrastar nada, incluso los detalles más pequeños.
Si es un lujo ver su obra a la distancia correcta, es una sorpresa acercarse a ver su trabajo, para adivinar sus pinceladas, sus suaves contornos, su trabajo muy complicado. Aprender esta técnica parece imposible, pues hay que tener una visión ocular especial, para ser capaz de pintar de esta forma.
La exposición se puede contemplar hasta fin del año 2016. Este cuadro es del año 2004 y lo tituló Iris Lázaro como “In Memorian”. Podemos ver en la serie de las tres imágenes, la técnica que aplica a sus difuminados al óleo, que parecen más unas acuarelas que una pintura al aceite.

9.10.16

Flor rosa con luces amarillas, de un otoño amable

Una simple flor de comienzos de otoño, para recordarnos que la naturaleza no para de crear colores y formas. Un bello ejemplo de que lo natural es complicado de imitar, pues su diseño en simplemente fabuloso.

Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago, a color

El románico Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, realizado por el Maestro Mateo y su taller, en la segunda mitad del siglo XII, se creó totalmente policromado aunque todos nosotros lo hayamos visto siempre sin color, con la piedra como único testigo de esta gran obra de arte.

Sí es cierto que quedaban detalles y lugares donde el color original se había mantenido y eso junto a los estudios realizados sobre la piedra, ha permitido saber las fases diferentes que ha tenido todo el Pórtico de la Gloria a lo largo de los siglos, hasta poder averiguar casi con toda seguridad de qué color era primitivamente todo el conjunto y cada una de sus partes.

Para el próximo año 2017 podremos ver restaurado el Pórtico de la Gloria, limpio y muy trabajado para mantener su calidad durante más años, sabiendo además los factores que le afectan en su deterioro constante, tras 10 años de trabajos muy minuciosos. 

Solo se está limpiando, aunque esto suponga que en muchas partes esta limpieza, eliminando polvo acumulado, podamos ver en el próximo año colores que en estas décadas ya no se observaban.

Y se ha podido crear una visualización digital del aspecto primitivo de la gran obra, para saber todos nosotros de qué forma se terminaban las obras que hoy para todos son del color de la piedra, como vemos en muchas iglesias de España.

8.10.16

Roberto Ferri y sus desnudos académicos mortales

El joven artista italiano Roberto Ferri nació en Taranto en 1978, y se graduó de la Escuela de Arte "Lisipo" de su ciudad. Empezar a pintar como autodidacta hasta que se trasladó a Roma en 1999 para profundizar en la investigación sobre la pintura antigua, buscando desde el comienzo del siglo XVI hasta el XIX ese tipo de pintura como la de Caravaggio, muy académica, dulce, difuminada en sus grandes masas pero con detalle real en los contornos.
Ha seguido formándose y sobre todo exponiendo sus obras en Italia, EEUU, Turquía, Reino Unido, Noruega, etc. y dando conferencias sobre arte o escribiendo sobre su concepto del arte antiguo en el mundo moderno.

Miramos el color y el contraste entre ellos

La luz es la que muchas veces nos mueve la mirada de un sitio a otro.

No son volúmenes, formas, solo es luz la que nos atrapa, la que nos llama desesperadamente y sin darnos cuenta.

Huimos de lo anodino y apagado, buscamos el color, pero sobre todo buscamos el color que contraste con su entorno.

La mirada busca que se unan colores complementarios y que salga ganando el que más nos atrape en cada momento.

En esta imagen, si todo el entorno fuera cálido y brillante, unos toques de gris neutro y apagado en el centro serían los que nos obligarían a mirar.

Un juego de colores, de luces, de brillos

Muchas veces es una simple luz la que nos lleva la mirada de un sitio a otro. No son volúmenes, formas, solo es luz la que te atrapa, la que nos llama desesperadamente. Huimos de lo gris, buscamos el color, pero sobre todo buscamos el color que contraste con su entorno. Que se unan colores complementarios y que salga ganando el que más nos atrape en ese momento. Si todo el entorno fuera cálidos y brillante, unos toques de gris neutro y apagado en el centro, serían los que nos obligarían a mirar.

Sigfrido Martín Begué y una ciudad bodegón

Con solo 41 años dejó de pintar el artista Sigfrido Martín Begué, arquitecto, pintor y diseñador madrileño, muy vinculado con todo el movimiento de la Movida Madrileña.

Licenciado en Arquitectura en 1985 y con una beca de la Academia de Bellas Artes de Roma, empieza a crear dentro de la figuración obras muy personales, referenciadas muchas veces a la arquitectura junto a la mitología clásica y a la metafísica, creando paisajes surrealistas, fantásticos, soñadores, libres.

Diseñador de escenarios y vestuarios para el teatro, Martín Begué no logró entregarnos todo su potencial, al fallecer tan joven. Esta obra, del año 1986, la tituló “Ciudad Bodegón”.

Dudo entre Arte y política. Estoy tonto, lo sé. Por dudar

Esta semana me ha llamado una amiga para preguntarme por los líos del PSOE revuelto y en situación de no entenderse. Cree que como soy político debería entender de todo lo que pulula sobre la política, como los médicos.

Me reí de su credibilidad y le hablé de Colombia y sus votaciones por la Paz que al final han perdido. Todos perdemos con todo, pues todo nos afecta a todos.

No pude decirle que al final le darían el Premio Nobel de la Paz, para demostrar a los colombianos, que son tontos.

Más vale una Paz regular, que un infierno de batallas inciertas.

Mi amiga ya no es de nadie, no aceptó algunos engaños anteriores de los socialistas y se dió de baja. Su padre sí era socialista de toda la vida.

Ahora mi amiga se preocupa por su tradición familiar, por no quedar manchados los recuerdos de su padre, ante algunas patadas actuales en el culo de las ideologías.

Le digo que se tranquilice, que por desgracia su padre no se va a enterar. Todo es relativo, incluso la vida.

Y entonces se pone a insultar a otro político de otro partido diferente, pues contra alguien se tiene que desahogar la mujer amiga.

Yo llevo varios meses dudando entre política y arte, que debe ser la única posibilidad que tengo de sentirme feliz con lo que hago.

De momento va ganando terreno el Arte y para eso lo voy ascendiendo a mayúsculas.

Busco Arte imposible, Arte Brut, Arte fácil y barato.

Y muestro en mis ventanas variadas todo lo contrario, Arte conocido para comparar y ver que todo es parecido y posible, aunque sus precios y reconocimientos sean tan distantes.

Temo que también la política haya entrada en el arte (con minúsculas) y por eso busco Arte barato, simple, que funcione sólo.

Busco microarte. Pero nadie quiere ser microartista.

Por eso dudo tanto. Pero ante cada duda siempre encuentro alguna luz, alguna senda pequeña y sucia sobre la que avanzar algo.

Aunque las amigas nunca me llaman para preguntarme por esto. Igual es hasta bueno eso.

3.10.16

Dos frases impresionistas sobre pinturas de desnudos


"Un desnudo está acabado cuando entran ganas de acostarse con él"

             Camille Corot

"Me gustan los cuadros que dan ganas de caminar sobre ellos o de pasar mi mano por un pezón"

            Renoir

Poesías gallegas en la pared de repartir

La poesía la tienen adentro de su seno los poetas, y a veces la ponen en las paredes para que las conozcamos. 

Estos poemas gallegos nos hablan de amor, pero sobre todo nos gratifican pues hay buena voluntad.

2.10.16

Escultura de la mitología romana en Jardines de Sanssouci

El Palacio de Sanssouci, en la ciudad de Potsdam fue obra del arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, y construido a mitad del siglo XVIII como residencia privada del rey Federico, donde pudiera relajarse del trabajo de la corte de Berlín. Sus larguísimos paseos llenos de recodos y estatuas son sin duda un lugar para perderse.

El nombre de Sans-souci es un término francés que puede traducirse como Sin preocupaciones, simbolizando que el palacio era más bien un lugar de descanso que un centro de poder.

Sus jardines junto al Palacio de Sanssouci son Patrimonio de la Humanidad y en ellos se pueden contemplar un gran número de esculturas barrocas de Diosas y Dioses de la mitología, en mármol blanco, que resultan ya por sí solas una visita al parque. 

En esta imagen vemos a Venus, un querubín pequeño, que emerge a la vida entre las redes de las pescadoras, desde el mar, entre peces y mariscos. La mitología ofrece muy diversas interpretaciones del nacimiento de Venus o Afrodita o Turán, y esta no es la más extraña. También se dice que nace de la espuma que surgió al caer al agua de mar los testículos cortados al Dios Urano por su propio hijo.

Músico callejero en Dresden. Y sonaba muy bien

Siempre me han interesado los pequeños negocios, los trabajos particulares, los autoempleos, el arte y la música. Todo ello está aquí. 

Un solo hombre y tres instrumentos musicales tocados a la vez. No es posible pedir más, pues aunque no lo podamos saber por la imagen, sonaba muy bien en una de las zonas más conocidas de Dresden.

Estas persoans que nos llenan las calles de otro color, con otro sonido, son muchas veces los que dan vida a los grandes monumentos casi muertos. Las piedras también necesitan vida.

Niño Jesús ante figuras estáticas en bajo relieve

Este bajo relieve sobre la puerta de una iglesia católica en Alemania nos muestra de forma esquematizada casi, un clásico nacimiento. Muchas veces para crear arte no es necesario entrar al detalle, a la gran obra detallista donde todo tiene que parecer real. Con unos brochazos, unos bocetos bien trabajados, se puede explicar lo mismo, se logra llegar igual al espectador y dejar tu trabajo terminado.

Nadie analizará si una mano es desproporcionada, si algunos rostros parecen falsos, si hay elementos que no encajan bien. Se valorará el tratamiento al espacio, la técnica bien utilizada, el mantenimiento de las formas y su contrapesado total, más algunas pinceladas que lo hagan especial.

Si nos fijamos en los brazos de Jesús, vemos que es tal vez el detalle más exclusivo de la obra. Nos quiere abrazar, mientras todos los demás elementos permanecen estáticos. La única figura que parece tener vida es precisamente la del Niño Jesús. Ese es el detalle del artista, lograr que la mirada se nos vaya hacia Él.