8.12.17

Dos obras sensuales y reales, pero básicas

En estos días he visto dos obras similares en sus conceptos que aparecían ante la opinión pública y por dos motivos bien diferentes. Por una parte una obra de Ignacio Fortún que expone en La Lonja de Zaragoza una excelente recopilación de su obra y donde se puede contemplar el cuadro “La puta embadurnada” del año 1984. Y por otro lado la obra Thérèse Dreaming del año 1938 del artista francés Balthus, que el Metropolitan de New York se ha negado retirar por las críticas de algunos neoyorquinos.

 Con independencia del momento social actual, de los grandes avances que la mujer está logrando con su esfuerzo sobre todo en el respeto a su libertad sexual, no debemos caer en el lado contrario, pues sin duda imágenes como estas pero del sexo masculino hay y seguirá habiendo en revistas o en anuncios. Querer tapar o esconder lo que era normal hace unos años, es una manera de censurar la realidad anterior, o tener miedo a recordar de dónde venimos, para haber llegado hasta aquí.


24.11.17

Jessica Feldman y sus vibraciones y emociones


Se ha inaugurado en México la exposición “Vibraciones” de la pintora mexicana, Jessica Feldman, dentro del edificio del Senado de la República de México. Esta artista es originaria de Cleveland, Ohio y tras vivir en New York se fue a México donde está nacionalizada desde su juventud, Feldman cuenta con una amplia trayectoria artística, estudió en Boston Museum of Fine Arts y en la Academia de Arte en Florencia, además de participar en varios cursos en la Academia de San Carlos y en Miami Art Center.
La pintura es su gran pasión y desde entonces su obra ha recorrido diferentes países a través de numerosas exposiciones colectivas e individuales, entre las que destacan: Bienal de Florencia en 1999 donde orgullosamente representó a México; Figuratively Speaking en Gallery Chelsea Nueva York; Galería Zero de Londres; Miami Raw LMNT Wynwood; Miami River Art Basel en la Galería Nina Torres; Subasta México Vivo en el Museo de Arte Moderno de México; Art Basel Week Spectrum Miami; Mexcat Barcelona para la Colección Museo Latinoamericano en Europa; Museo Torres Bicentenario; Museo José Luis Cuevas;  además de exponer continuamente en California, Atlanta, Chicago y Cuba.
Su obra se inspira principalmente en las mujeres, logrando transmitir emociones al espectador, con el uso de colores vivos que están siempre presente en su pintura, la cual expresa movimiento, juega con la óptica e intenta plasmar la fortaleza, belleza y conexión femenina.
En la exposición “Vibraciones” que se exhibirá en el Senado de la República a partir del 14 de noviembre 2017, exalta a la mujer oaxaqueña, su cultura y tradiciones que llaman la atención de la artista porque se han transmitido por varias generaciones y en actualidad se preservan en forma intacta. Jessica Feldman se presenta en México mostrando la belleza de sus trazos donde el género femenino sirve como inspiración para despertar un sinfín de emociones, después de haber expuesto sus trabajos en varios países.

Nos dice Jessica Feldman:

"Emoción viene de la palabra en latin emotion que quiere decir movimiento, el impulso para llegar. Todos reímos, lloramos, gritamos. No estamos exentos de emociones, por eso en esta obra los invito a sentir..."

16.11.17

Salvator Mundi de Leonardo da Vinci

El arte vuelve a marcar récord de precio con la obra de Leonardo da Vinci “Salvator Mundi” que subastada ayer alcanzó el precio en subasta de 382 millones de euros. La obra nos muestra a Jesucristo mostrándose como Salvador, en una obra en madera pintada sobre el año 1510 y que permaneció desaparecida durante décadas.

Este cuadro de Leonardo da Vinci se realizó en el tiempo en que se pintço el otro icono de da Vinci, la Mona Lisa, siendo además parecidos en su composición. Esta obra se empleó como decoración en las habitaciones privadas de la esposa del rey Carlos I de Inglaterra y durante su existencia ha tenido periodos en los que se ha considerado perdida o en manos de propietarios privados que la han conservado en sus estancias sin dar cuenta de ello.

Su conservación es irregular con claros indicios de haber sido restaurada con poca calidad en algunas zonas del cuadro, desfigurando la alta calidad del dibujo de Leonardo, sobre todo en la zona del cuello.

15.11.17

Posible obra poco clara e indefinida

El autor de esta obra firma como Haag, un apellido alemán bastante común. No tengo más datos de su autoría, excepto que fue fotografiada en Alemania. La traigo aquí por la contundencia de su osadía contemporánea. Sobre una base muy clara, una serie de pinceladas, mancha, formas sin sentido aparente, nos muestra una locura de colores y formas sobre un espacio hasta llenarlo. No es mucho más en esa apariencia fácil. Y si lo es, a mi no me lo parece.

¿Resulta agradable? 

¿La mezcla de diferentes tipos de brochazos le reste naturalidad? 

¿Es posible que no tenga un hilo conductor al no emplear una carta de colores definida?

13.11.17

Batalla en la sala de juego, para ambientar palacios

El artista francés Jean-Baptiste Joseph Pater pintó esta obra sobre el año 1730, ya en los últimos años de su joven vida, y se encuentra en el Castillo Palacio Nuevo de Potsdam-Sans Souci, en uno de sus salones, como una obra cómica que representa junto a otras similares una “Batalla en la sala de juego”.

Una clásica obra decorativa para ambientar la sala de juegos o de recibimiento de amigos.

11.11.17

El aragonés José Ignacio Baqué Calvo se nos ha escapado

Nos ha dejado el artista aragonés José Ignacio Baqué Calvo, uno de los fundadores del Grupo Azuda-40. Excesivos años luchando con su salud le dejaron unos años vacíos que ahora todos echaremos en falta. Pero su estilo, sus colores y formas, nos quedan para recordarlo.

"Mi obra es una pintura dura, seca, pero también tierna como nosotros"

9.11.17

Una obra de Ramón Acín titulada Mediterránea

Una pequeña obra de Ramón Acín Aquilué que nos muestra un retrato de Conchita Monrás realizado en el año 1930 al óleo sobre cartón, titulada “Mediterránea”.

7.11.17

Gouache en papel representando el rapto de Eurídice

Esta pequeña obra de gouache en papel realizadas con diferentes pinturas al agua incluidas algunas de ellas con tonos metálicos representa una obra curiosa y simpática, titulada: Orfeo liderando la procesión con Eurídice. Desconozco al autor.

A Eurídice que era una ninfa de Tracia, dicen las leyendas que un día es conocida por Orfeo y queda prendado y nada más conocerse se enamoran ambos. En el día de su boda, por la belleza de Eurídice surge la envidia de un pastor de la zona llamado Aristeo que era enemigo de Orfeo, y la intenta raptar. Pero Eurídice huye corriendo con tan mala suerte que pisa a una víbora que la muerde envenenandola y se muere casi en el acto.

30.10.17

Sensaciones en la obra de Dan Hoo de Vietnam

Es una obra de gran formato del joven artista vietnamita Dan Hoo titulada “Triste invierno” donde se juega con muy pocos colores y unas formas que asemejan texturas de cristales de nieve, pero también formas sin aclarar qué nos quiere decir con ese juego de magentas suaves o rosas y los blancos sobre fondo negro.

22.10.17

Marcel Dzama y sus respuestas

El artista Marcel Dzama, canadiense pero trabajando en New York, es uno de los artistas internacionales más reputados, al que La Casa Encendida en Madrid, le está dedicando la muestra más amplia hasta la fecha, montada en España, titulada: «Dibujando una revolución»


Marcel Dzama comparte con Duchamp, al que admira, su nombre, pero también su espíritu burlón pese a ser una persona muy tímida. Bebe artísticamente del Surrealismo, del Dadaísmo, de El Bosco y de Goya… y eso se nota en su obra, en sus reconocidos dibujos, o en sus actuales dioramas, y en sus esculturas y películas. La Casa Encendida plantea su revolución, su trayectoria de los últimos cinco año,s en los que los contenidos cobran un importante ímpetu político. Veamos algunas respuestas a una entrevista suya, que podemos leer completa aquí.


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–Confiesa que detesta la violencia. ¿Se puede hacer una revolución sin violencia?
–Siempre va a haber incidentes. Prefiero las revoluciones pacíficas. Normalmente, cuando se vuelven violentas, las cosas se vuelven grises. La intención de la revolución puede hundirse por eso.


–¿A qué responde su necesidad de mezclar fantasía y realidad en sus obras?
–Trump, en sí mismo, es una especie de retrato entre la realidad y la ficción. Es como un dibujo animado andante. Algo obvio de lo que reírse. No creo que sea un ser humano sustancial. Es como si nos siguiese y dijese: «Ahora les gusto», una distracción. Casi puro narcisismo, lo que hace que sea un personaje de dibujos animados perfecto. Pero volviendo a la pregunta: Me influyó mucho el Surrealismo, el Dadaísmo. La idea de disfraz, que normalmente representa algo en el dibujo.


–Le voy a preguntar ahora sobre la relación entre texto e imagen en las obras. En español se dice que una imagen vale más que mil palabras. ¿Por qué las suyas precisan de pie de foto integrado?
–En primer lugar, es para dar una orientación sobre el contenido de los dibujos, para no abrirlos a una interpretación general. Escribo algo sobre el marco como «Los tiempos difíciles eran…». Escribo mala poesía y, a veces, la escondo como parte del dibujo, casi como una mirada estética. La mayoría de las veces es algo que versa sobre el dibujo. No estoy muy seguro sobre ese texto que quiero mostrar y lo tapo con un dibujo.


–¿Hay entonces un Marcel Dzama escritor que funciona de manera diferente cuando no hay dibujos de por medio?
–Hago mala poesía. Nunca seré un poeta, pero me gusta escribir poesía. También escribo canciones. Hace unos años formé parte de una banda de música. Terminé volcando mi poesía en sus canciones.


–Goya, El Bosco, Duchamp… ¿Cómo se mira con ojos del siglo XXI a los maestros del pasado?
–Siempre hay lecciones que aprender del pasado, por eso nos repetimos. Vuelvo a Goya. Sus obras son normalmente sobre desvalidos o sobre personas olvidadas, el lado oscuro de las historias. En esas estamos hoy también.

20.10.17

William Kentridge. Premio Princesa de Asturias de las Artes

¿Cuál es el papel que ha de tener un artista en el mundo?
Es una pregunta imposible. El artista no crea porque tenga una papel, una misión que cumplir en la vida, trabaja en el estudio y allí va encontrando los significados. Lo importante no es el papel que debe asumir el artista sino el resultado que obtiene. El artista, en su estudio, puede revisitar el proceso de búsqueda del significado del mundo, porque el estudio se convierte en un modelo de cómo construimos no solo nuestras almas, sino también sobre la relación entre ellas. Es una especie de extensión del cerebro donde se crea nuestra conciencia del mundo y desde allí se traslada al exterior.


William Kentridge. Premio Princesa de Asturias de las Artes

13.10.17

Técnica de color para dibujar modelando volúmenes

La muy joven artista Sonia Astiazarain, aprendiendo en el Estudio Academia del pintor aragonés Manuel Sierra Barseló, tiene exponiendo este dibujo en la zona de la Escuela de Arte que se puede observar desde la calle. Un pequeño espacio expositivo para los alumnos de la Escuela Manuel Sierra.

Traigo este dibujo aquí, como ejemplo del buen hacer a la hora de aprender arte, modulando del natural objetos cotidianos a los que ya se les va dando color, como en segundo paso para aprender a dar volúmenes no solo con luz y sombras, sino también con colores. Ejemplo del aprendizaje más efectivo para dominar todas las técnicas.

¿Qué falta? Pues sin duda en este tipo de trabajos y técnicas, limpiar más los resultados, intentar que los blancos sean menos manoseados. Pero eso solo se puede lograr bien con más y más experiencia y práctica.

11.10.17

La Linotipia y la Biblioteca Pública de New York

Este hermoso cuadro de la tercera planta de la Biblioteca Pública de New York nos recuerda que en 1886 fue inventada la Linotipia (excelente máquina que simplificó el trabajo sobre todo de los periódicos, pero también de los libros) por el alemán de nacimiento y americano de trabajo, llamado Ottmar Mergenthaler, y para ello nos señala una imagen clásica de un periódico en un momento de descanso teórico, en este caso el New York Tribune, con sus formas de trabajar en el periodismo, incluida la venta por las calles.

10.10.17

Grabado del paleolítico superior en España

En la Cova Gran de Santa Linya en Cataluña, existe un yacimiento del paleolítico superior en donde se están extrayendo secretos de la vida de estas personas, con una antigüedad que va desde los 50.000 a los 5.000 años antes de nuestra Era. En las paredes han aparecidos algunos grabados, que pueden representar la manifestación artística más antigua de España.

Os dejo un grabado con la figura de una posible persona, realizada a una altura de metro y medio del suelo, como ejemplo del trabajo mitad artístico mitad posiblemente religioso de este tipo de grabados.

9.10.17

Por amor al arte y con humor, unos viven y otros sobreviven

Cuando nos entren ganas de criticar a los artistas plásticos, debemos saber que la inmensa mayoría de ellos viven de cualquier otra actividad que no tiene nada que ver con el ARTE. Como en el cine, en la música o teatro…, o como en la literatura, unos pocos pueden vivir muy bien de su oficio, y la inmensa mayoría lo hacen por amor al arte.

2.10.17

Apolo, Midas y Marsyas. Vaya trío

Este plato creado y pintado en Milán parece ser que para el Castello Sforzesco de Milán, nos muestra una bacanal musical entre Apolo y el sátiro Marsyas, donde al final de la fiesta ambos se enfrentaron tocando un instrumento musical para ver quien lo hacía mejor y donde Marsyas perdió —limpiamente o con trampas según quien lo escriba— y por ello también perdió su vida al enfrentarse a un Dios y quedar vencido.

Por perder, al sátiro fué colgado de un árbol, desollado vivo y de su sangre que caía al suelo, nació el río Marsyas. En el plato vemos con las orejas puntiagudas al Rey Midas, que actuó de juez y en un primer momento dió por empatado el duelo.

Queda claro con esta fábula, que contra los reyes nadie se puede oponer con la razón. Y menos con la música. Y eso que esta historieta tiene más de 1.500 años.

Este plato fue creado en la Escuela y taller de Nicola da Urbino. Sobre el año 1530. Con el mismo modelo de las figuras, se crearon bastantes platos con diferentes fondos y paisajes.

1.10.17

También en arte, menos puede ser más

Al arte callejero, el arte efímero que algunos realizan con mayor o menor gusto sobre los elementos urbanos, a veces necesita muy pocas pinceladas para resultar un pequeño poema. Este es el ejemplo má sencillo de entender. Con cuatro rayas de spray en negro han logrado crear una imagen de amor triste, de cariño incluso, de soledad, de miedo. Muchas veces también en arte sabemos que menos es más.

26.9.17

Aprendamos dibujando al carboncillo

Este es el clásico dibujo a carboncillo que se hace en las escuelas de dibujo y pintura para aprender del natural a modelar con las luces y las sombras, para aprender a ver los volúmenes, para practicar con las herramientas que se tienen a mano, que a veces son los dedos, trapos o difuminos muy variados. En este caso es un carboncillo realizado por una adolescente muy joven.


Todos en nuestra formación artística nos hemos cansado con estos ejercicios, pensando que no merecían la pena, pues lo que queríamos era tocar color, no mancharnos con carboncillo. Era un error, pues si no somos capaces de ver y valorar las sombras, de sacar las luces o de dejarlas sin manchar, no aprenderemos nunca a distribuir color.


Antes de ser abstracto o expresionista, por poner dos ejemplos donde nos creeamos a veces que el dibujo es lo de menos, antes de que creas que tienes más o menos facilidad para dibujar del natural, con estos ejercicios tratamos de saber practicar con las luces y las sombras, de aprender a verlas y encontrarlas, de respetarlas.


Luego con el color será mucho más sencillo trabajar lo que ahora te puede parecer repetitivo y aburrido incluso. Y podrás salirte del dibujo al natural para adentrarte en otras técnicas y movimientos pictóricos.

Nota.: El dibujo es de Carmen Torres

25.9.17

Cuadro italiano de un paisaje muy sencillo

Este pequeño cuadro lo encontré en un escaparate de Italia, en Milán concretamente. No es nada complejo de realizar, pero sobre todo me llamó la atención la tranquilidad que transmite, el color potente y a su vez la suavidad de sus factura, reflejando esos lagos suizos e italianos que se han ido formando en toda esa zona de Europa, y que tan hermosos son. Las flores acompañan perfectamente enmarcando el paisaje.

Sería un ejercicio perfecto para los que empiezan a pintar de forma autodidacta. Ayuda sin duda a soltar la mano con pinceladas variadas, a controlar el color y a empezar a crear difuminados suaves y sencillos.

17.9.17

Mujer Ocre de Willem de Kooning. Un cuadro de dormitorio

Este cuadro titulado Mujer-Ocre, uno de los cuadros de desnudos femeninos de Willem de Kooning, ha permanecido robada durante 30 años, presuntamente por las mismas personas que la habían colgado en su dormitorio para contemplarla desde la cama.  


Fue robada del Museo de Arte de la Universidad de Arizona, en Tucson, en el año 1985, y permaneiço en el dormitorio del matrimonio de los Alter, hasta que ya fallecidos ambos, un sobrino decidió vender todos los enseres que había en la casa.

Por 2.000 dólares vendió este cuadro que consideró feo y una copia, cuando en realidad está tasado en unos 83 millones de euros. Un mal negocio del sobrino, por pensar que sus tíos eran además de buenas personas, unos pringados.

15.9.17

Obra aborigen australiana de Doreen Reid Nakamarra

La artista Doreen Reid Nakamarra, aborigen australiana nacida en la ciudad de Warburton, nos presentó este acrílico del que dejamos una sección para ver su técnica de trabajo. Una de sus últimas obras, del año 2008 con pintura acrílica sobre lienzo.

La tradición de la pintura acrílica en el colectivo Papunya a principios de los años setenta del siglo XX fue la génesis del movimiento de arte aborigen contemporáneo en Australia de este nombre.

Muchos artistas del colectivo pasaron a forjar carreras importantes por libre, incluyendo a Doreen Reid Nakamarra, quien expuso en Moscú, Londres y Nueva York.

Doreen Reid Nakamarra creó un extenso cuerpo de trabajo enfocado en una narración, transmitida a ella por su marido, que cuenta con el agujero de roca Marrapint, una fuente de agua vital cerca de las Hills (Colinas) Pollock en Australia Occidental.

Aquí un grupo de mujeres ancestrales viajan a este lugar desde hace siglos. Y algo tan simple como ese movimiento social, es lo que realiza en esta obra la artista Doreen Reid Nakamarra.

Líneas horizontales muy estiradas que se extienden a través del lienzo, evocando los planos del desierto, mientras que unas líneas más cortas finamente realizadas en trazos verticales registran el movimiento de las mujeres a medida que atraviesan el paisaje arenoso.

Mihrab de la ciudad de Isfahán, hoy en New York

Esta imagen nos muestra un Mihrab (nicho o lugar de rezo) creado en el actual Irán, de la ciudad de Isfahán, enmarcado en un mosaico de azulejos cortados y policromados, pegados sobre mortero. Es un ejemplo que se puede ver en The MET de New York, bellísimo, y que ha servido de ejemplo para otras obras similares de mucho menor tamaño, que algunas familias ponen en sus hogares.

En la inscripción árabe, contiene un hadith del Profeta Muhammad que dice:

“Dijo el Profeta, en El sea la bendición y la paz, que no hay Dios sino Alá, y que Muhammad es su Apóstol y el Imán bendito, y en la limosna, en la peregrinación y en el ayuno de Ramadán. Y Él dijo: “La mezquita es la morada de cada creyente”

Este nicho de oración o mihrab, fue originalmente colocado en la pared de gibla (dirección hacia La meca) de una escuela teológica en Isfahán, conocido como la Madrasa Imami, construido justo después del colapso de la dinastía de Ilkhanid. Este Mihrab se cree construido en el año 1354.

El mihrab fue creado uniendo azulejos cortados para producir sus diseños intrincados del arabesque y de la caligrafía. El resultado es uno de los ejemplos más tempranos y más finos del mosaico de azulejos árabes. Espléndida obra de decoración arquitectónica religiosa, este mihrab es una de las obras más significativas de la colección del Museo MET.

13.9.17

Traje masculino de danza de los indios Lakota

Este es el traje que empleaban los indios para la danza tradicional norteña de los hombres de Lakota, una parte de la tribu sioux que históricamente habían sido un grupo nómada aunque actualmente los que sobreviven llevan un modo de vida sedentario.

Estas danzas imitan los movimientos de los animales en unos dances de cortejo y religiosos, donde se busca las ayudas de sus compañeros de comunidad.

Son trajes artísticamente decorados con colores vivos y realizados en materiales naturales.

10.9.17

Anagramas urbanos. Superabundancia


Esta obra del artista americano Robert Rauschenberg del año 1986 la tituló “Superabundancia” y es una crítica al excesivo número de indicaciones, de señales, que el mundo actual rodea a las personas. Siempre hay números, indicaciones, señales, marcas de identidad, logotipos.

20.8.17

Un come cocos algo ilegal

Destrozó un paso de cebra, pero creó una pequeña obra de arte callejera. No sé si deberíamos castigarlo o aplaudirlo. Ambas decisiones son importantes.

19.8.17

Donde la ciudad termina, de Enrique Sáenz de San Pedro

El fotógrafo Enrique Sáenz de San Pedro nos dejó en este verano 2017 una exposición en Madrid con sus obras fotográficas en blanco y negro que sin duda merecen una reflexión y una doble mirada. Con el título “Donde la ciudad termina” nos muestra esa mirada certera del vacío dpe la ciudad tras acabarse, de la necesidad vital de las personas de escapar para encontrarse con el campo, con la naturaleza, con incluso su soledad.


Son imágenes del año 1975, de un español que llegaba a Madrid tras una década en Londres y que se encontró con una ciudad que hervía crecimiento. La llegada a veces casi artificial de personas que escapaban de sus pueblos, para encontrarse cemento y verticalidad. Necesitaban la horizontalidad de la nada.

Ocho ángeles sujetando de la mano, una columna

Un capital en la Catedral de Milán con una suerte de ángeles cogidos de la mano, dándole la vuelta al mismo, como sujetándolo. Una solución sencilla para darle con ocho ángeles desnudos, un aire hermoso a las piezas que sujetan las columnas.

Virgen de la Leche, de la Catedral de Milán

Esta bella imagen es la de la La Virgen de la Ayuda o la Leche, venerada en la Catedral (Duomo) de Milán. No es visitable por los turistas y es una obra muy luminosa que representa a la Virgen amamantando a Jesús. Para poderla ver de cerca hay que entrar en la zona dedicada a la oración, pidiendo permiso a los vigilantes.

17.8.17

Mural en Vigo de Art Street

Arte Urbano en Vigo, propiciado por el propio Ayuntamiento para decorar las paredes vacías de la ciudad, y hacer más agradables los paseos urbanos. Estos grandes murales resultan muy caros si se hacen sin ayudas de los ayuntamientos, pues se necesitan grúas para poderlos crear.

16.8.17

Murales urbanos en Vigo, para dar vida a las calles

En Vigo y con una actuación artística promovida por el propio ayuntamiento, se han realizado una serie de trabajos en murales de los que os dejo una muestra. En este caso es del artista portugués "Hazul", realizado en las escaleras entre Camelias y Romil, donde un lobo y un búho acompañan a los caminantes que deciden cambiar de calle

14.8.17

Cubismo suizo, para despistar


No siempre es posible encontrar al autor de una obra en concreto, que te haya atrapado sensaciones. La mezcla de un cierto cubismo con la figura del animal en el primer cuadro resulta sorprendente pues rompe la idea de la obra, con unos toques naif que contrastan. 

Sé que el autor o autora se llama Ura y que posiblemente sea alemán o suizo, y que estas obras estaben en venta en un hotel, sin enmarcar.

La segunda obra me parece más concreta, más terminada, más cubista naif en donde ningún elemento desentona ante la primera mirada. Aunque personalmente el rectángulo que cruza casi toda la obra no es fácil de entender, distrae e incluso emborrona.

2.8.17

El ARTE y la inmigración siempre dolorosa

Marta Palau, artista catalana y mexicana, puede que a partes iguales, nos muestra en esta obra ese dolor de las carreteras secundarias que tienen que andar los inmigrantes para ir en búsqueda del futuro vital, para escapar del hambre y de la indignidad, de la injusticia y el dolor.

…No me desampares,
y que la puerta que quiera abrirse en mi camino,
sea tu Mano Poderosa la que también me la cierre
para no entrar en ella si no me conviene,
o me la dejas abierta
si ha de volver mi tranquilidad
tanto tiempo deseada.
A tus pies dejo esta súplica
que te hace un alma obligada por el destino
a grandes sufrimientos,
que ya no puede combatir
si tu mano poderosa no detiene la ley de la razón…

Oración a la Mano Poderosa.

30.7.17

Susy Gómez y sus gritos femeninos

Susy Gómez es una artista catalana de gran reconocimiento tanto en España como fuera de nuestro país. Esta obra “Intitulada” nos muestra una pequeña parte de su trabajo sobre mujeres anónimas, disimuladas en su personalidad, pues así las contempla la propia sociedad.

Fotografía revistas donde aparecen mujeres y las modifica, las transforma, las trabaja hasta convertirlas en mensajes diferentes, en gritos y alarmas. Esta imagen es de una exposición suya en Málaga, en el año 2009

27.7.17

La obra de arte elegida en Reino Unido es de Banksy

El grafiti de una niña a la que se le escapa de las manos un globo con forma de corazón realizado por el famoso artista inglés Banksy ha sido elegida la obra de arte preferida en Reino Unido, según una encuesta realizada.


La pintura realizada con plantilla y titulada Balloon Girl (Niña con el globo), y que apareció junto a una tienda del este de Londres en 2002, lidera una breve lista de las mejores obras de arte británicas. La obra fue retirada y vendida en 2014 por unos 560.000 euros, pero ha sido reproducido infinidad de veces en todo tipo de soportes.

Aquí vemos la obra en su lugar original hasta el año 2014. En la pared y a su derecha podemos leer la frase: "Siempre hay esperanza".

25.7.17

Anne Marie Schneider y una acuarela que mira

La artista francesa Anne Marie Schneider nos dejó en Madrid sus sueños y trabajos, sencillos y contundentes, su espontánea forma de retratar con acuarelas las miradas de las personas que le interesan. O no.

Manchas, historias, dibujos simples, literatura pintada, sueños, sensaciones. Como ella misma afirma: "Trabajo con la conciencia y la inconsciencia al mismo tiempo mientras creo".