13.10.17

Técnica de color para dibujar modelando volúmenes

La muy joven artista Sonia Astiazarain, aprendiendo en el Estudio Academia del pintor aragonés Manuel Sierra Barseló, tiene exponiendo este dibujo en la zona de la Escuela de Arte que se puede observar desde la calle. Un pequeño espacio expositivo para los alumnos de la Escuela Manuel Sierra.

Traigo este dibujo aquí, como ejemplo del buen hacer a la hora de aprender arte, modulando del natural objetos cotidianos a los que ya se les va dando color, como en segundo paso para aprender a dar volúmenes no solo con luz y sombras, sino también con colores. Ejemplo del aprendizaje más efectivo para dominar todas las técnicas.

¿Qué falta? Pues sin duda en este tipo de trabajos y técnicas, limpiar más los resultados, intentar que los blancos sean menos manoseados. Pero eso solo se puede lograr bien con más y más experiencia y práctica.

11.10.17

La Linotipia y la Biblioteca Pública de New York

Este hermoso cuadro de la tercera planta de la Biblioteca Pública de New York nos recuerda que en 1886 fue inventada la Linotipia (excelente máquina que simplificó el trabajo sobre todo de los periódicos, pero también de los libros) por el alemán de nacimiento y americano de trabajo, llamado Ottmar Mergenthaler, y para ello nos señala una imagen clásica de un periódico en un momento de descanso teórico, en este caso el New York Tribune, con sus formas de trabajar en el periodismo, incluida la venta por las calles.

10.10.17

Grabado del paleolítico superior en España

En la Cova Gran de Santa Linya en Cataluña, existe un yacimiento del paleolítico superior en donde se están extrayendo secretos de la vida de estas personas, con una antigüedad que va desde los 50.000 a los 5.000 años antes de nuestra Era. En las paredes han aparecidos algunos grabados, que pueden representar la manifestación artística más antigua de España.

Os dejo un grabado con la figura de una posible persona, realizada a una altura de metro y medio del suelo, como ejemplo del trabajo mitad artístico mitad posiblemente religioso de este tipo de grabados.

9.10.17

Por amor al arte y con humor, unos viven y otros sobreviven

Cuando nos entren ganas de criticar a los artistas plásticos, debemos saber que la inmensa mayoría de ellos viven de cualquier otra actividad que no tiene nada que ver con el ARTE. Como en el cine, en la música o teatro…, o como en la literatura, unos pocos pueden vivir muy bien de su oficio, y la inmensa mayoría lo hacen por amor al arte.

2.10.17

Apolo, Midas y Marsyas. Vaya trío

Este plato creado y pintado en Milán parece ser que para el Castello Sforzesco de Milán, nos muestra una bacanal musical entre Apolo y el sátiro Marsyas, donde al final de la fiesta ambos se enfrentaron tocando un instrumento musical para ver quien lo hacía mejor y donde Marsyas perdió —limpiamente o con trampas según quien lo escriba— y por ello también perdió su vida al enfrentarse a un Dios y quedar vencido.

Por perder, al sátiro fué colgado de un árbol, desollado vivo y de su sangre que caía al suelo, nació el río Marsyas. En el plato vemos con las orejas puntiagudas al Rey Midas, que actuó de juez y en un primer momento dió por empatado el duelo.

Queda claro con esta fábula, que contra los reyes nadie se puede oponer con la razón. Y menos con la música. Y eso que esta historieta tiene más de 1.500 años.

Este plato fue creado en la Escuela y taller de Nicola da Urbino. Sobre el año 1530. Con el mismo modelo de las figuras, se crearon bastantes platos con diferentes fondos y paisajes.

1.10.17

También en arte, menos puede ser más

Al arte callejero, el arte efímero que algunos realizan con mayor o menor gusto sobre los elementos urbanos, a veces necesita muy pocas pinceladas para resultar un pequeño poema. Este es el ejemplo má sencillo de entender. Con cuatro rayas de spray en negro han logrado crear una imagen de amor triste, de cariño incluso, de soledad, de miedo. Muchas veces también en arte sabemos que menos es más.

26.9.17

Aprendamos dibujando al carboncillo

Este es el clásico dibujo a carboncillo que se hace en las escuelas de dibujo y pintura para aprender del natural a modelar con las luces y las sombras, para aprender a ver los volúmenes, para practicar con las herramientas que se tienen a mano, que a veces son los dedos, trapos o difuminos muy variados. En este caso es un carboncillo realizado por una adolescente muy joven.


Todos en nuestra formación artística nos hemos cansado con estos ejercicios, pensando que no merecían la pena, pues lo que queríamos era tocar color, no mancharnos con carboncillo. Era un error, pues si no somos capaces de ver y valorar las sombras, de sacar las luces o de dejarlas sin manchar, no aprenderemos nunca a distribuir color.


Antes de ser abstracto o expresionista, por poner dos ejemplos donde nos creeamos a veces que el dibujo es lo de menos, antes de que creas que tienes más o menos facilidad para dibujar del natural, con estos ejercicios tratamos de saber practicar con las luces y las sombras, de aprender a verlas y encontrarlas, de respetarlas.


Luego con el color será mucho más sencillo trabajar lo que ahora te puede parecer repetitivo y aburrido incluso. Y podrás salirte del dibujo al natural para adentrarte en otras técnicas y movimientos pictóricos.

Nota.: El dibujo es de Carmen Torres

25.9.17

Cuadro italiano de un paisaje muy sencillo

Este pequeño cuadro lo encontré en un escaparate de Italia, en Milán concretamente. No es nada complejo de realizar, pero sobre todo me llamó la atención la tranquilidad que transmite, el color potente y a su vez la suavidad de sus factura, reflejando esos lagos suizos e italianos que se han ido formando en toda esa zona de Europa, y que tan hermosos son. Las flores acompañan perfectamente enmarcando el paisaje.

Sería un ejercicio perfecto para los que empiezan a pintar de forma autodidacta. Ayuda sin duda a soltar la mano con pinceladas variadas, a controlar el color y a empezar a crear difuminados suaves y sencillos.

17.9.17

Mujer Ocre de Willem de Kooning. Un cuadro de dormitorio

Este cuadro titulado Mujer-Ocre, uno de los cuadros de desnudos femeninos de Willem de Kooning, ha permanecido robada durante 30 años, presuntamente por las mismas personas que la habían colgado en su dormitorio para contemplarla desde la cama.  


Fue robada del Museo de Arte de la Universidad de Arizona, en Tucson, en el año 1985, y permaneiço en el dormitorio del matrimonio de los Alter, hasta que ya fallecidos ambos, un sobrino decidió vender todos los enseres que había en la casa.

Por 2.000 dólares vendió este cuadro que consideró feo y una copia, cuando en realidad está tasado en unos 83 millones de euros. Un mal negocio del sobrino, por pensar que sus tíos eran además de buenas personas, unos pringados.

15.9.17

Obra aborigen australiana de Doreen Reid Nakamarra

La artista Doreen Reid Nakamarra, aborigen australiana nacida en la ciudad de Warburton, nos presentó este acrílico del que dejamos una sección para ver su técnica de trabajo. Una de sus últimas obras, del año 2008 con pintura acrílica sobre lienzo.

La tradición de la pintura acrílica en el colectivo Papunya a principios de los años setenta del siglo XX fue la génesis del movimiento de arte aborigen contemporáneo en Australia de este nombre.

Muchos artistas del colectivo pasaron a forjar carreras importantes por libre, incluyendo a Doreen Reid Nakamarra, quien expuso en Moscú, Londres y Nueva York.

Doreen Reid Nakamarra creó un extenso cuerpo de trabajo enfocado en una narración, transmitida a ella por su marido, que cuenta con el agujero de roca Marrapint, una fuente de agua vital cerca de las Hills (Colinas) Pollock en Australia Occidental.

Aquí un grupo de mujeres ancestrales viajan a este lugar desde hace siglos. Y algo tan simple como ese movimiento social, es lo que realiza en esta obra la artista Doreen Reid Nakamarra.

Líneas horizontales muy estiradas que se extienden a través del lienzo, evocando los planos del desierto, mientras que unas líneas más cortas finamente realizadas en trazos verticales registran el movimiento de las mujeres a medida que atraviesan el paisaje arenoso.

Mihrab de la ciudad de Isfahán, hoy en New York

Esta imagen nos muestra un Mihrab (nicho o lugar de rezo) creado en el actual Irán, de la ciudad de Isfahán, enmarcado en un mosaico de azulejos cortados y policromados, pegados sobre mortero. Es un ejemplo que se puede ver en The MET de New York, bellísimo, y que ha servido de ejemplo para otras obras similares de mucho menor tamaño, que algunas familias ponen en sus hogares.

En la inscripción árabe, contiene un hadith del Profeta Muhammad que dice:

“Dijo el Profeta, en El sea la bendición y la paz, que no hay Dios sino Alá, y que Muhammad es su Apóstol y el Imán bendito, y en la limosna, en la peregrinación y en el ayuno de Ramadán. Y Él dijo: “La mezquita es la morada de cada creyente”

Este nicho de oración o mihrab, fue originalmente colocado en la pared de gibla (dirección hacia La meca) de una escuela teológica en Isfahán, conocido como la Madrasa Imami, construido justo después del colapso de la dinastía de Ilkhanid. Este Mihrab se cree construido en el año 1354.

El mihrab fue creado uniendo azulejos cortados para producir sus diseños intrincados del arabesque y de la caligrafía. El resultado es uno de los ejemplos más tempranos y más finos del mosaico de azulejos árabes. Espléndida obra de decoración arquitectónica religiosa, este mihrab es una de las obras más significativas de la colección del Museo MET.

13.9.17

Traje masculino de danza de los indios Lakota

Este es el traje que empleaban los indios para la danza tradicional norteña de los hombres de Lakota, una parte de la tribu sioux que históricamente habían sido un grupo nómada aunque actualmente los que sobreviven llevan un modo de vida sedentario.

Estas danzas imitan los movimientos de los animales en unos dances de cortejo y religiosos, donde se busca las ayudas de sus compañeros de comunidad.

Son trajes artísticamente decorados con colores vivos y realizados en materiales naturales.

10.9.17

Anagramas urbanos. Superabundancia


Esta obra del artista americano Robert Rauschenberg del año 1986 la tituló “Superabundancia” y es una crítica al excesivo número de indicaciones, de señales, que el mundo actual rodea a las personas. Siempre hay números, indicaciones, señales, marcas de identidad, logotipos.

20.8.17

Un come cocos algo ilegal

Destrozó un paso de cebra, pero creó una pequeña obra de arte callejera. No sé si deberíamos castigarlo o aplaudirlo. Ambas decisiones son importantes.

19.8.17

Donde la ciudad termina, de Enrique Sáenz de San Pedro

El fotógrafo Enrique Sáenz de San Pedro nos dejó en este verano 2017 una exposición en madrid con sus obras fotográficas en blanco y negro que sin duda merecen una reflexión y una doble mirada. Con el título “Donde la ciudad termina” nos muestra esa mirada certera del vacío de la ciudad tras acabarse, de la necesidad vital de las personas de escapar para encontrarse con el campo, con la naturaleza, con incluso su soledad.

Son imágenes del año 1975, de un español que llegaba a Madrid tras una década en Londres y que se encontró con una ciudad que hervía crecimiento. La llegada a veces casi artificial de personas que escapaban de sus pueblos, para encontrarse cemento y verticalidad. Necesitaban la horizontalidad de la nada.

Ocho ángeles sujetando de la mano, una columna

Un capital en la Catedral de Milán con una suerte de ángeles cogidos de la mano, dándole la vuelta al mismo, como sujetándolo. Una solución sencilla para darle con ocho ángeles desnudos, un aire hermoso a las piezas que sujetan las columnas.

Virgen de la Leche, de la Catedral de Milán

Esta bella imagen es la de la La Virgen de la Ayuda o la Leche, venerada en la Catedral (Duomo) de Milán. No es visitable por los turistas y es una obra muy luminosa que representa a la Virgen amamantando a Jesús. Para poderla ver de cerca hay que entrar en la zona dedicada a la oración, pidiendo permiso a los vigilantes.

17.8.17

Mural en Vigo de Art Street

Arte Urbano en Vigo, propiciado por el propio Ayuntamiento para decorar las paredes vacías de la ciudad, y hacer más agradables los paseos urbanos. Estos grandes murales resultan muy caros si se hacen sin ayudas de los ayuntamientos, pues se necesitan grúas para poderlos crear.

16.8.17

Murales urbanos en Vigo, para dar vida a las calles

En Vigo y con una actuación artística promovida por el propio ayuntamiento, se han realizado una serie de trabajos en murales de los que os dejo una muestra. En este caso es del artista portugués "Hazul", realizado en las escaleras entre Camelias y Romil, donde un lobo y un búho acompañan a los caminantes que deciden cambiar de calle

14.8.17

Cubismo suizo, para despistar


No siempre es posible encontrar al autor de una obra en concreto, que te haya atrapado sensaciones. La mezcla de un cierto cubismo con la figura del animal en el primer cuadro resulta sorprendente pues rompe la idea de la obra, con unos toques naif que contrastan. 

Sé que el autor o autora se llama Ura y que posiblemente sea alemán o suizo, y que estas obras estaben en venta en un hotel, sin enmarcar.

La segunda obra me parece más concreta, más terminada, más cubista naif en donde ningún elemento desentona ante la primera mirada. Aunque personalmente el rectángulo que cruza casi toda la obra no es fácil de entender, distrae e incluso emborrona.

2.8.17

El ARTE y la inmigración siempre dolorosa

Marta Palau, artista catalana y mexicana, puede que a partes iguales, nos muestra en esta obra ese dolor de las carreteras secundarias que tienen que andar los inmigrantes para ir en búsqueda del futuro vital, para escapar del hambre y de la indignidad, de la injusticia y el dolor.

…No me desampares,
y que la puerta que quiera abrirse en mi camino,
sea tu Mano Poderosa la que también me la cierre
para no entrar en ella si no me conviene,
o me la dejas abierta
si ha de volver mi tranquilidad
tanto tiempo deseada.
A tus pies dejo esta súplica
que te hace un alma obligada por el destino
a grandes sufrimientos,
que ya no puede combatir
si tu mano poderosa no detiene la ley de la razón…

Oración a la Mano Poderosa.

30.7.17

Susy Gómez y sus gritos femeninos

Susy Gómez es una artista catalana de gran reconocimiento tanto en España como fuera de nuestro país. Esta obra “Intitulada” nos muestra una pequeña parte de su trabajo sobre mujeres anónimas, disimuladas en su personalidad, pues así las contempla la propia sociedad.

Fotografía revistas donde aparecen mujeres y las modifica, las transforma, las trabaja hasta convertirlas en mensajes diferentes, en gritos y alarmas. Esta imagen es de una exposición suya en Málaga, en el año 2009

27.7.17

La obra de arte elegida en Reino Unido es de Banksy

El grafiti de una niña a la que se le escapa de las manos un globo con forma de corazón realizado por el famoso artista inglés Banksy ha sido elegida la obra de arte preferida en Reino Unido, según una encuesta realizada.


La pintura realizada con plantilla y titulada Balloon Girl (Niña con el globo), y que apareció junto a una tienda del este de Londres en 2002, lidera una breve lista de las mejores obras de arte británicas. La obra fue retirada y vendida en 2014 por unos 560.000 euros, pero ha sido reproducido infinidad de veces en todo tipo de soportes.

Aquí vemos la obra en su lugar original hasta el año 2014. En la pared y a su derecha podemos leer la frase: "Siempre hay esperanza".

25.7.17

Anne Marie Schneider y una acuarela que mira

La artista francesa Anne Marie Schneider nos dejó en Madrid sus sueños y trabajos, sencillos y contundentes, su espontánea forma de retratar con acuarelas las miradas de las personas que le interesan. O no.

Manchas, historias, dibujos simples, literatura pintada, sueños, sensaciones. Como ella misma afirma: "Trabajo con la conciencia y la inconsciencia al mismo tiempo mientras creo".

22.7.17

Salvador Victoria, un pintor abstracto aragonés

Salvador Victoria Marz fue un artista abstracto español, nacido en Rubielos de Mora (Teruel) en 1928. Estudió Bellas Artes en Valencia, Granada y París y en el año 1963 funda en esta última ciudad el "Grupo Tempo". Unos años después se traslada a Madrid como profesor de la Universidad Complutense.


En su localidad natal Rubielos de Mora se creó la "Fundación Museo Salvador Victoria" ubicada en el antiguo Hospital de Gracia, un edificio del siglo XVIII, donde se expone una parte de su obra junto a la de otros artistas contemporáneos españoles.

Juana Biarnés y su fotografía de Orson Welles

Juana Biarnés es una de las primeras fotógrafas periodistas y con oficio, que intentaron romper con su profesionalidad y dedicación a la fotografía, un trabajo que parecía reservado a hombres, en sus facetas sociales, artísticas o de sucesos.

Visto su trabajo hoy, nos queda esa mirada diferente, claramente artística de sus obras, buscando unas imágenes diferentes que representaran el valor de la fotografía como elemento que explica mucho más que unas pocas palabras.

En esta imagen vemos a Orson Welles en la plaza de toros de Sevilla, en el año 1966

21.7.17

Katsushika Hokusai y su Gran Ola de Kanagawa

El artista Katsushika Hokusai en el año 1833 realizó los grabados que dieron origen a la obra que estamos contemplando, “La gran ola de Kanagawa” o mejor recordada como “Bajo una ola en altamar en Kanagawa”. Realizada en estilo ukiyo-e es una de las más conocidas estampas del arte japonés.

Con los grabados originales se realizaron miles de copias que hoy están depositados en varios museos de todo el mundo y entre coleccionistas particulares. Muestra como una gran ola se desploma sobre varias barcas de pescadores, buscando una similitud de la espuma del agua con los copos de nieve del monte Fuji que vemos al fondo.

Ayer El Mundo nos recordaba unas palabras del autor poco antes de recibir el encargo de esta serie de 36 grabados sobre el Monte Fuji: "Estoy sin dinero, sin ropa, apenas lo suficiente para comer. Si no me llega un encargo para la mitad del segundo mes, para mí no habrá primavera"

Cuando acabó la serie escribió: "A los 73 años aprendí algo sobre la forma verdadera de las cosas (...), a los 80 años habré hecho un cierto progreso (...) a los 100, seré un artista divino..." Falleció a los 89 años de edad.

Virgen sentada con el niño, de Plandogau, Lérida

En el siglo XII, en plena Edad Media, la religión era fundamental para sujetar a los pueblos. Todas las localidades tenían sus propias vírgenes como esta de la pequeña localidad de Plandogau en Lérida, pintada con colores vivos y realizada en madera, pero simulando ser un objeto metálico y muy duradero.

Eran imágenes ásperas, serias, demostrado poder y capacidad de disponer lo mejor o lo peor para los fieles que las contemplaban, las rezaban o las sacaban en procesión.

El poder de la religión era en mucha ocasiones y sobre todo en localidades pequeñas, superior al poder de las administraciones. La iglesia además de tener el control de la fé y el miedo de las personas, disponían de enormes cantidades de tierras, controlaban los alimentos de las zonas de su influencia, y eran los depositarios de las culturas, las tradiciones, incluso de algunos hijos e hijas de las grandes fortunas de la zona.

Tenían el tesoro del Cielo, entre los bienes de su propiedad que podían administrar con el miedo y la fe entre sus feligreses. Nada era más importante que poder controlar si al final, cuando eras más débil en tu vida, iban a regalarte el Cielo o el Infierno.

20.7.17

Una ventana en los huesos

Un objeto incapaz de seguir con vida propia. Una ventana adosada todavía a una pared moribunda. Una sensación. ¿Vive alguien de los que se asomaban para ver la calle?

Hoy ya nadie se asoma a ella, pero la utilizaron para mirar y dejarse ver. Hoy está en espera de ser enterrada, enronada más bien. Son cosas de la propia existencia fugaz. Quedan los huesos de la vida que tuvo.

Y en qué sueña Antonio López?

A Antonio López como artista se le puede venerar o puede no gustarnos. Eso es el ARTE. A mi me parece un artista genial y lleno de humanismo. Pero cada uno tiene sus colores preferidos. Os dejo una entrevista que han publicado en la Vanguardia.

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Ni Baltasar, ni Gaspar, ni Melchor...
Pese a nacer el día de Reyes me llamaron como mi abuelo, y me alegro porque lo quería muchísimo. Su amor hacia mí era incondicional, claro y sin fisuras. Todavía sueño con él.

¿Y qué sueña?
Que me cuida, es más que un sueño, es una sensación. Y luego está mi tío Antonio, el pintor que me inició en su oficio a los 13 años. Mi padre era agricultor y no quería que yo viviera su vida, pero yo prefería el campo a una oficina.

¿Cree usted en el destino?
Sí, y me ha tratado muy bien. Lo único que me ha dejado mal recuerdo es la aspereza, la violencia de los adultos que a veces se desahoga con los niños, pero también hubo mucho amor. Y la pintura me lo ha dado todo, no he necesitado más, ni más amores, ni más viajes...
No creo en el arrepentimiento. Yo trato de hacerlo todo muy bien y he tenido instinto para eso, pero no bajo a las profundidades.

¿Qué le ha sorprendido de la vida?
Nada. Me asombra lo poco que me sorprenden las cosas que a la gente le sorprenden. Hoy ya no tenemos que ir a la guerra con trajes de hierro, pero hay cosas muy siniestras, se ve en el arte, que es muy sombrío. Ahí está el barroco, y Goya… Sí, en su época les pasaban cosas terribles, pero tenían a los dioses muy cerca, muy a mano, y le daban sentido al dolor. Hoy la falta de sentido ha debilitado al ser humano y el arte habla de aniquilación.

Usted ¿en qué cree?
Creo que si fuéramos más inteligentes nuestra vida sería mejor. Gran parte de nuestros problemas tienen que ver con gobiernos sin talento, algo que se repite desde hace siglos con pocas excepciones, pero la vida es buena. No pienso  la muerte, no me susurra.

Se casó usted con una gran pintora.
Y gran persona. El amor tiene una presencia enorme en la vida. No sentirse amado es una gran desgracia. Woody Allen dice que encontrar a la persona adecuada es cuestión de suerte. Para mí es cuestión de instinto, y tengo mucho, he elegido siempre bien a la primera: amigos, amor...

Siendo una gran pintora, María Moreno ha quedado en la penumbra.
Ha ocurrido con muchos figurativos. Además, Mari no ha sido ambiciosa, y ha sido muy generosa con sus hijos y conmigo pese a que yo siempre le insistí en que se centrara en la pintura.

¿Cómo conseguir que el amor sobreviva?
Requiere paciencia, por eso nosotros pese a los años seguimos juntos. Pero lo natural es no seguir, lo lógico es que a los siete o diez años tengas que cambiar de pareja; si no, tienes que sacrificar muchas cosas y esforzarte. Y dejar mucho espacio a la otra persona, pero igual se va. No temer es importante. Y me parece fundamental tener un trabajo que te llene la vida. Nadie se merece la desgracia de hacer algo que no le gusta, es la mitad de la vida, y la otra mitad es el amor, el resto es suerte. Igual tendría que ser más fácil.

¿Ha encontrado usted el sentido de lavida?
Creo que el sentido está en la adecuación natural a la vida, como la tienen las moscas, los gatos o cualquier mala hierba. Todo es naturaleza.

En sus cuadros hay un misterio.
En el arte de verdad siempre lo hay; el arte tiene que ver con la emoción, como en el arte antiguo, la ves incluso en una cajita egipcia, en un gato momificado. Hasta hace 2.000 años todo era arte, los motivos para hacer las cosas eran tan esenciales que el error no cabía.

¿Cuál es el misterio?
Que la muerte, la vida, la luna, el sol, el firmamento…, todos los grandes motivos del hombre eran el contenido de su trabajo y estaban presentes de manera natural. A partir del rena­cimiento ese misterio del mundo, ese enigma prodigioso, es sustituido por otros motivos ­inferiores.

Igual no sabemos mirar.
Hay gente que no quiere mirar y gente que no tiene miedo a mirar.

¿Es feliz?

La palabra felicidad no está en mi vocabulario. Yo creo en la adecuación al hecho de vivir. Pero canturreo a menudo. El disfrute de la vida está en cosas inexplicables, tal vez insignificantes.

Collage titulado "Biología", para ver técnicas sencillas

El artista David Moreno creó esta obra en el año 2013 a la que tituló “Biología”, empleando técnicas muy simples. Un collage de letras recortadas, pegadas sobre un fondo de color y sobre todas ellas unas líneas direccionadas hacia los extremos. Con independencia del resultado final o de la plasticidad de la obra, lo que debemos entender es la apertura actual del arte a todo tipo de técnicas, con las que podamos o deseemos explicar algo. Después seremos nosotros, como espectadores o receptores del mensaje, los que deberemos valorar o no cada obra.

No penséis en lo sencillo del trabajo. Si vosotros queréis explicar algo con esta técnica, practicar. Hacerlo. 

Nada es tan sencillo como hablar, y por eso todos hablamos. Unos mejor que otros, sin duda. Pero hay muchas formas de hablar y muchas herramientas para hablar.

18.7.17

Adoración de los Magos de El Bosco

Hacia el año 1495, el pintor El Bosco realizó esta tabla al óleo de 138 x 138 cm “Adoración de los Magos”, por encargo del matrimonio Pieter Bronchorst y Agnes Bosschuyse para colocarla en la capilla de la Cofradía de Nuestra Señora de la catedral de Hertogenbosch.

Confiscada por el duque de Alba, éste se la regaló al Rey Felipe II. En el año 1574 se traslada esta obra al monasterio de El Escorial, donde permanecerá hasta su traslado al Museo del Prado en 1839, donde se encuentra expuesta. Es una obra cumbre donde El Bosco nos muestra toda su categoría y su forma de construir obras con personajes icónicos, con los que va contando historias, tanto en ellos como en todos los elementos que van apareciendo en el suelo o en las manos de los personajes. Nada está por casualidad, y todo representa un mensaje.

No es fácil encontrar en esta obra a San José, en un segundo plano del total de la obra, secando los pañales del Niño.


17.7.17

La escritura en la pared, de Antoni Tapies

Como si de un graffiti se tratara, Antoni Tapies hizo esta obra en el año 1971 y la tituló “La escritura en la pared”. Abstracto informalista y autodidacta, fue uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX, cuyas obras están expuestas en los mejores museos del mundo.

14.7.17

Un cartel del infierno, en Londres

Este cartel de Londres es casi todo un catálogo de intenciones. Una publicidad callejera de Tinder, la red social para disfrutar en horizontal. O no. De entrada para disfrutar de la pantalla del teléfono.

Sin duda todxs debemos preguntarnos si este cartel debe estar en un lugar como este, donde casi siempre solo caben obras de arte. Las debilidades son humanas. Muchas veces el arte está en el encuadre, en el diseño, en el color, en las formas. La llama como icono de Tinder ya es un llamamiento caliente al arte visual.

Pero si nos paramos unos segundos…, observaremos dentro de nuestros calientes sesos que nos estamos adentrando en el infierno. ¡¡Dios!!, igual Tinder es el infierno, son las llamas eternas y no nos habíamos dado cuenta.

Creo…, ¡uff!, que cada vez somos más los que queremos estar en el infierno. Este y no otro, debe ser el famoso cambio climático que dicen algunxs.

Fotografía de Nuria Pérez