23.5.17

Aprendamos a ver el arte, observando

El ARTE muchas veces es tan solo saber ver, observar lo que nos rodea y verlo. Tenemos que aprender a mirar mejor todo lo que nos rodea para disfrutar de lo que nos envuelve, de nuestro entorno, observando de forma diferente.

Hay que mirar con más atención, con una cierta curiosidad de querer adivinar qué se nos quiere decir. Intentar dialogar con ella para saber qué nos quiere decir.

En la comunicación gráfica, no todo tienen que ser letras reconocibles, signos habituales, palabras que nos resultan fáciles de descifrar. Por eso hay que aprender a descifrar lo que nos revelan los signos artísticos que se crean para contemplarlos, pero también para comunicarnos sensaciones.

Veamos su forma, su color, su superficie o textura, su tamaño dentro del espacio, el lugar donde está colocado dentro de todo el lienzo, la apariencia que tiene en relación a lo que está a su alrededor.


El mismo signo nos puede provocar sensaciones diferentes según las personas que lo,observamos. Pero curiosamente, también sensaciones distintas según el día que la misma persona observa el conjunto. No hay que buscar nada más en el ARTE, es tan simple como una forma de comunicar sensaciones, que a veces resultar agradables y otras violentas o feas. No siempre tenemos la obligación de entender lo que se intenta decir. Hay decenas de idiomas diferentes y tan solo entendemos algunos de ellos.

Nota.: La obra es del artista Daniel Bagnos


22.5.17

Un San Jorge en Madrid, lleno de sangre


En la parroquia de San José de Madrid podemos contemplar este San Jorge con su pose acostumbrada. No es una figura maravillosa, pero si lo es las figuras de las cabezas cortadas a sus pies, en una borrachera de sangre. La religión en algunos siglos, la paz y el amor la predicaban poco.

Escarabajo verde volando sobre el arte

El artista Rafael Fernández nos deja este escarabajo verde volando entre los aires de Logroño, con una cabeza singular y similar al rabo de un pimiento. Crisálidas sospechosamente imitadoras, en cerámica esmaltada.

21.5.17

San Miguel, en la Catedral de Jaca (Huesca)

Esta tabla nos muestra a un San Miguel luchando contra el demonio en una clásica imagen del soldado que con sus manos, una lanza y un escudo, intenta salvar a la humanidad de todo mal. Esta imagen está en la Catedral románica de San Pedro, en Jaca (Huesca)

Una sencilla obra de arte, para crear ambiente

El arte como decoración es también un ejercicio muy sano para crear ideas, para construir sensaciones. El arte tampoco tiene por qué aspirar a mucho más. Estos músicos decoran una cafetería en Galicia, crean ambiente y cumplen muy bien su misión, la de hacernos creer que estamos en un lugar para disfrutar tranquilamente de la vida. ¿Es necesario mucho más con una simple obra de arte, realizada con una técnica muy correcta?

20.5.17

Mosaico romano en Siria

Este mosaico de principios del siglo V estaba en Siria, en un palacio de los emperadores, cubriendo una superficie de 120 metros cuadrados de la sala donde recibía a sus huéspedes, como el primer espectáculo de la visita. Un pavimento realizado con gran precisión, mostrando diversas escenas de caza, donde intervienen diversos animales y personas. Más de un millón de pequeñas piedras de colores, formando este mosaico de gran detalle.

Una hoja viuda que busca el sol

Una hoja viuda que intenta sacar su brillo y color a la calle, es siempre un objeto de encanto. Quiere volver a disfrutar del sol, de la luz, del calor. Quiere seguir viviendo a la vida de la contemplación de los demás, en sociedad junto a sus recuerdos. Quiere salir a la calle. Algo normal, en toda hoja de vecino.

18.5.17

El Dios Vishnu sobre el dios Garuda

Esta escultura de principios del siglo XX nos muestra al Dios Vishnu (el Preservador, en la modalidad de la bondad), venerado por el hinduismo, que vive en un paraíso más lejano del propio cielo y conocido con el nombre de Vaikhunta donde todo es oro y piedras preciosas. Aquí lo vemos en una figura de Indonesia, montado sobre el dios menor Garuda, que es un pájaro mítico con forma semi humana en la mitología hindú y en la religión budista.

Garuda, dios de categoría inferior, representa el vehículo sobre el que se desplaza el dios hindú Vishnu, el protector del mundo. Este tema aparece con frecuencia en la escultura sobre madera balinés.

Qué es y qué debe ser un museo en el siglo XXI?

Hoy es el Día Mundial de los Museos, que casi sería como decir que los restantes 364 días no lo son, y aquí empezamos a equivocarnos. Los Museos además de armarios contenedores, son sobre todo —o deben serlo— lugares muy activos para crear cultura. Sean del tipo que sean. Son la memoria, el reconocimiento de que somos lo que somos por otros que antes que nosotros estuvieron trabajando con menos herramientas y más precariedad, y aun así lograron maravillas.

Hay muchos tipos de museos, pero sobre todo yo los dividiría en dos clases. Los que sirven para aprender y los que no sirven para nada. De estos hay muy pocos, aunque es verdad que los tiempos actuales han logrado que todos se tengan que poner a trabajar para no caer en el segundo bloque.

Un museo no puede ser un edificio, debe ser un continente y las paredes deben perder protagonismo. Aunque eso depende de siglos y de países. Y cada vez m´ças, es necesario que los museos sean también lecciones vivas de formación y contexto. No deben ser simplemente una pared para colgar o unas vitrinas para mostrar. Hay que explicar, hacer viajar al visitante y moverle las entrañas. Y deben ser un lugar abierto a las fotografías no dañinas y a mostrar en red lo que muchos no pueden tener la suerte de contemplar en el lugar.

La imagen nos muestra un pequeño altar de la dinastía Jin, sobre el año 1200, en China.

Paisaje alemán para aprender a pintar con espátula

Es una obra de pequeño tamaño con un paisaje alemán pintado de forma natural, casi como un boceto, y que una vez más mostramos como ejemplo para aprender a manejar los colores y las formas. Es una obra rápida, que trabaja sobre una base pìntada en negro y sobre la que van añadiendo color y por ello luz. Nada más sencillo, a poco que practiquemos un poco con espátula o con pinceles duros.

13.5.17

Pablo Gargallo y su Urano de 1933

El escultor o mejor dicho artista aragonés, Pablo Gargallo, nos dejó en el año 1933 esta maravillosa obra titulada “Urano”, realizada en bronce y que se puede contemplar en su museo Pablo Gargallo de Zaragoza.

Escultura cubista donde juega con las luces, las sombras, los huevos, los volúmenes, para dar formas que cambian según cambia el punto de vista del espectador, más que en ningún otro tipo de obras escultórica.

2.5.17

Casi seguro que una obra de arte

La saturación de algo crea una mirada diferente. Tanto puede ser bello un simple objeto navegando por la nada, como la saturación de elementos para crear un ambiente determinado. Formas, color, repeticiones, saturación abrumadora. Todo se convierte en otro elemento, ya no es un simple lienzo, menos una puerta o persiana. Es ya otra cosa, casi seguro que una obra de arte.

Pintura fácil y de brochazo, pero bien construida


Muchas veces en cualquier visita a un lugar desconocido y anodino, te puedes encontrar algunas obras de arte que te llamen la atención. Aunque no lo parezca por el tamaño de la firma, sin obras de más de un metro de altas, muy grandes, realizadas con enormes brochazos donde el color y las formas, siendo muy simples, juegan precisamente con el tamaño para sorprender. Es un ejemplo de pintura fácil, pero atrevida, que quiere recordar alguna época del genial Picasso.


1.5.17

Simulando a Agustín Ibarrola

Simulando los cubos de la memoria de Llanes, en un hotel de la localidad hemos encontrado estas obras que emplean parte de los primeros diseños de estas construcciones tan pintorescas junto al mar, en la escollera del puerto. Agustín Ibarrola realizó la intervención artística original en los cubos que pesan 60 toneladas cada uno, como un ejemplo de recuerdo artístico, de su memoria creadora, empleando colores vivos, figuras abstractas y dibujos simples, pero contundentes, que no dejan indiferentes a nadie.

Monstruo del palacio da Pena de Sintra

 A las afueras de la ciudad portuguesa de Sintra se encuentra el Palacio da Pena, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, siendo uno de los símbolos del Portugal monárquico pues durante el siglo XIX vivió en él la familia real.

Aquí vemos una figura en relieve de un ser medio pez medio hombre, saliendo de una concha, con una cabeza cubierta por cabellos que se convierten en un tronco de parra, y cuyas ramas están sujetadas por los brazos del personaje. A modo de monstruo o demonio y con una fortaleza a prueba de problemas, está sujetando una de la ventanas balconadas del palacio. Un ejemplo del estilo romántico del momento.

19.4.17

Gloria Alcahud y sus atmósferas castellanas


Esta obra es de Gloria Alcahud pintada en madera en el año 2000, de la serie Atmósferas. Pintora castellana que tiene su estudio en la localidad leonesa de Villaquejida, es un referente abstracto español, no tanto castellana como a ella le gustaría. Sus paisajes mágicos, feroces, violentos, inmensos como su Castilla, son poemas de color donde mezcla sus miradas hacia la tierra, sin olvidarse del mar o de los aires duros del frío y el vacío.

5.4.17

Los españoles pintados por sí mismos. Celestina

Del libro “Los españoles pintados por sí mismos” dejo este grabado que nos quiere mostrar una celestina realizado en el año 1844 por un dibujante que firmaba como Ontega.

26.3.17

Paisaje muy suave de Rosa Castellot

La artista madrileña Rosa Castellot nos deja este dibujo realizado en el año 2006, para comprobar como un trabajo realizado con grafito, pastel y lápiz sobre papel, puede resultar una obra excepcional que más parece una acuarela en grises que un trabajo con herramientas duras. El árbol del fondo es el protagonista, incluso siendo pequeño y con poca intensidad de color.

No te comas mis pajaritos

La joven artista logroñesa  Marta Beceiro, nos muestra aquí uno de sus cuadernos de apuntes, “Lo viejo” realizado durante los años 2010 y 2012. Un ejemplo perfecto de libro de apuntes, para después realizar trabajos más grandes y con otros materiales, pues estos son apuntes en bolígrafo, tinta y pastel sobre un pequeño bloc de dibujo.

24.3.17

Lienzo viejo, con arte moderno en Logroño

Esta mezcla de arte moderno, arte contemporáneo por partida doble, sobre una pared que además de antigua está rota, ofrece un resultado maravilloso para contemplar y conservar. Esto no debería ser arte efímero, debería incluso traspasar la calle, el art street clásico, para convertirse en arte museístico. Mueve sensaciones, es ARTE con mayúsculas, en una calle del casco viejo de Logroño.

Arte Urbano, que refleja el New Art contemplativo que motiva.

16.3.17

Charles Beaubrun y un retrato de reina española y francesa

Esta obra titulada “María Teresa de Austria y el Gran Delfín de Francia” está en el Museo del Prado y es del artista barroco francés Charles Beaubrun y pintada en el año 1664 al óleo. Representa las figuras de tamaño real, donde vemos como paseando a la Reina con su hijo en un momento de carnavales o de fiesta de máscaras. 

María Teresa de Austria era hija del Rey Felipe IV y esposa del Rey Luis XIV. El niño que era el heredero al trono de Francia nunca llegó a reinar y se llamaba Luis. Fue padre del Rey Felipe V de España.


Charles Beaubrun junto a su primo Henri Beaubrun, fueron en su época los pintores preferidos por la corte francesa para retratar a la familia real, sobre todo a todas sus mujeres.

13.3.17

Henry Moore y sus puntas imposibles

Henry Moore es un artista que llena los espacios de sensaciones. Incluso ocupa los cielos son sus trabajos. Esta obra “Óvalo con puntas” es del año 1969 y nos quiere mostrar una piedra ovalada de la que le salen dos puntas que se intentan tocar pero que nunca llegan a lograrlo. Su propia material, rígida, les impide dejar de estar enfrentadas.

12.3.17

Ultima Cena con 9 discípulos y Jesús

Hay muchas Últimas Cenas de Jesús con sus discípulos. Esta representación está en la Catedral de Jaca y está compuesta por 9 discípulos y Jesús. No son 12, tal vez el artista creyó que no le cabrían en el altar donde iban a estar metidos o tal vez pensó que con 9 ya sería suficiente. Pero resulta curiosa esta representación.

11.3.17

Jacometto Veneziano y un retrato de hombre

No es mucho lo que se sabe del pintor Jacometto Veneziano, que no vaya más allá de que era un artista de finales del siglo XV, italiano, y que sobre todo pintaba pequeños retratos de la época para llevar a veces a modo de escapulario.

En realidad se considera más un artesano del retrato familiar, un fotógrafo cuando no existía la fotografía, que guardaba recuerdos por encargo de grandes familias de la época. Como este retrato posiblemente de  Alvise Contarini que entrega a una mujer que era monja del convento de San Secondo.

En estos pequeños retratos se pueden ver los paisajes de la época, pero también las vestimentas y las particulares formas de comportarse ante el retrato. Vemos aquí un perfil, serio y que en ningún momento mira hacia la persona que previsiblemente le va a contemplar, tal vez como un ejemplo de un amor imposible.

Es una obra pintada al óleo sobre madera con algunos toques de oro.



25.2.17

Pintura acrílica de Anne Marie Schneider

En 2012 la artista francesa Anne Marie Schneider hizo esta pintura acrílica sobre papel “Sin título”. Un trabajo compuesto por 10 obras de pequeño formato típico en su obra, minimalista, sencillo de realizar, pero que representa su mirada, su modo de reflejar el momento y el tiempo en que vive, tal y como también advertimos en una anterior entrada. Es su manera de transmitirnos sus miradas, sus pensamientos, sus dudas.

24.2.17

Anne Marie Schneider en el Reina Sofía de Madrid

En 1996 la artista francesa Anne Marie Schneider hizo este dibujo al carboncillo “Sin título”. Un dibujo típico en su obra, minimalista, sencillo de realizar, pero que representa su mirada, su modo de reflejar el momento y el tiempo en que vive. 

Pinta y dibujo como si intentara con los trazos y las formas realizar un diario íntimo, una colección de pensamientos e imágenes que observa y que sabe se escaparán enseguida. 

Es como un relato de miradas, de sensaciones, a costa de emplear manchas y trazos, de utilizar las imágenes que crea con sus manos.

Hasta marzo de 2017 está exponiendo en el Reina Sofía de Madrid, y aunque es un artista poco expuesta, sus obras están en los mejores museos europeos y en casi todos los franceses. 

40 siglos de arte de penes, nos contempla

No debemos fijarnos en la enorme verga del burro, eso es lo de menos. Son siete burros de un rebaño del Egipto de hace 4.000 años, vigilados por un pastor. La clásica leche de burra, necesitaba burros que dejaran embarazadas a las burras. Curiosamente esto es arte. 

Un relieve con tanto siglos que todavía nos sorprende por su trazo, en unas representaciones de las labores agrícolas de aquellos siglos. Similares a las que se hacían en gran parte del centro de España hasta hace medio siglo. 

Pero sí resulta curioso que muestra con detalle los penes tanto del hombre como del burro del primer plano. Sale ganando el burro.

La pieza es del Museo de Arte de Bruselas

14.2.17

Picasso y sus grabados italianos

La obra gráfica de Pablo Picasso no siempre es lo más conocido del gran artista español, por eso a veces nos sorprenden algunos grabados, como este recientemente expuesto en Italia. Disfrutemos de esta estampa maravillosa que refleja amor y tal vez algo de tragedia, de aburrimiento, de soledad compartida. La mirada de la figura masculina, refleja un cierto desencanto, como buscando la salida a la situación de pan y vino.

5.2.17

Art Street sí, sin duda. Manchas y firmas NO

No es habitual publicar simples firmas graffiteras. Es de tal calidad la inmensa mayoría de los grafitis que hay en todo el mundo, que con darles imagen ya es suficiente para demostrar su calidad, en contra de esa otra mayoría (pocos pero que cunden mucho) que tan sólo sirven para marchar paredes.

Pero en este caso esta palabra pintada sobre una persiana metálica tiene “su aquel”; el diseño está bien logrado, la firma representa artísticamente algo más que unas manchas.

Por eso la hemos conservado, como muestra del lugar más bajo a donde deberíamos consentir el grafiti con respeto, que por otra parte, es muchas de sus representaciones, es fabuloso y pasa a ser sin duda Art Street con mayúsculas.

Balcón teatral en el centro de Berlín

El arte más sencillo lo podemos encontrar simplemente mirando hacia arriba en muchas ciudades. Este balcón y sus pequeñas esculturas es de un edificio de Berlín. Acrobacias, teatro, desenfreno, fiestas, alcohol. Pequeños y rechonchos niños figurados, que acompañan al balcón dorado. ¿Alguien se asomará a esta balcón?

31.1.17

El Picasso más erótico, en El Sueño

La obra que dejamos hoy para disfrutar de Picasso es la titulada “El sueño” o “Le rêve” realizado al óleo sobre lienzo en el año 1932. Un cuadro cubista del artista más maduro en la pintura pues tenía 50 años, y que nos muestra a una mujer dormida sobre un sillón, medio desnuda y representando a su joven amante de aquel momento, Marie-Thérèse Walter. Esta obra en el año 2013 fue comprado en una subasta por 155 millones de dólares, convirtiéndose en la segunda obra más cara en ese momento, y la más cara de todas las obras vendidas de Picasso.

San Jorge en un Libro de horas

En este “Libro de las horas” vemos a San Jorge matando al Dragón, dibujado en el año 1510 es un ejemplo de libros hechos de encargo para laicos que deseaban hablar y orar con Dios sin la mediación de la iglesia, y para ello solicitaban les realizaran sus propios “libros de horas” donde figuraban los rezos que debían hacer cada día. Un dibujo simple, no muy cuidado, pero que tiene 500 años de antigüedad. Y hay que recordar que aquellos pequeños cuadros se iluminaban o pintaban a mano, sin utilizar imprenta, y era un trabajo de muchas semanas.

30.1.17

Graffiti de Joice 126, en Birmingham

Esta obra es del grafitero inglés “Juice 126” y me la encontré en una calle de Birmingham. era una obra grande, varios metros de ancha, realizada para una exposición callejera junto a otros artistas y enmarcada sobre negro. Simple pero muy hermosa, me atrapó por sus movimientos y colores. No tiene mucho más que esa sensación de realidad ficticia que parece tener vida propia.

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¿Cómo ve usted la reciente progresión, especialmente dentro del género llamado 'Graffuturism' o 'post graffiti'?

Es bueno ver... que los artistas de la calle están ahora en expansión. Sé que en los últimos cinco años es como si las mentes de todos se hubieran expandido a nivel mundial. Cuando solía mirar abstracción, era un grupo muy apretado de artistas a nivel mundial, había pocos artistas en Australia, había uno o dos en Nueva York fuera de Futura, había algunos en París, unos pocos alemanes, uno o dos en Holanda y eso era todo. Y luego de repente, no lo sé…, fue el Street Art, lo siento decirlo, pero la explosión de Street Art permitió que muchos artistas fueran más libres.
Quiero decir esto por que si miras el graffiti en varios movimientos artísticos, alrededor del 1986/87 había un hombre llamado Martin Jones que acuñó la frase 'Street Art', y esa fue la primera vez que todos empezaron a usar el término Arte de la Calle y luego todo el mundo empezó a experimentar en ese momento, ese era el tiempo que los Ángeles Cromados estaban experimentando, que era cuando Futura estaba en París, cuando fue la primera explosión de Arte de la Calle del Street Art .
En los últimos cinco años, se está cayendo sobre nuevos artistas que están experimentando con la abstracción y la escultura.

Bocetos del futuro de la coreana Lee Bul

Lee Bul nos ha ido creando piezas y máquinas, en ese futuro posible que imagina la coreana, donde caben desde objetos inanimados a vida en movimiento. Toda exposición de Lee Bul produce la sensación de posibilidad, de estar dentro de un futuro imperfecto, pero futuro posible. Así que estos dibujos, bocetos de sus obras, son simplemente los bocetos de las ideas del futuro. No los veremos, pero no podremos decir que no nos los pudimos imaginar.

26.1.17

Peces muertos, de un artista muy conocido

Podríais pensar que me he vuelto loco, y no, venía loco de casa. Es una obra de arte y anónima. Son cadáveres fosilizados de peces prehistóricos agrupados aleatoriamente en una superficie que asemeja a un lienzo. Ya vamos bien.

Ellos no supieron nunca que terminarían en un museo, en este caso en el museo de la Universidad de Birmingham, pero les debió de dar igual. El caso es que se asemejan mucho a muchas pinturas abstractas de este siglo XX y XXI.

Un lienzo, un espacio, una basa, unos elementos que de forma aleatoria cubren ese espacio, dotando de vida y movimiento algo plano e inerte. Es como un pequeño caos provocado por un artista, en este caso se llama Naturaleza con dosis de casualidad y un poco de aleatorio momento final. 
 
Muchas obras de estas décadas, obras caras por supuesto, no tienen la calidad plástica de esta otra obra mezcla de teatro, pintura y perfomance. Por eso está en un museo.

22.1.17

Guillermo Pérez Villalta y un cuadro muy teatral

Guillermo Pérez Villalta es un artista muy reconocido en el panorama español, entre el posmodernismo y el neomanierismo, no bien tratado por el mundo del arte por sus constantes críticas a lo establecido y al mercantilismo del arte, como una forma deformante de poder disfrutar y sentir con cada obra. Arquitecto de poca obra, es en cambio un artista andaluz en varios museos de toda España. En el año 1985 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. Ha trabajado la pintura y el grabado, la escultura, la cerámica y la escenografía para obras de teatro.

Este cuadro, titulado “Personajes a la salida de un concierto de rock” es una obra del año 1979, en los comienzos de la movida madrileña de la que él formó parte desde las posiciones artísticas más rebeldes y rompedoras. Es realmente una escena de aquella vida incopiable de unos años rompedores con todo lo establecido.

21.1.17

San Miguel volador, matando al diablo

Esta imagen de San Miguel matando al mal, al demonio, al ángel pérfido, es una vuelta más de la realidad sagrada. Los ángeles vuelan y por eso pueden matar desde arriba. EStá sobre el aire atravesando con su lanza el cuello del asqueroso y feo diablo. ¿Y si los diablos no fueran tan feos?

20.1.17

Exposición de París, 1937. Pabellón de España

Josep Lluis Sert y Luis Lacasa fueron los autores del Pabellón de la República en la Exposición Universal de París de 1937, donde se expuso el Guernica de Picasso

Os dejo como curiosidad un plano de la Exposición de París, cuyo icono era la Torre Eiffel, y en rojo la posición donde estaba el Pabellón Español. Y también una imagen del interior del claustro interior de dicho pabellón, donde podemos ver al fondo el lugar donde estaba colocado el cuadro el Guernica de Picasso.      

Curiosidades de unos tiempos violentos, de una España en guerra que tenía que cumplir con el mundo.


18.1.17

La sonrisa de alas flameantes de Joan Miró

Del año 1953 tenemos hoy esta obra de Joan Miró que tituló “La sonrisa de alas flameantes” pintada al óleo sobre una arpìllera. Surrealismo puro de un Joan Miró maduro pues tenía 60 años cuando la realizó, y se compone de las clásicas formas y líneas de esa simplicidad infantil que se reconoce en casi todas las obras de Miró.

Una obra donde la sonrisa y las alas de fuego, pueden ser sólo distinguidos desde una mentalidad casi de niño, de la cual Miró hacía un uso muy extendido entre todos sus cuadros.

16.1.17

Xilografía del siglo XV con los Reyes Católicos

La fotografía nació mucho antes del siglo XIX, aunque no empleando papel sensible a la luz sino sistemas que dominaban con tintas. Esta xilografía es del siglo XV nos muestra a los Reyes Católicos recibiendo a un fraile que les lleva un libro escrito por él, en compañía del que presuntamente lo había escrito. 

Los libros en aquellos siglos eran un lujo para la libertad de quien tenía la posibilidad de poseerlos y cultivarse con ellos. Libertad por cierto, que no tenía nada que ver con el concepto que hoy entendemos por libertad. Era libertad para pensar, para imaginar el mundo y sobre todo libertad para hablar con Dios.

María Pilar Burges y la noche de París

Este gran mural estuvo en el salón principal del Café París de Zaragoza, y fue pintado por la artista zaragozana María Pilar Burges en el año 1959 poco antes de irse a Roma.

Mezcla la seriedad del tema de la noche de París, desde una óptica muy pop, casi neocubista, con una figuración que llena el ambiente de los iconos de esa noche parisina de fiesta, amor y alquiler. El uso de los colores es ideal para un local por su sencillez y a la vez su colorido nada estridente.

Eduardo Urculo en una obra de juventud

Esta obra de un Eduardo Urculo Fernandez es un cuadro del año 1959, es decir, un cuadro de un Urculo joven pues tenía 21 años. Es uno de sus primeros cuadros realizados nada más llegar a París donde recibes durante unos meses clases de arte en La Grande Chaumière de Montparnasse. Sin duda es una obra que poco tiene que ver con todo su trabajo posterior, pero que nos muestra sus inicios y su forma de dominar y atreverse con los colores potentes.

Grabado de San Miguel luchando contra Luzbel

Grabado del artista flamenco Hieronymus Wierix realizado en el año 1584 y dedicado a Benito Arias Montano, humanista, hebraísta, biólogo y escritor políglota español de Sevilla, a partir de un modelo de Martín de Vos. Lo tituló San Miguel y Luzbel (Diablo, Demonio, Lucifer, Satán, Satanás) en forma de un ángel con cuerpo de serpiente, más que del clásico dragón.

14.1.17

Picasso, sus narices y sus vivos peinados

Hoy voy a dejar un Picasso para disfrutar del sábado, una mujer con dos narices al menos, que ensimismada está pensando tal vez sobre nosotros, que la estamos contemplando. La realizó Picasso en el año 1939. La tituló “Mujer sentada acodada”, y sin duda hay que reconocerle a Picasso una cierta osadía en la representación de su peinado. ¿Sólo por su peinado?

Dos hinojos de un artista anónimo

Muchas veces no sabes bien el motivo de que una obra de arte te atrape. Puede ser de lo más simple, sencilla en su ejecución y sus planteamientos y volúmenes. Pueden ser los colores, o el juego de formas. No sé.

Este cuadro lo ví en una cafetería de Birmingham y la atrapé con mi cámara. Simplemente me gustó y deseo que os guste a vosotros. Parece un par de ramas, de raices de hinojos. Pero ni eso ni el autor he llegado a conocer bien. Pero si nos gusta, da igual todo lo demás.

13.1.17

Lee Bul y sus mundos futuros del presente

Esta reconocida artista surcoreano, Lee Bul, es de las que crean sorpresas, montajes de mundos extraños que te obligan a mirar de otra forma el mundo, para trasladarte sus propios mundos y hacerte dudar de dónde estás.

Su trabajo cuestiona la autoridad patriarcal y la marginación de la mujer revelando ideologías que permean nuestras esferas culturales y políticas. Estos temas toman forma en esculturas e instalaciones frías mecánicas que reflejan los ideales de una sociedad futurista que crea para nosotros y nuestros pensamientos.

En sus trabajos intenta que el espectador utilice todos los sentidos, incluido el olfativo, para que se traslade a sus mundos creados para hacer pensar y para provocar. Esta obra la instaló en Birmingham y la tituló “Subterráneo”.

9.1.17

Lita Cabellut, una gran artista aragonesa que no conocemos


La artista aragonesa Lita Cabellut, nació en Sariñena (aunque se diga en algunos lugares que nació en Barcelona) aunque pronto se fue a la Ciudad Condal a vivir de forma muy pobre hasta que fue adoptada con ya 12 años y tuvo su primera exposición en Madrid con 17 años. Hoy es la mujer española que más cuadros vende según la lista de ArtPrice, de los 500 artistas más reconocidos en el mercado del arte mundial, apareciendo en el puesto 333, por delante de los españoles Juan Muñoz y Miquel Barceló, y sólo por detrás de los artistas españoles Antonio López y Jaume Plensa, que componen los cinco creadores de esta lista Top 500.

Con 19 años se fue a Holanda e inició sus estudios artísticos en la Gerrit Rietveld Academy en Ámsterdam donde basó su trabajo artístico en la influencia de los grandes maestros holandeses con técnicas personales contemporáneas que la han convertido en una artista con una identidad propia y muy actual.

Trabaja siempre en gran formato, con técnicas muy similares al fresco y con una paleta de colores reducida y muy propia, donde los tonos de piel son una constante en su forma de entender el color y la formas. Sus grandes pinceladas recuerdan en algunos aspectos a la pintura de Francis Bacon.

Lita Cabellut es una artista que tanto trabaja el óleo sobre lienzo, como dibujos en papel, escultura, fotografía, poesía, poemas visuales o vídeos. Casi siempre retratos con una mirada muy especial de los encuadres y las formas.

Declaración

Si mis pinceles pudieran hablar.
Si mis pies fueran capaces de dar un paso adelante y otro atrás, para ganar la perspectiva sobre lo que yo veo.

Si en mi cabeza la confusión y la duda no reinaran.
Pues si no lloro y grito, me río. 

Si yo no estuviera deslumbrada por el blanco y movida por el añil
¡Qué soledad! 

Qué soledad tendría conmigo misma, trabajando en serie.
El proceso de la pintura comienza con el encuentro del concepto. 

Me siento en una silla y no me muevo hasta que yo tengo en mente el proyecto.
Yo ya no soy una simple pintora, soy una cuentista de relatos.

Lita Cabellut