Luz y artes

CAI Luzán muestras 47 visiones distintas sobre "El Paisaje"

2012-01-26T09:23:00.001+01:00

Si os gusta la pintura, el arte, contemplar una buena y amplia exposición, muy variada en los diversos modos de entender el paisaje a la hora de trasladarlos a un lienzo o a un simple papel, no dejéis de visitar la exposición “El Paisaje en la colección CAI” que la Caja Inmaculada presenta en la Sala Luzán de Zaragoza, en el Paseo Independencia.

Entrada libre desde las 19 a las 21 horas, de lunes a sábado, hay tal diversidad de modos pictóricos o de otras calidades artísticas, que casi es imposible que no te sorprendan algunos, no te encantes más de uno. Son 47 obras de la colección propiedad de CAI a través de las obras que adquiere por prestar sus locales a exposiciones de artistas muy variados.

Más de la mitad de estas obras son de artistas aragoneses, y hay tanto pintura como escultura, fotografía, grabado o cerámica. Durante un mes se podrá ven en Zaragoza para después y tras una selección de las obras, se expondrá por diversas poblaciones de Aragón, par que las puedan contemplar desde toda la comunidad aragonesa. Son obras que se han ido incorporando a la colección de la CAI durante los 50 años que lleva su Servicio Cultural exponiendo obras de muy variados artistas aragoneses o no.

La obra que dejo en la entrada, es una fotografía de gran tamaño del aragonés Felix Navarro.

Picasso pinto hace 50 años este “El pintor y la modelo”

2012-01-25T12:38:00.000+01:00

Son bastantes las variables que como un modelo de pintura y grabado que se repetía en su temática y encuadre, realizó Picasso con el título de “El pintor y la modelo”.

Este ejemplo que os dejo está en el Museo Reina Sofía y es del año 1963. Picasso vuelve la pintura sobre sí misma en la serie El pintor y la modelo, 1963, generando un pliegue meta-artístico irresoluble, ofreciendo una perspectiva única del ocaso de la pintura como medio privilegiado de experimentación de vanguardia.

El Arte es lo que tú quieras que sea Arte

2012-01-22T11:17:00.001+01:00

Muchas veces el arte se nos presenta delante de nosotros en forma de una iluminación, del conjunto o mezcla de unos elementos de diferentes colores que se mezclan en un momento determinado, en una encuadre selectivo o casual, en un instante en el que la luz es diferente.

Esta —mala— imagen es de una zona de la playa de Barcelona. No había luz por unos minutos ni cámara fotográfica en condiciones, refleja un instante determinado que unido a los sentimientos personales del que observa, pueden ser un excelente momento para la reflexión, la contemplación o el disfrute.

Esto es también el ARTE con mayúsculas. Hay que simplificar el arte para llevarlo a la gente, Enseñar a mirar y a disfrutar. A ver y contemplar lo diferente que pueden ser los objetos si los miramos de manera diferente, si los acompañamos de sentimientos o de ganas de que nos digan algo más que en otras ocasiones.

El ARTE es sobre todo saber mirar y ver. Contemplar y que se nos muevan las entrañas. Disfrutar y valorar el instante. El ARTE es lo que tú quieras que sea ARTE.

P.D. Si, sobra la grua de la derecha, pero puedo jurar que no la vi en el momento importante de la contemplación. No existía. Ahora ya no tiene ninguna importancia, pues el ARTE se produjo allí y no ahora y aquí. SEguro que la torre de vigilancia no debería tocar nunca el edificio, pero allí, tampoco lo tocaba. Lo de menos es la fotografia, lo de más es la contemplación en aquel momento.

Clyfford Still, pionero del expresionismo abstracto americano

2012-01-17T12:40:00.000+01:00

Clyfford Still fue un pintor estadounidense que investigó y practicó el Expresionismo abstracto, como un nuevo método de expresión tras la Segunda Guerra Mundial, siendo todavía en la actualidad muy reconocido por sus trabajos al oleo de gran tamaño. Él y su obra salieron en vida poco de EEUU pero hoy se pueden admirar en los mejores museos del mundo. Esta obra, de 1951, se puede contemplar en el Museo Reina Sofía de Madrid. Sus grandes campos de color, gruesos y en relieve en alguna medida, le confieren un poder de atracción muy amplio dentro del expresionismo abstracto. En la actualidad hay un Museo Clyfford Still en la ciudad de Denver en Colorado.

Natalio Bayo dona 294 grabados al Museo del Grabado de Fuendetodos

2012-01-14T18:31:00.000+01:00

La sala 'Ignacio Zuloaga' de la localidad zaragozana de Fuendetodos —localidad natal de Goya— acogerá desde el 14 de enero de 2012, la exposición 'Natalio Bayo; Estampas', una muestra compuesta por 40 obras del artista aragonés, que ha anunciado la donación de 294 piezas artísticas de su trayectoria durante los últimos cuarenta años. Un ejemplar de cada uno de sus grabados realizados en estos últimos años, para el Museo del Grabado de Fuendetodos.

Natalio Bayo, nacido en Épila es un pintor, grabador y dibujante con una gran cartera de trabajos en su haber, uno de los referentes del arte aragonés del siglo XX y que tiene el Premio San Jorge desde el año 1970, formando parte del grupo artístico Azuda 40.

Natalio Bayo ha explicado que el motivo de la cesión de su obra responde "a un deseo personal de donar a Aragón" buena parte de su trayectoria artística, y la elección de Fuendetodos para esta exposición fue "obvia, por su importancia pasada como lugar natal de Goya y por el esfuerzo presente de impulsar el patrimonio artístico desde el municipio".

En la creación artística de Natalio Bayo, cualquiera que sea la expresión técnica elegida —dibujo, acuarela, óleo, grabado, cartel, ilustración— "se impone siempre con rotundidad un conjunto de elementos formales y figurativos, que van desde el predominio del dibujo hasta su peculiar universo iconográfico, con los que queda configurada una fuerte personalidad artística", muy del Renacimiento, muy italiana, buscando una representación de personajes que trasmiten vida con una historia dentro.

La exposición de 'Estampas' de Natalio Bayo Rodríguez (Épila (Zaragoza), 1945) se inaugura este sábado, día 14 de enero, a las 12.00 horas en la sala Ignacio Zuloaga de Fuendetodos, donde se podrá visitar hasta el 25 de marzo, la selección de 40 grabados del total de 294 entregados como donación por el artista a Fuendetodos.

César Baldaccini, un escultor de variados materiales

2012-01-13T10:07:00.000+01:00

César Baldaccini fue un escultor francés del “nuevo realismo” que tras trabajar con el metal y restos de vehículos se adentró representando insectos para terminar su periodo artístico reflejando grandes dedos pulgares por las calles francesas, que no siempre fueron bien asimiladas por los ciudadanos que se los encuentran por Francia. Pero son obras muy bien integradas en las vías urbanas, lo que les entrega un carácter más social, pues no siempre las grandes obras deben estar encerradas en Museos.

César Baldaccini es considerado una figura emblemática del arte del siglo XX con el uso de materiales muy diversos, desde chatarra comprimida a diversos plásticos fundidos. "Creo que todos los materiales son materiales de escultor. No me parece que haya límites en la elección de los materiales. Es una cuestión de libertad y sensibilidad, es una cuestión de pasión... Yo hago el amor con la materia."

La imagen que dejamos, es del barrio moderno de París "La Defensé"

La obra de Andy Warhol se exhibe en Zaragoza en enero 2012

2012-01-09T23:21:00.001+01:00

Zaragoza va a tener el honor de acoger una exposición única del artista estadounidense Andy Warhol (1928-1987), pues se exhibirán a partir del 26 de enero en Zaragoza y por primera vez en Europa, un total de 99 retratos del artista fundamental en el “Pop Art”, según ha informado hoy la Obra Social de Ibercaja.

La muestra "Andy Warhol: Portraits", reúnirá 99 obras realizadas por Warhol entre los años 1940 hasta 1980, entre pinturas, impresiones gráficas, dibujos y fotografías, procedentes todas de The Andy Warhol Museum de Pittsburg (Pensilvania, EE. UU.), el museo inaugurado en 1994 y dedicado exclusivamente a toda su obra. Esta exhibición solo se ha presentado en The Andy Warhol Museum, en la primavera de 2010, y es la primera vez que sale de su sede y de los EE. UU para exponerse por primera vez en Europa.

Andy Warhol es considerado como el padre indiscutible del 'pop art', que revolucionó el arte moderno a mediados de los años 50 elevando a esa categoría objetos cotidianos, como las latas de comida Campbell, o con retratos coloristas de Mao Zedong o Marilyn Monroe.

La exposición "Andy Warhol: Portraits" se montará en el Patio de la Infanta de la sede central de Ibercaja en Zargoza, permanecerá abierta al público hasta el 15 de abril de 2012, e incluye trabajos emblemáticos de la vida de Warhol, como su infancia o sus primeros dibujos.

La muestra comienza con fotografías de un joven Warhol, solo o con su familia, y continúa con una faceta menos difundida, pero igualmente importante en el trabajo de Warhol: el 'dibujo', apartado en el que se exhibirán los primeros retratos a lápiz que el prolífico artista realizó a partir de la década de 1940. Estas obras de juventud corresponden al periodo en el que Warhol fue alumno del Departamento de Pintura y Diseño del Carnegie Institute of Technology, la actual Carnegie Mellon University). La muestra prosigue con sus dibujos coloreados con tinta, acuarela o anilina a partir de la década de 1950, coincidiendo con la ejecución de trabajos comerciales, como el que le encarga la cadena de zapaterías I. Millar para ilustrar su campaña de anuncios semanales en prensa, y que fue un gran éxito y se prolongó alrededor de tres años. El proceso de creación comenzaba con su máquina Polaroid, con la que disparaba numerosas fotografías del rostro del modelo, tras lo cual escogía una sobre la que trabajaba posteriormente. Esta exposición plantea un recorrido por estos personajes entre los que se encuentran grandes figuras de la música como Prince (1984) y continúa con estrellas de cine, entre las que destacan dos lienzos del actor Sylvester Stallone de 1980 y en los que aparece con y sin barba. Incluye además un lienzo de la actriz y activista Jane Fonda y sendas fotografías del actor Arnold Schwarzenagger (1977) y la actriz y cantante Liza Minelli (1977). El gran icono del 'pop', Mao, omnipresente en la obra de Warhol, aparece también en la muestra junto al expresidente estadounidense Gerald Ford (1967) en el apartado de políticos. Yves Saint Laurent (1972), Sonia Rikiel (1986) y Carolina Herrera se unen a la galería de retratos representando a los grandes modistos. Tampoco faltarán los artistas plásticos como Robert Mapplethorpe (1983) o Jean Michel Basquiat (1982), colaborador de Warhol en los 80, mientras que los escritores están representados por Tennessee Williams (1983) y Truman Capote (1979).

La abstracción de Luis Feito, fundador del Grupo El Paso

2012-01-08T10:29:00.000+01:00

La obra de Luis Feito —uno de los fundadores del Grupo El Paso— que os mostramos hoy del año 1960 y titulada “Número 179” esta influida por el automatismo, con superficies matéricas en colores blancos, negros y ocres rojizos, realizadas con mezcla de óleo y arena.

Dice el autor… “la pintura tiene valores propios y claros para producir emociones y sentimientos sin representar o simbolizar nada, cada espectador puede sentir una impresión distinta incluso a la del propio pintor”

Luis Feito es un gran pintor muy reconocidos en España y Francia sobre todo, aunque ha trabajado mucho tanto en Canadá como en EEUU. En los últimos años ha trabajado buscando la simplificación en la pintura, y trabajando la abstracción enmarcada con elementos geográficos que le daban sustento, sujeción, casi sentido.

El grupo argentino Mondongo trabaja con múltiples materiales

2012-01-03T09:22:00.001+01:00

El grupo de artistas plásticos “Modongo”, formado por tres argentinos jóvenes y extremadamente experimentales y maravillosos, llevan más de 10 años trabajando con diversos materiales como base para crear obras “casi” pictóricas en las que reflejan tanto a personajes como composiciones empleando materiales de lo más diversos. Esta imagen que dejo está realizada con plastilina, pero emplean madera, cristal, papel, hostias, embutidos, hilos de algodón, caramelos o multitud de materiales que les sirven para dar forma y color a sus obras. En los últimos tiempos han trabajado más los paisajes o el sexo como temática provocativa.

En el cuadro que dejo, se ve una amalgama de vísceras y trozos de personas, entre una lava de basuras y productos del uso habitual en estas décadas tan consumistas.

Arte doméstico infantil, libre y colorista

2012-01-02T09:31:00.000+01:00

Este diciembre, en una instalación simple y sorprendentemente ridículamente increíble para la Galería de Arte Moderno de Brisbane, el artista Yayoi Kusama construido un entorno doméstico grande, la pintura cada pared, silla, mesa, piano, y la decoración del hogar un blanco brillante, con eficacia sirviendo como lona blanca gigante. En el transcurso de dos semanas, los más pequeños visitantes del museo se dieron miles y miles de pegatinas punto de color y se les invitó a colaborar en la transformación del espacio, convirtiendo la casa en un vibrante explosión de manchas de color. ¡Qué grande es esto? Les da la oportunidad a mi hijo, probablemente podría cubrir todo el piano a solas en un cuarto de hora. La instalación, titulada La Sala de la obliteración , es parte de Kusama en la sombra, a mi lado la exposición que recorre 12 de marzo. (A través de Stuart addelsee , sccart y heybubbles )

Si te gusto este también disfrutarás de Romano Ondak la Sala de las alturas y Karina Smigla-Bobinski de helio escultura cinética de dibujo .

Arte en restaurante japonés de sushi. Jiro Ono nos enseña su amor por el sushi

2012-01-01T21:37:00.000+01:00

La gastronomía, la cocina, el cocinero que hace de su trabajo un Arte, también debe figurar en los álbumes en donde reflejamos los trabajos hechos con sentimientos con el deseo máximo de agradar a quien elija acercarse a ellos.

Jiro Ono es un cocinero japonés de 85 años que cuida el sushi como ninguno en su restaurante Jiro en la ciudad de Ginza, en donde con 3 estrellas Michelín sigue trabajando por entregar con mimo unos detalles de color, sabor, textura, maestría gastronómica. En su pequeño restaurante solo puede dar de comer a 10 personas a la vez, pero se preocupa en no aumentar el servicio para no perder la delicadeza, la calidad, el arte de un producto casi único. En el vídeo vean su concepto sencillo para suave y maravilloso de entender el sushi.

Una dama francesa de Antonio Saura

2011-12-31T12:22:00.000+01:00

En el año 1956, un Antonio Saura con 26 años pintó esta “Dama” al óleo sobre lienzo que hoy dejamos como despedida para un año 2011 que en ARTE nos ha dejado sus luces, demostrando que incluso con graves crisis económicas siempre habrá momento para disfrutar de aquello que nos gusta.

En aquellos años el pintos aragonés estaba trabajando en París pinturas de diseño orgánico y aleatorio sobre lienzo y sobre papel, mediante técnicas muy variadas. Realizó las series de los Fenómenos y de los Grattages y las primeras pinturas realizadas a partir de la estructura del cuerpo femenino como esta que os dejamos para despedir el año y que se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Cabezas y caretas, de José Gutiérrez Solana

2011-12-29T20:45:00.000+01:00

Este óleo de José Gutiérrez Solana pintado en 1943 y titulado “Cabezas y caretas” siempre me ha provocado admiración en mis visitas al Museo Reina Sofía. No sabría bien explicarlo, es un cuadro que produce dolor, miedo, temor incluso en sus colores algo apagados y tenebrosos. Refleja una España rural seria y pesimista, un país de postguerra lúgubre y doloroso. Pero tal vez ese dolor se ve en sus cuadros, se traslada al espectador sin decirle claramente en qué momento está pintado aquello. Es miseria, es hambre, es sociología en unos años de censura. Es la España rural reflejada en un oleo que intenta despertar poco a poco, a través de su emigración en busca de otros colores, de otras visiones.

Liliana Porter nos presenta “Arruga, instalación, ambiente I”

2011-12-27T21:38:00.000+01:00

Os dejo una instalación del Museo Reina Sofía de Madrid, de la artista argentina Liliana Porter, llamado “Arruga, instalación, ambiente I” compuestos de hojas de papel impreso en offset que cubren parcialmente una pared y que son arrugadas en sus extremos, tal y como indica el cartel explicativo. Liliana Porter se forma en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, y en la Universidad Iberoamericana de México. En 1964 se traslada a Nueva York, donde reside en la actualidad. Emplea juguetes, muñecos, fotografías o papeles para de manera irónica crear desconcertantes diálogos con los espectadores, obligándoles a entrar dentro de sus obras, para que formen parte de la obra como un elemento más del conjunto.

Cómicos. Publicidad de Campofrío maravillosamente melancólica

2011-12-24T09:49:00.000+01:00

El anuncio de Campofrío para esta Nochebuena, antes de las palabras del Rey en España, es una maravilla deliciosa y triste, a partes iguales. Un ejemplo enorme de que con la publicidad también se puede hacer ARTE y trasmitir historias. “Cómicos” en homenaje a Gila o a todos los que intentan hacernos reír. O incluso para todos los que tenemos que saber que de esta se sale con personalidad y ganas, sabiendo quien somos y hacia donde queremos ir, es un maravilloso ejemplo para hacernos pensar e incluso poner una gota de melancolía en nuestros corazones.

Jorobado se lo van a dejar al Rey esta noche.

Familia india en busca de su futuro, como caracoles plácidos

2011-12-23T17:28:00.000+01:00

Esta imagen es de Sivaram V y servida por Reuters —desde donde la he obtenido desde www.boston.com— me sirve perfectamente para en estas fechas de balance por un 2011 complicado, y en donde son centenares las imágenes que nos pueden servir para señalarnos este año muy duro, con terribles momentos repartidos por todo el mundo, con fechas que pasarán a la historia mundial, como parte de un mal año, pero vivo y espeso. Es una imagen artísticamente perfecta, completa como si de un acto teatral se tratara, ensenándonos el dolor y la tranquilidad a partes iguales. Tal vez dolor para nosotros, pero no para ellos.

He preferido elegir esta imagen atemporal casi, de una familia de pescadores de India, que a la afueras de la ciudad de Kochi, van ganándose su vida atravesando el río Periyar en busca de pescado que poder luego vender en los mercados, sobre cualqueir otra representación fotográfica para reflejar el día a día actual de muchos millones de personas. Cargan con todos el hogar encima, con su hija que plácidamente duerme en espera de su futuro. Refleja la pobreza que no podemos erradicar. También el arte fotográfico que es capaz de apoderarse de todos los sentimientos.

El papel de los museos debe cambiar. El Reina Sofía, un museo "viejo"

2011-12-20T14:10:00.002+01:00

En alguna ocasión lo he apuntado, insisto en ello, los museos, sobre todo los importantes, no pueden ser meros contenedores de obras, sino también o sobre todo lugares vivos, rompedores, y a su vez pedagógicos.

Y me refiero sobre todo por mis numerosas visitas al Museo Reina Sofía de Madrid. Su orden no me gusta, no es fácil dejarse llevar sin que parezca un barullo sin orden, entre fondos fijos, fondos movibles según épocas y exposiciones temporales. Pero sobre todo no entiendo de recibo que exposiciones puntuales a veces tengamos dudas sobre su elección y sobre todo no estén acompañadas de más información sobre sus formas, lo que representaron, como evolucionaron, incluso sobre el contexto histórico y cultural sobre los que se edificaron.

Lo sé, mucha gente no lee los carteles informativos, pero hay más fórmulas, como pequeños catálogos en papel pero sobre todo más información en internet para que el visitante puede completar su visita desde casa, rellenando huecos, ampliando lo vista. O incluso llegando ya con unos conocimientos básicos, suficientes.

Descubramos Alemania de la mano de Colonia y el Rin

2011-12-18T12:14:00.000+01:00

La arquitectura religiosa si además es gótica, impresiona. Pero pocas iglesias impresiona más que la Catedral de Colonia en Alemania. Por su color negro, por su tamaño y esplendor, por su posición junto al río Rin, por su interior con la presunta tumba de los Reyes Magos, por ser la segunda catedral gótica más grande del mundo tras la de Sevilla, por su gran plaza que la envuelve. Una catedral que tardó más de 600 años en terminarse; digo esto para los que se quejan de la enorme tardanza en la terminación de la Sagrada Familia de Barcelona.

Pero si nos acercamos a las tiendas de recuerdos que hay junto a la Catedral de Colonia, veremos que nos ofrecen imágenes y postales de cómo quedó la Catedral de Colonia tras la II Guerra Mundial y entonces sabremos que es casi milagroso que se hay podido conservar hasta estas fechas. Por cierto también nos venderán la famosa agua de colonia primitiva, la posiblemente auténtica colonia de Colonia, la primera colonia que se fabricó en el siglo XVIII.

Colonia es una ciudad para adentrarse en la vida alemana. No es posiblemente la mejor, pero sin duda es una ciudad que hay que conocer y saborear, con un tamaño muy idóneo para no perderse, que supera en poco el millón de habitantes pero posicionada y rodeada de otras grandes ciudades que también hay que visitar, como Düsseldorf, Bonn o Leverkusen. Ciudad por cierto, Colonia, hermanada con Barcelona.

Las torres con sus 157 metros de altura, fueron hasta 1884 el edificio más alto del mundo. Está advocada a San Pedro y Santa María y es el monumento más visitado de Alemania.

No olvide de visitar en colonia algunas de sus famosas cervecerías, alguna muy cerca de la misma catedral y en donde podrá disfrutar de bebida, comida y ambiente típicamente alemán de verdad.

Cristina Megía nos deja un cuadro titulado "Alicia"

2011-12-17T09:21:00.000+01:00

La pintura puede intentar ocupar espacios que hoy la fotografía llena completamente, pero no será nunca un intento por copiar procesos sino por representar lo que se desea añadiendo su particular manera de entender el arte. Por ejemplo en pintura se puede jugar mucho mejor con la iluminación, con los encuadres, con el punto de vista. Pero en arte mejor casi siempre es “más complicado” y por eso cuando algo sale bien o muy bien, es más valioso. También en pintura se puede trabajar la instantánea.

Os dejo un cuadro al oleo de Cristina Megía Fernández, titulado “Alicia” de la exposición de Ibrcaja Joven 2011.

Naturaleza imperfecta de Alejandro Monge

2011-12-16T00:25:00.000+01:00

Entre las obras seleccionadas en los Premios Ibercaja Joven 2011 está este cuadro al óleo —efectivamente no es fotografía y hay que mirar muy de cerca el original para asegurarlo— de Alejandro Monge. Es una obra de 200 por 200 milímetros; un cuadro grande y con todo lujo de detalle en piel y cabello. Una obra para disfrutar del trabajo pictórico realizado al máximo detalle que se llama "Naturaleza imperfecta".

En los barcos de guerra, también se puede jugar con música

2011-12-12T19:14:00.000+01:00

Los barcos de guerra pueden ser también simpáticos, si están parados y no trabajan para lo que los han creado. Tenemos el ejemplo del “HMS Ocean” que tras su guerra en Libia han creado un vídeo muy simpático para felicitar las navidades a sus familiares. Ha estado más de 7 meses fuera de su tierra `pero el sentido del humor no lo han perdido. Una pena haya sido un trabajo bélico, pues la paz siempre es mucho mejor que la más venial de las guerras.

DALeast es un artista chino Street Art / DALeast is a Chinese artist Street Art

2011-12-11T10:20:00.000+01:00

DALeast es un artista chino que nació en 1984 y que tras estudiar escultura en las Escuelas de Bellas Artes de su país comenzó a hacer de la calle un arte muy personal (Street Art ) en 2004 bajo el alias de DAL. Él se inspira en la forma en que el mundo material se mueve, cómo el mundo espiritual se despliega para convencer, reflejando las emociones de la vida y el espacio infinito que nos rodea a todos. Él usa diferentes medios pictóricos, métodos diversos, disciplinas y espacios públicos o privados para crear sus obras, dando vida a animales o criaturas muy personales que por su forma de mezclar la pintura desde la óptica de la escultura en su creación, resultan muy originales y novedosos. También hace pintura de estudio y vídeo. La imagen que dejo en la entrada es de París.

DALeast is a Chinese artist who was born in 1984 and who after studying sculpture in the Art schools of his country began to do very personal art of the street (Street Art) in 2004 under DAL's alias. He inspires by the form by that the material world moves itself, how the spiritual world despliega to convince, reflecting the emotions of the life and the infinite space that us makes a detour to all. He uses different pictorial means, diverse methods, disciplines and spaces public or deprived to create his works, giving life to animals or very personal creatures that for his way of mixing the painting from the optics of the sculpture in his creation, turn out to be very original and new. Also it does painting of study and video. The image that I leave in the entry is from Paris.

IV Premio de Pintura Joven de Ibercaja para Alcoy Ferrán

2011-12-10T10:28:00.000+01:00

El Museo Camón Aznar de Zaragoza, propiedad de Ibercaja, nos muestra hasta finales de diciembre de 2011 la obras ganadoras y seleccionadas del IV Premio de Ibercaja de pintura joven.

La obra ganadora, de la que dejo una imagen en “VIII Estudio de Color” del pintor de Alcoy Ferrán Gisbert, que en acrílico ha pintado unas barras difuminadas de gran calidad técnica pues los difuminados siempre son complejos y más cuando son el único elemento de la obra, que sorprender por su atrayente conjunto que casi embriaga al contemplarlo.

Pero debo decir que varias de las obras expuestas son realmente maravillosas y merecedoras de los mismos premios o selecciones para ser adquiridas. Y no siempre los gustos y la decisiones de adquisición por parte de Ibercaja encajan con los gustos míos, algo normal cuando la calidad en general es muy alta. Iremos dejando una selección de obras en este blog, para conocer mejor el arte nuevo de la joven gente que se ha presentado a este IV Premio de Pintura Joven de Ibercaja.

Madison Young, actriz porno muy polifacética y amante del arte

2011-12-08T11:58:00.001+01:00

Madison Young, nacida Tina Butcher hace 31 años, es una actriz porno americana que a su vez es directora de cine, actriz de teatro, escritora, educadora sexual y fundadora de la Galería de Arte Femina Potens “La mujer también pude”, que desde San Francisco (California) y sin ánimo de lucro, intenta dar a conocer obras de arte contemporáneo con mayor o menor componente artístico y sexual en las obras presentadas. Aun siendo su trabajo más conocido el de actriz pornográfica, es una defensora feminista que intenta orientar su trabajo hacia el porno para mujeres.

Este verano la misma Madison Young presentó una colección de fotografías de ella misma amamantando a su hijo, como muestra una vez más de que la mujer además de trabajar en muy diversas actividades, es siempre entregada madre.

Edificios del futuro, por la masificación de los seres humanos

2011-12-05T08:47:00.000+01:00

Destacado por la revista suiza de arquitectura Hochparterre, en su sección "Raumtraum" estas visualizaciones de futuras arquitecturas creadas informáticamente busca futuras formas de viviendas del futuro, creando nuevas posibilidades en el aire, una vez que todo esté ya ocupado.

Basado en formas de alojamiento icónicas, estos edificios fueron pensados como prototipos para la ocupación de masas de personas una vez el mundo estuviera lleno. Las casas se crean automáticamente, pero a los procesos de creación se les introduce unos errores matemáticos para que creen los edificios aleatoriamente, creando formas imposibles pero realmente muy artísticas.

Monográfica.org nueva revista digital para el diseño

2011-12-04T21:04:00.000+01:00

Hay que felicitar y dar una palmadita de apoyo a todas las buenas ideas que buscan ampliar las posibilidades de la red, de internet, con buenos productos, con novedosas ventanas que trabajan por enseñar, por aprender, por mostrar y opinar con elegancia y mucho trabajo.

Monográfica.org es una revista digital, nueva y dedicada al diseño, muy bien desarrolla y con muchas ganas de abrirse un buen espacio en internet. Sus más de 100.000 visitas en el primer mes de vida, avalan la idea y le entregan la plaza para abrirse un buen camino en la red. Es cuestión de que sigan trabajando con fuerza y dedicación.

El poeta chileno Nicanor Parra, Premio Cervantes 2011

2011-12-01T16:24:00.000+01:00

El poeta chileno Nicanor Parra ha recibido hoy el Premio Cervantes por su trayectoria literaria, su influencia en otros escritores y como creador de la corriente llamada antipoesía. También ha realizado una gran obra de poesía visual.

Poeta, cuentista y ensayista, nació en San Fabián de Alico, en 1914 y aunque perteneció a una sencilla familia campesina, hermano de la cnatante Violeta Parra, heredó de sus padres una gran sensibilidad artística.

Después de sus estudios básicos, se recibió como profesor de Matemáticas en el Liceo de Chillán y en la Universidad de Chile, en 1938. Durante varios años estuvo viviendo en Estados Unidos e Inglaterra, gracias a becas otorgadas por institutos privados regresando a Chile en 1951.

Lo que yo necesito urgentemente

es una María Kodama

que se haga cargo de la biblioteca

alguien que quiera fotografiarse conmigo

para pasar a la posteridad

una mujer de sexo femenino

sueño dorado de todo gran creador

es decir una rubia despampanante

que no le tenga asco a las arrugas

en lo posible de primera mano

cero kilómetro para ser + preciso

o en su defecto una mulata de fuego

no sé si me explico:

honor y gloria a los veteranos del 69!

con una viuda joven en el horizonte

el tiempo no transcurre

¡se resolvieron todos los problemas!

el ataúd se ve color de rosa

hasta los dolores de guata

provocados x los académicos de Estocolmo

desaparecen como x encanto

Natalia Drepina, fotógrafa rusa muy joven

2011-12-01T09:22:00.000+01:00

Natalia Drepina es una joven fotógrafa rusa de solo 22 años lo que nos da una muestra de hasta donde puede llegar si sigue trabajando serio en su forma d expresión fotográfica y que vive en Lipetsk, Rusia.

Estudia la psicología y trabaja como diseñadora gráfica, a la vez que escribe música y poesía. Esta mezcla compleja pero también muy completa se nota en sus imágenes en donde busca la expresión de sus modelos, queriendo decir algo más que una simple imagen, escondiendo detrás una pequeña historia que hay que adivinar.

Lleva 4 años fotografiando con modelos la figura humana, a veces jugando con el desnudo como elemento que destapa lo accesorio y deja todo más limpio para trasmitir su pequeña historia, su idea artística.

“Somebody to love”, Freddy Mercury y la música clásica moderna

2011-11-26T12:56:00.000+01:00

Hoy me apetecía escuchar un poco de Queen, del gran Freddy Mercury con esa grandiosa voz que encajó perfectamente en su rock, su música más rompedora y moderna. La vida es un pasar, es también un construir, un ir dejando posos para que se puedan revisar, escuchar o leer, observar o consumir. Un artista genial, considerado el artista mundial (sin olvidar su origen indio, asiático) que más influyó en la música moderna.

Os dejo “Somebody to love”

Paulina Rubia, Bravo! y Youtube

2011-11-24T12:11:00.003+01:00

Nos cuenta Paulina Rubio, en la presentación de su nuevo disco, que las nuevas tecnologías, es lo que tienen, que ahora presentas antes en internet tu pequeña interpretación de promoción para Youtube y en menos de un mes ya te han visto dos millones de personas y que como les gusta la canción, te compran el disco.

Compungido este oscuro servidor, escuchando la escasa calidad de la cancioncita que nos presenta, acude raudo a Youtube a ver si realmente esos dos millones de visitas son ciertas o mentirosas.

Y me encuentro con la sorpresa que en este momento son ya 2.829.253 visitas las que ha tenido Paulina Rubio con la canción “Me gustas tanto” del disco “Brava!”. Para que luego digan que internet no ayuda a los músicos a darse a conocer y a vender sus creaciones. ¿Beneficios?, pues si, Youtube paga por la visión de los vídeos que se cuelgan, y sin tener que hacer un gran trabajo, pues el vídeo es el mismo que se emplea para la promoción. Y además ayuda a vender sus discos.

Juan José Vera Ayuso, Premio Aragón Goya 2011

2011-11-21T23:51:00.002+01:00

El pintor y escultor Juan José Vera Ayuso, nacido en Guadalajara pero que vive en Zaragoza desde los 7 años de edad, y miembro fundador del Grupo Zaragoza, ha sido propuesto para el Premio Aragón Goya 2011 por su condición de "pionero" de la abstracción en la pintura aragonesa y artista de una "trayectoria sólida y coherente, con una radical fidelidad a sus presupuestos estéticos ".

Vera Ayuso estudió primero en Zaragoza y Barcelona, y en 1976 finalizó sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, donde obtuvo el premio de la Dirección General de Bellas Artes. En la década de los ochenta del siglo pasado estudió en Alemania y en Estados Unidos.

Los retratos, paisajes y autorretratos, entre 1942 y 1946, marcan una primera fase del artista, que dio paso a la obra abstracta, de 1947 a 1948. Tras una serie de collages y aguadas, entre 1956 y 1958, en 1961 sustituye la tela por la tabla como soporte, que mantiene hasta 1971, e incorpora hierros a partir de 1962. Retoma la escultura en 1986 para concluir, hasta el año 2000, un número considerable de obras en madera y hierro.

El Premio Aragón Goya 2011 tiene como objetivo reconocer una labor continuada o de especial notoriedad e importancia de personas, instituciones o entes aragoneses, en los ámbitos de la creación e investigación literarias. Se instituyó en el año 1996 con motivo del 250 aniversario del nacimiento de Francisco de Goya, figura universal y precursor de muchas de las corrientes del arte contemporáneo, con el ánimo de que su nombre figure unido al de Aragón. Tiene periodicidad anual y está destinado a reconocer públicamente la trayectoria de artistas destacados.

Arte fotográfico llevado al dolor inexistente

2011-11-19T18:29:00.000+01:00

A veces una imagen nos lleva a imaginar mentiras simpáticas o crueles.

Depende de la imaginación del autor, de lo que se intente mostrar con más o menos “arte” dirigido.

Lo curioso de la imagen es que parece no producir dolor ni tan siquiera un ligero reguero de sangre.

Es como una simple paquete de salchichas ahumadas, ligeramente crudas.

Una fotografía que vale 3,2 millones de euros

2011-11-16T00:05:00.001+01:00

Cuesta entender que una fotografía coste 3,2 millones de euros (4,3 de dólares). Que se pague por ella esa cantidad astronómica. El autor de la fotografía más cara hasta el momento es Andreas Gurksy de la escuela fotográfica de Düseldorf y que parece que todo lo que dispara con su cámara fotográfica lo convierte en millones de euros.

Es un fotógrafo que gusta de jugar mucho con las líneas rectas, con las líneas convergentes, jugando con la arquitectura y los paisajes hasta encontrar formas que no todos somos capaces de ver antes de que nos las muestren encuadradas, recortadas.

Los precios de estas obras no tienen nada que ver con el valor del arte sino de la inversión y posiblemente con el dinero fácil de conseguir y de emplear en riesgos de inversión.

Guy Bourdin, un fotógrafo provocador, un artista de la moda

2011-11-15T16:41:00.000+01:00

Guy Bourdin fue un fotógrafo de moda y publicidad que falleció hace 20 años a la edad de 62 años. Pero todavía son muy conocidas sus obras fotográficas provocativas, artísticamente muy modernas que han servido de inspiración y a veces de plagio por algunos fotógrafos que desean copiar formas de entender la moda y la figura humana totalmente embutida en trabajos artísticos.

La escultura de David Shrigley, un dibujante provocador

2011-11-14T19:12:00.001+01:00

David Shrigley es un mal dibujante pero un gran provocador, un artista que con pocos elementos plantea dudas y dramas, nos obliga a replantearnos la vida o a soñar con la nada y con el todo.

En su nuevo libro “¿Qué demonios estás haciendo?”, David Shrigley nos plantea sus dibujos más sencillos pero también más tiernos o duros, depende de cómo los veamos. Arriba os dejo una faceta menos conocida. La escultura en metal.

La musicalidad de las obras abstractas de Kandinsky

2011-11-14T11:05:00.000+01:00

Wassily Vasílievich Kandinsky nació en Moscú en 1866 aunque gran parte de su obra se realiza en Alemania en donde introduce la pintura de vanguardia de Francia, para modernizar la concepción del arte europeo.

Ya maduro, en la cuarentena, Kandinsky influye claramente en el arte abstracto tanto en pintura como en explicaciones teóricas de lo que para él representa esta nueva línea artística, explicando sus ideas y concepciones de lo que plasma en sus obras. Se dedica también a la educación artística en centros rusos y alemanes, publicando algunos tratados de arte en donde mezcla lo espiritual, la filosofía, su pensamiento, su concepción del arte y las formas.

Mezcla en sus obras las formas geométricas claras y a veces contundentes, pero señalando sentidos en ellas, con colores que también valora según lo que pretende conseguir en el espectador de sus trabajos. El círculo es la perfección, el amarillo es la tierra y la firmeza, un círculo rojo no señala lo mismo que si este es azul o verde. Se trataría de intuir qué nos quiere trasmitir Kandinsky en sus obras. Es muy normal observar en sus obras una carta de colores y formas, en donde podemos revisar todos los colores que conforman su obra, como una pequeña partitura musical en donde nos muestras los compases. Sus obras son en realidad pequeñas sinfonías de colores y formas, obras musicales silenciosas.

Los desnudos amarillos que producen tristeza e incluso dolor

2011-11-11T00:27:00.000+01:00

Me ha parecido unas imagen dura, artísticamente compleja, curiosa en sus encuadres y formas, con mucha vida aunque produzca cierto mensaje de dureza, de falta de libertad, de tristeza. Los ojos cerrados de los integrantes de la imagen demuestran que no nos quieren ver a nosotros, que aunque permanezcamos como espectadores ante sus posiciones, ellos no quieren vernos, pasan de todos nosotros.

El negocio del Arte Contemporáneo, con subastas imposibles

2011-11-09T08:52:00.000+01:00

Que a veces estamos tontos, no hay duda. Que el Arte Contemporáneo a veces está sobrevalorado, también. El arte pop ha cautivado (o engañado) a los coleccionistas en una subasta millonaria en Nueva York, en la que el lienzo I can see the whole room and there's nobody in it!, de Roy Lichtenstein, ha sido vendido por 43,2 millones de dólares (31,2 millones de euros), y Silver Liz, de Andy Warhol, por 16,3 millones (11.7). "La obra de Roy Lichtenstein es una de las primeras pinturas en las que el autor se apropia de la estética de los cómics y marca lo que conocemos como pop art", ha dicho Koji Inoue, el responsable de arte de posguerra y contemporáneo de la casa de subastas Christie's en Nueva York, que ha organizado la puja.

Roy Lichtenstein (1923-1997) pintó este lienzo en 1961 y en él retrató a un hombre que mira a través de un hueco en una pared a la vez que pronuncia la frase que da título a la obra, y que se podría traducir por "Puedo ver la habitación entera, y ahí no hay nadie". "Se trata de un trabajo seminal y un contragolpe a lo que hacían en la época los expresionistas abstractos. Tomó la banalidad y la incorporó a sus obras", explica Inoue, que ha agregado que en la actualidad "la demanda de arte pop a ciertos niveles es insaciable".

Adquirir Arte Pop es sin duda una manera de invertir, totalmente alejada de lo que realmente es el Arte, y lo curioso es que es rentable pagar estas cantidades por un cuadro que aunque histórico por el momento en que se creó, no tiene nada de extraordinario visto desde la óptica artística de hoy. Incluso en su momento, crear obras de gran formato basándose en comic pequeños nunca debería haber tenido el éxito obtenido, pues hay trabajos de comic originales que son maravillosos y pasan por precios bajísimos.

Esta obra en concreto se vendió en 1988 por 2 millones de dólares, más de veinte veces menos que 23 años después. Sin duda es un gran negocio del Arte Contemporáneo, que nada tiene que ver con la calidad de la obra.

“Plaza Elíptica” del Capitán Torrezno, Premio Nacional de Cómic 2011

2011-11-08T19:58:00.000+01:00

Santiago Valenzuela (San Sebastián, 1971) ha sido designado con el Premio Nacional de Cómic 2011 por el libro de cómic “Plaza Elíptica” del Capitán Torrezno. Formado en la obligada transición por el fanzinerismo que marcó la década de los año 1990, Valenzuela sorprendió a propios y extraños con la aparición en 2001 de Horizontes Lejanos, inicio de una de las series más sorprendentes que ha visto el tebeo español, las aventuras del Capitán Torrezno, que trasladaba las clásicas historias de fantasía inspiradas en Tolkyen a un perdido sótano de Madrid, donde el azar generaba un mundo en miniatura tan increíble como imposible, en el que una de las clásicas figuras que habitan los bares de arrabal, un torrezno, se convertiría en el paladín y defensor de este extraño mundo.

A lo largo de las seis primeras entregas de la saga, Valenzuela iría construyendo un microuniverso particular que es capaz de asimilar con tanto descaro como inteligencia influencias tan variadas como las surrealistas aventuras del Philemon de Fred -una de las obras maestras del cómic francés-, Los Viajes de Gulliver de Swift o el imaginario de Jorge Luis Borges, para reescribirlas en términos de una realidad más cercana y palpable, que transforma lo que podía haber sido una parodia al uso en una feroz y vitriólica perspectiva de lo cotidiano más próxima a Azcona y Berlanga que a los clásicos de la aventura fantástica.

Un nuevo género que Valenzuela se saca de la manga y que va alimentando en cada nuevo título, construyendo una visión del mundo real que toma como ladrillos elementos de la cultura popular; las páginas de esta inaudita serie van evolucionando para ir refinando la infinita capacidad del autor para la provocación intelectual, acompañando su grafismo de abigarrado horror con infinitos textos que componen páginas barrocas y sobrecargadas, que obligan al lector a detenerse tanto en la contemplación del minucioso trabajo de dibujo como en la asimilación del torrente de ideas que caracteriza la obra de Valenzuela.

Durante seis años, Torrezno no faltó a la cita con sus lectores: Escala real (2003), Limbo sin fin (2003), Extramuros (2004), Capital de provincias del dolor (2005) y Los años oscuros (2006) conformaron una de las obras más titánicas que ha dado el cómic europeo en el siglo XXI, pero dejaron a un autor exhausto, que dedicó los años siguientes a explorar otras opciones.

Para alegría de sus incondicionales fans, este periodo sabático del torreznismo le permitiría volver en 2010 a su personaje más carismático con fuerzas renovadas. Plaza Elíptica, más que una segunda parte, se configura como un punto de inflexión en la continuidad de su modo personal de crear cómic. El Premio Nacional supone un reconocimiento lógico a una de las obras más importantes que ha dado el cómic español en el siglo XXI.

¡Volumen! en el MACBA de Barcelona hasta abriil de 2012

2011-11-08T11:17:00.002+01:00

Ayer se presentó la muestra, ¡Volúmen!, comisariada por el director del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), Bartomeu Marí, en colaboración con la Fundación La Caixa y que llena las tres plantas del blanco edificio de Richard Meyer y, como señala el título, quiere articularse en torno a la introducción del sonido en la práctica artística en el tránsito del siglo XX al XXI. Es, en realidad, la primera de una serie de tres exposiciones que servirán para mostrar la amplitud y profundidad de esta colección.

En diciembre, CaixaFórum Madrid acogerá, bajo el título La persistencia de la geometría, la centrada en la escultura, y la tercera, El espejo invertido, recalará en el Guggenheim de Bilbao ya entrado 2012. También hay exposiciones previstas en el CaixaFórum de Palma de Mallorca y se trabaja en proyectos de itinerancia por Latinoamérica y Asia.

Para ¡Volúmen! Bartomeu Marí ha reunido 350 obras de 75 artistas. Hay piezas muy recientes adquiridas por el Macba, como la instalación Between the frames: The Forum (Barcelona), de Antoni Muntadas; el proyecto cinematográfico 1395 Days without Red, de Kameric y Sala o la sugerente Modernología, de Florian Pumhösl, que se sostienen holgadamente frente a la potencia de la exquisita selección de piezas de la década de 1980, el momento mágico de la colección LaCaixa, dirigida entonces por María Corral, que consiguió reunir un núcleo extraordinario de obras que hoy en día sería prácticamente imposible adquirir.

"Por primera vez la colección del Macba empieza a mirar a los ochenta, que ya son historia", admitió Bartomeu Marí; una década clave, recordó, en la que se deja atrás la producción pictórica abstracta, que ve la irrupción de la fotografía y en la que se produce "la domesticación de la noche". Un fenómeno, el de la aparición de los locales nocturnos identificados por su decoración, que hará escuela y creará el modelo del diseño barcelonés y del que ¡Volumen! incluye curiosos planos y fotografías de algunos de los bares de moda más célebres de aquellos años.

La muestra podrá verse en el MACBA, Barcelona, hasta el 23 de abril de 2012.

Santiago Auserón, Premio Nacional de Músicas Actuales 2011

2011-11-03T18:05:00.002+01:00

El aragonés Santiago Auserón ha sido galardonado con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2011 que concede el Ministerio de Cultura. Esta es la tercera edición de esta distinción, con la que anteriormente fueron reconocidos Joan Manuel Serrat (2009) y Amaral (2010). En su fallo, el jurado ha destacado "la gran versatilidad del artista, que le ha permitido transitar desde el pop de vanguardia hasta el blues, pasando por el danzón y otros sones latinos". Además, ha subrayado especialmente "sus trabajos de investigación y la calidad poética de sus letras". El Ministerio de Cultura señala en su nota que "Radio Futura ha sido reconocido por diversas emisoras de radio y revistas especializadas como mejor grupo español de la década de los 80, y mejor grupo español de los últimos 25 años, según la votación de RNE, Radio 3, realizada en 2004".

Nacido en Zaragoza el 25 de julio de 1954, estudió Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid y en la Université de Vincennes, París VIII. Fue cantante y compositor del grupo musical Radio Futura entre 1980 y 1992 con notable éxito. En una nueva etapa, creó su alter ego Juan Perro (desde 1993 hasta la actualidad), y también ha publicado álbumes con su propio nombre ('Las Malas Lenguas', 2006). Desde 1977, Auserón publica artículos sobre música, arte y pensamiento en diarios y revistas especializadas. Realiza la traducción del libro 'La Ciudad Infinita de Catherine Franois' (Pre-Textos, Valencia, 1992). Da conferencias sobre la nueva música popular en el País Vasco y Madrid, y otras de contenido filosófico y musical en las Universidades de Madrid, Granada y Valencia. Publicó 'La imagen sonora. Notas para una lectura filosófica de la nueva música popular' (Episteme, Valencia, 1998); 'Canciones de Radio Futura' (Pre-Textos, Valencia, 1999) y el artículo 'Notas sobre Raíces al viento', en el libro 'Las culturas del rock', editado por Luis Puig y Jenaro Talens, (Pre-Textos, Valencia, 1999).

Como Juan Perro ha publicado 5 discos, el último de ellos en 2011 ('Río Negro'), y ha obtenido premios al mejor músico del año (Cambio 16, 1995), mejor disco de rock latino en español (por 'Raíces al viento', según la revista La banda elástica de Los Ángeles, EEUU, 1995), premio a la mejor trayectoria artística (La banda elástica, Los ngeles, EEUU, 2000). En reconocimiento al conjunto de su labor cultural, recibe la Medalla de Oro Santa Isabel de Portugal, de la Diputación Provincial de Zaragoza (2002) En 2009 volvió a la carretera con su alter ego Juan Perro y giró por toda España con reconocimiento de público y crítica. Recibió también el premio del Ayuntamiento de Montilla (Córdoba) 2009, como homenaje a su trayectoria artística y profesional, en reconocimiento a su aportación a la música.

Santiago Auserón, en declaraciones a Efe, se ha definido como un "aprendiz en movimiento", un "estudiante" sempiterno. "No pensaba en este tipo de reconocimientos. Pensaba más bien en sostener la vela a pesar de las dificultades", ha manifestado minutos después de recibir la llamada de la ministra Ángeles González-Sinde para comunicarle el fallo del jurado, que ha destacado "la gran versatilidad del artista, que le ha permitido transitar desde el pop de vanguardia hasta el blues, pasando por el danzón y otros sones latinos". Además, se subraya "sus trabajos de investigación y la calidad poética de sus letras". El músico destaca como su principal cualidad "la persistencia en tratar de que el formato de canción popular asuma riesgo creativo, que no se convierta en mercancía y en mantener su valor como aventura del conocimiento". Por ello, le gusta "meterse en complicaciones", "buscar ideas que no son fáciles" para ofrecer "una imagen de los tiempos que corren", eso sí, bajo la máxima de que "la canción tiene que ser transparente".

Carteles socialistas por el cambio ilusionante de antaño

2011-11-03T09:42:00.001+01:00

Vale, lo sé, son prehistóricos tiempos ajados y casi olvidados por los que tiene menos de 50 tacos. Pero os voy a confiar un secreto. Era un cartel ganador nada más salir por el lema, que hoy nos suena a manido y muy sobado. Bueno si, por el lema, por el líder, por el momento histórico, por…, ojo que veníamos de un golpe de estado y el miedo entre los españoles ha sido unas constante hasta ese momento.

Luego vino el desencanto, la trampa estudiada, el hacer lo que se puede y no lo que se quiere. El pragmatismo. Treinta años atrás todos éramos más jóvenes. Incluso los que ahora seguimos siendo unos niños. Abajo os dejo uno anterior, de 1977, para que veamos como la ilustración se abrió camino en aquellos años viejos.

El ilustrador Emilio Urberuaga, Premio Nacional de Ilustración 2011

2011-10-31T18:03:00.000+01:00

El diseñador e ilustrador Emilio Urberuaga (Madrid, 1954) ha sido galardonado con el Premio Nacional de Ilustración del año 2011 en España por el conjunto de su obra. "Me acabo de enterar, ha sido una sorpresa", dice Urberuaga al otro lado del teléfono. "Mi esposa me ha llamado al móvil de mi hija porque por suerte yo no tengo. He estado nominado en otras ocasiones y no me lo esperaba. Es muy bonito que los compañeros te premien".

Urberuaga comenzó su trayectoria como ilustrador en 1982 y ha trabajado en diferentes campos de las artes plásticas como el grafismo, el grabado o la estampación. Entre sus creaciones más populares está la imagen del personaje Manolito Gafotas de las novelas de la escritora Elvira Lindo. Emilio Urberuaga trabaja sobre todo para ilustrar trabajos dedicados al público infantil y prepara en la actualidad dos lanzamientos, Picolo y nuvola y Quién anda ahí. "Creo que este premio es un chispazo para que la gente se acuerde de que hay un mundo infantil que es prioritario, el futuro", afirma el autor. "El niño que ahora lee estos libros, en 15 años es un adulto que irá a comprar o descargarse otros. Hay que crear el hábito para que después lean. Trato que mi trabajo sirva para hacer mejores humanos, o lo intento por lo menos" "La ilustración infantil ha vivido en los últimos años un crecimiento importante, pero parece que en España cuesta más trabajo, aunque suene a lugar común", reclama Urberuaga. "Algunos ilustradores tenemos más proyección fuera de nuestro país, como me pasa en Japón".

La bebedora de absenta, llega a Madrid

2011-10-30T00:55:00.002+02:00

El Museo del Hermitage de San Petersburgo ha desembarcado en Madrid en el Museo del Prado, para enseñarnos parte de su colección de pinturas y obras de arte. Desde el 8 de noviembre de 2011 hasta el 25 de marzo de 2012 y patrocinada por la Fundación BBVA y Acción Cultural Española se puede disfrutar de unas obras que sin viajar hasta Rusia es imposible contemplar en su esplendor, como este cuadro que os dejo como referencia de Picasso “La bebedora de absenta”.

Fernando Botero nos enseña su particular forma de entender a Cristo

2011-10-29T10:12:00.000+02:00

Nueva York inaugura hoy la exposición "Vía Crucis" de óleos y dibujos de escenas sobre la Pasión de Cristo del artista colombiano Fernando Botero, en la Galería Marlborough de NY.

La exposición "Vía Crucis" incluye 27 óleos sobre lienzo y 34 dibujos sobre papel en los que aparece un Jesucristo gordo en línea con los personajes habituales del universo creativo de Botero. Lo más destacado de estas obras religiosas son un "contundente uso del color" de Fernando Botero, "que da a sus obras artísticas una belleza seductora y un impacto elemental", así como la habilidad del artista para "transmitir el patetismo y la emoción" en sus cuadros. "Botero puede ser humorístico y caprichoso, como demuestran a lo largo de los años algunas de sus pinturas, pero también es capaz de emplear su considerable talento para mostrar eventos trágicos como los de esta exposición", indica la Galería Marlborough.

La galería neoyorquina explica que con "Vía Crucis", el artista "ha retratado a un sujeto tan heroico y exaltado de una manera única de tal forma que ha transformado el relato manteniéndose fiel a sus hechos". Cabe mencionar en este sentido que Botero utiliza en esta serie de pinturas y dibujos, lugares y eventos actuales para contar la Pasión de Cristo, como una escena de la Crucifixión que tiene de fondo los rascacielos de Manhattan u otra en la que Jesús recibe latigazos de soldados colombianos en vez de romanos.

Rafael Sanz Lobato gana el Premio Nacional de Fotografía 2011

2011-10-26T20:08:00.000+02:00

Rafael Sanz Lobato gana el Premio Nacional de Fotografía 2011, que concede el Ministerio de Cultura de España. Según el acta del Jurado, que le ha concedido el premio por unanimidad, "su obra constituye un puente entre la nueva vanguardia neorrealista de la posguerra y los métodos de observación fotográfica posteriores al 68". Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932) ingresó en 1964 en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Un año más tarde creó junto a diversos fotógrafos el grupo La Colmena. Tras la desaparición del grupo se involucró en la formación del Grupo 5.

Gervasio Sánches Premio Nacional de Fotografía en 2009 ha comentado: "Es muy importante que se vuelva a recordar a fotógrafos de una generación olvidada a la que pertenece Sanz Lobato o Forcano, que ahora ya rondan los 80 y que a nivel fotográfico ha sido muy olvidada por las instituciones que otorgan este premio". El fotógrafo Rafael Sanz Lobato representa a una generación puente entre los 50 y los 70 cuya visibilidad ha sido relativamente menor en la cultura fotográfica española, precisamente por coincidir con un cambio de época histórica y política.

Desde sus comienzos, Rafael Sanz Lobato desarrolló una fotografía centrada en escenas costumbristas del campo, las ciudades de las provincias, las tradiciones festivas y el retrato. En 2003 recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el conjunto de su obra documental antropológica. Su tema es la transformación del mundo rural tradicional y las culturas populares, que enlaza con el problema del neorrealismo, pero en una época en que su trabajo se despliega como la memoria de un mundo que desaparece. "Su trabajo adopta un método de observación antropológica que tendrá múltiples consecuencias", justifica el jurado. "Asimismo su enfoque documental actualiza el lenguaje fotográfico e influye en el fotoperiodismo contemporáneo". "Sanz Lobato se ha mantenido fiel a un método de trabajo a lo largo de su trayectoria de más de treinta años y el conjunto de su trabajo mantiene una gran coherencia y solidez. Su trabajo no ha tenido aún el reconocimiento que merece", ha valorado el jurado.

La colección de Arte Contemporáneo de Pilar Citoler, busca novio

2011-10-26T13:00:00.000+02:00

Pilar Citoler es una odontóloga zaragozana con una colección de Arte Contemporáneo de más de 1.300 obras que ha ido adquiriendo en más de 4 décadas de dedicarse a disfrutar y recopilar cuento Arte Contemporáneo le gustaba para su colección, desde los más variados mercados de Arte de todo el mundo.

Obras de más de 500 artistas diferentes que van Eduardo Arroyo, Pablo Picasso, Joan Miró o Antoni Tapies; de artistas europeos como Dubuffet, Le Corbusier, Léger o Michaux, y de americanos como Warhol y Lichtenstein, configuran una colección de pintura, escultura, gravado, fotografía o vídeo que desearían poder tener en su seno cualquier ciudad que desee construir un Museo de Arte Contemporáneo con el que edificar un nuevo camino en el Arte expositivo.

Curiosamente esta colección se ha ido ofreciendo a algunas ciudades españolas, y como no, también a Zaragoza como ciudad de referencia junto a Madrid de Pilar Citoler; y en Zaragoza fue desestimado su ofrecimiento por el gobierno del PSOE en la DGA, recayendo al final un protocolo firmado de acogida en la ciudad de Córdoba, basado sobre todo en que esta ciudad sería elegida Capital Europea de la Cultura 2016. A la que por cierto también accedía Zaragoza, como recordamos con tristeza.

Ahora parece ser que el nuevo gobierno del PP en la DGA ha cambiado sus ojos hacia esta colección de Arte Contemporáneo, posiblemente de los más importantes en España, para poder ser cedidos a organismos públicos, como es lógico con unas compensaciones económicas que hay que estudiar y negociar. La valoración de esta obra puede estimarse en unos 10 millones de euros, lo que la convierte en admirable pero a la vez muy complicada de ponerla encima de una mesa de negociación pública. Córdoba mientras tanto se enfría en sus protocolos firmados pero no cumplidos todavía. ¿Interesa a Aragón una colección de Arte Contemporáneo como este, tan completo para iniciar un Museo pero posiblemente tan caro?, una buena pregunta con difícil respuesta.

Colores de África, en Zaragoza hasta diciembre

2011-10-25T00:17:00.001+02:00

Hasta el 11 de diciembre tenemos en Zaragoza, en el Centro de Historias, la exposición “Colores de África” en donde podemos conocer un repaso del arte africano desde el más antiguo al más contemporáneo, viendo el gran cambio que las sociedades africanas han realizado en su particular manera de entender el arte, con unos contenidos muy expresionistas, vivos de colores, llenos de una vida que impresiona por su peculiar manera de llenar los espacios con multitud de personajes llenos de vida.

Una exposición que no deben perderse, al menos para conocer qué se está realizando en África hoy, desde la visión que llega hasta el arte más contemporáneo.

Premio Nacional de Artes Plásticas en España, al Arte Conceptual de Elena Asins

2011-10-19T12:30:00.000+02:00

La artista Elena Asins ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas por ser una de las precursoras del arte conceptual en España. Sus creaciones son un mundo de objetos que se mueven entre el documento y la poesía con una entrega total a las matemáticas. Considerada como una precursora de la investigación sobre computación en el arte, el Museo Reina Sofía le dedica desde junio una muestra antológica con más de un centenar de obras, que Elena Asins define como fragmentos de su memoria.

El jurado ha concedido este premio "por la coherencia de su trayectoria y la vitalidad, complejidad y variedad de un trabajo vinculado con la tradición constructiva de la vanguardia. Una labor caracterizada por una resolución formal, depurada y abierta a un amplio abanico de lenguajes y formatos —poesía concreta, dibujo, libro, escultura o video—, así como a ámbitos próximos a la música o la arquitectura. El empleo de la teoría de cálculo y los algoritmos para sus realizaciones artísticas hacen de Elena Asins una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España". El galardón que concede el Ministerio de Cultura está dotado con 30.000 euros.

Asins es artista, escritora, conferenciante y crítica de arte. Se formó en distintas universidades de París, Stuttgart, Madrid o Nueva York, entre otras. Ha realizado más de 40 exposiciones individuales en distintos países, como la exposición Fragmentos de la Memoria, actualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha escrito y publicado ensayos sobre estética y poemas de poesía experimental en publicaciones especializadas en arte y estética tanto en España como Francia, Alemania o Estados Unidos. Pionera desde 1967 en el arte asistido por ordenador, su obra puede encontrarse en colecciones de destacados museos e instituciones como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) o el Spanish Institute de Nueva York, entre otras. Ha recibido numerosas becas y premios como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2006.

El mejor y más completo Joan Miró, en “Miró. La escalera de la evasión” hasta marzo de 2012

2011-10-15T00:27:00.000+02:00

El pintor Joan Miró fue un artista comprometido con su tiempo y sobre todo, con Cataluña y esa lealtad a su país está presente en toda su trayectoria vital. Y esta faceta que explica su posición dentro del mundo y la época que le tocó vivir —una trayectoria de 90 años durante los cuales se sucedieron dos dictaduras, una república y una guerra civil y dos guerras mundiales— es lo que explora la exposición “Miró. La escalera de la evasión”, en la Fundació Miró de Barcelona hasta el 18 de marzo de 2012.

Se trata de la exposición más ambiciosa e importante que acoge Barcelona y España acerca del pintor Joan Miró desde que en 1993 se celebró la retrospectiva de su centenario. Una exposición organizada conjuntamente con la Tate Modern de Londres y la National Gallery of Art de Washington y reúne más de 170 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Se muestran obras que difícilmente volverán a verse en España como el caso de La masía, Naturaleza muerta del zapato viejo, La tierra labrada, y el tríptico Azul, por citar solo algunos ejemplos.

La escalera de la evasión puede leerse también como una retrospectiva, no en vano abarca siete décadas de producción del que "fue uno de los grandes maestros del siglo XX", que se organizan cronológicamente y se agrupan en los tres momentos en que el compromiso de Miró fluye con más intensidad: la etapa temprana y su vínculo con la catalanidad que nunca abandonará, los años de la guerra civil y el nacimiento del nuevo lenguaje del artista y, por último, la dictadura franquista y las pinturas monumentales.

Las primeras salas exploran los vínculos con su Cataluña natal, en especial con la masía familiar de Mont-Roig, así como la inflexión que supuso su estancia en París y la liberación creativa del surrealismo; de este periodo son La masía (1921-1922) y la secuencia Cabeza de payés catalán (1924-1925). En la sección central se repasa el drama de la Guerra Civil, con protestas explícitas del artista en obras como la serie de Pinturas salvajes (1924-1936) o la Naturaleza muerta del zapato viejo (1937), y también se incluyen las piezas que pintó por encargó del Gobierno de la República para el pabellón español de la Exposición Internacional de París, donde convivieron con el Guernica de Picasso.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial provocó respuestas más íntimas, como las célebres Constelaciones, serie desarrollada entre 1940 y 1941, y otras más perturbadoras como la serie 'Barcelona' (1944), el comentario plástico de Miró a la Guerra Civil. Durante el régimen franquista, Miró trabajó en una especie de exilio interior, pero su compromiso queda patente cuando decidió oscurecer o incluso quemar sus trabajos, como hizo en la serie Telas quemadas (1974), en la que captó la atmósfera de rebelión y ganas de cambio de los años 70. La idea de la exposición surgió hace dos años de una conversación entre la directora de la Fundació Miró, Rosa Maria Malet, y el entonces director de la Tate Modern de Londres, Vicent Todolí, y ha sido comisariada por Matthew Gale y Marko Daniel, en colaboración con la conservadora de la Fundació Joan Miró, Teresa Montaner.

Gráfika. 30 artistas de la España joven; en el Intituto Cervantes de Madrid

2011-10-12T09:30:00.000+02:00

En el Instituto Cervantes de Madrid, en la calle Alcalá y dentro del edificio del antiguo Banco Central se puede ver un grafiti en el suelo o una fuente con forma de mano erigida sobre la 'M' de McDonalds, que sangra, además, por una pequeña herida.
Son sólo unas pequeñas muestras de 'Gráfika. 30 artistas de la España joven', la nueva exposición que alberga el Instituto Cervantes hasta el 15 de enero del 2012. Se han reunido casi 100 obras de arte urbano, "un arte que era marginal y por fin está aceptado", afirma Carmen Caffarel.

Participan artistas como El Niño de las pinturas, uno de los grafiteros de renombre en España, o se exponen dibujos más clásicos como los de SAN (Daniel Muñoz). Entre sus obras hay collages, escultura, tablas de skate pintadas e incluso vídeos. "Somos menos puros y más todoterreno", define Fernando Elvira (uno de los participantes). Mario Martín, comisario de la exposición, dice de ellos que "devuelven el arte de otra manera. Son un 'virus' que estamos orgullosos de introducir".
Aunque Gráfika se ha celebrado en más ciudades, como Burdeos, las obras que se presentan en Madrid están concebidas sólo para la capital. Se podrán descubrir conceptos como el 'postgrafiti' de Sixeart, ver a El Tono completar una de sus obras con la colaboración de los transeúntes de la calle o versiones de obras emblemáticas como el 'Guernica love song' de Sergio Mora, en el que ha querido trasladar "un icono de arte bélico a una imagen de paz, con perros y gatos conviviendo, en esta época que todo parece ser tan radical". Pero de una forma u otra, el arte sigue siendo arte y, como cuenta Mario Martín, estos autores hablan de "los poblemas globales que nos preocupan a todos". Hay una fotografía de SpY en la que se ve la palabra 'amor' dibujada en una pared en letras enormes. La dibujó en México, precisamente por ser un país donde predomina la violencia. O la escultura 'Equilibrio cósmico', de Sergio Mora, tres figuras (un corazón, un cerebro y un pene) cogidas de la mano que, según el autor, son "los puntos que rigen nuestras decisiones y no suelen estar de acuerdo". Lo más innovador es presentar estas obras a través de un canal artístico que no las había albergado nunca antes: una galería expositiva. Es el contraste de ver mensajes pintados con spray o grafitis de autores que han tenido problemas con la policía en una fundación como el Instituto Cervantes.

Joan Miró también se enamoraba de los cuadros sin nacer

2011-10-11T12:30:00.000+02:00

“Esta semana espero poder acabar dos paisajes. Como ves, trabajo con mucha lentitud. Cuando pinto un lienzo me enamoro de él; un amor que nace de la lenta comprensión. Comprensión lenta de la extraordinaria riqueza de matices que produce el sol. Gozo al aprender a comprender una brizna de hierba en el paisaje. ¿Por qué empequeñecerla? Exceptuando a los primitivos y a los japoneses, casi nadie se fija en esas menudencias, que son tan divinas. Todo el mundo admira y pinta solamente la gran masa de los árboles o de las montañas, sin sentir la música de las hierbas y las florecillas, y sin hacer caso de las pequeñas piedras de un barranco”. Joan Miró – 1918

Cuadro de la imagen: “El vuelo de la libélula, enfrente de la del sol”

Esther Ferrer en Artium de Vitoria hasta enero de 2012

2011-10-10T12:25:00.000+02:00

Ahora y hasta el 8 de enero de 2012, en el Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Artium) de Vitoria se ha organizado una retrospectiva sobre una de las artistas españolas más internacionales y que, sin embargo, es menos reconocida en los museos españoles. El Premio Nacional de Artes Plásticas que recibió en 2008 la transformó, según resume ella con sentido del humor, "de invisible en opaca" para los museos nacionales.

La artista Esther Ferrer decidió hacer una pregunta a todo aquella persona que se cruzaba por su vida: ¿Qué es para ti el infinito? La artista, pionera en España de la performance, cuenta que la mayor parte de los encuestados respondían que situaban el infinito en un lugar cercano a la infancia y los sueños. El tiempo, la repetición y ese infinito que tanto le sigue obsesionando, son los temas sobre los que gravita la obra de Esther Ferrer.

La performance es una acción que el artista realiza en directo buscando una reacción del público con la espontaneidad como único elemento. Esta forma de expresión tiene en Esther Ferrer una protagonista insuperable. El viernes por la tarde, a modo de aperitivo de la exposición, durante media hora interpretó “Hablar por andar o andar por hablar”. Vestida con tonos granate (fueron sonoras sus piezas desnuda), caminó (con ritmo a veces acelerado) por la planta principal de Artium. Entraba en el ascensor y bajaba por las escaleras. Siempre hablando, en diferentes idiomas y mirando al público con cara de preguntarles algo.

La exposición que ha comisionado Rosa Olivares es tan anticonvencional como la obra de Esther Ferrer. No es una antológica ni una retrospectiva al uso. No está toda su obra, pero sí todos sus temas. La exposición completa es una performance. Para Rosa Olivares, los cuatro elementos sobre los que se sustenta la obra de la artista confluyen en uno solo: el tiempo.

"El tiempo sucede infinitamente", resume, "repitiéndose con su presencia de forma infinita, sucediendo y definiendo un lugar, la memoria, la historia, el olvido, el conocimiento, la vida. Memoria y olvido construyen la historia: el lugar y la repetición definen una presencia, un cuerpo que cambia con el tiempo y una presencia que es nuestra vida".

Con El tiempo, precisamente, arranca la exposición. Aquí están sus series de fotografías más conocidas: Autorretrato en el tiempo y Autorretrato en el espacio, junto con la instalación El hilo del tiempo y partituras y documentación de algunas de sus performances, como Al ritmo del tiempo (1 y 2), Dar tiempo al tiempo, La primera media hora y El tiempo de la 'performance'.

El gris difuminado predomina al comienzo de la serie. Se avanza hacia el negro rotundo y al final reaparece el gris suave. "Es igual que en la vida. Ahí está el tiempo plasmado", explica Ferrer. Enlazado con el tiempo está El infinito, algo que la artista no puede definir: "Creo que no hay respuesta y me desesperar morir sin haber comprendido nada. Creo que Heráclito tenía razón y que el Cosmos ha sido siempre y será infinito, pero ¿qué pasa con nosotros?".

La repetición ocupa el tercer apartado de la muestra. Y para Ferrer la idea de la repetición es la del cuadrado. Durante su pieza Recorrer un cuadrado, de un minuto de duración, ella pasea con un objeto en la cabeza (un tiesto, un muñeco, un falo...). "Es una acción que aunque la quieras hacer exacta una y otra vez, con mucha disciplina, nunca es exactamente igual", explica. Ocurre lo mismo con el espacio dedicado a La presencia, donde se reconstruye la pieza En el marco del arte, que Ferrer expuso en la Bienal de Venecia en 1999. El espectador juega a entrar y salir del marco como si este fuera una puerta. Es el marco que enmarca el arte que no enmarca nada.

¿Qué es arte? ¿Lo que hay delante o lo que hay detrás del marco? Y, sobre todo, ¿qué es el Arte? ¿Nada? "El arte se manifiesta de muchas maneras. Una grieta casual puede tener una belleza irresistible. No hay que cerrar ninguna posibilidad ni santificar nada".

Cuando crees Arte no te preocupes del qué dirán. Preocúpate del qué dirás tú

2011-10-09T17:27:00.001+02:00

Es posible que nunca te hayas decidido a crear Arte, que incluso nunca te lo hayas ni planteado. Crear Arte, sí, edificar, construir, hacer algo desde la nada.

El trabajo creativo es muy beneficioso para todas las personas que se adentran en el mundo creativo; pero no te olvides algo fundamental, también para los demás, que simplemente lo contemplan, son espectadores de tu obra. Recuerda los trabajos de genios de la pintura, de la música, de la escultura, de la literatura, del teatro o el cine. Han creado obras que luego observan otras personas y disfrutan con ellas, riendo o llorando, transformando por unos instantes o minutos sus vidas ante la contemplación de lo que otros han creado.

Yo te entiendo, tú crees que eres incapaz de crear algo. Perdona, pero eso mismo debió pensar Goya cuando pintaba sus primeros cuadros o ese amigo tuyo poeta que ahora que por fin ha visto parte de su obra publicada. Muchos escritores que no han logrado publicar al menos sus obras las leerán sus nietos y bisnietos cuando ya no estén entre ellos.

Crear es muy fácil. Crear una obra genial no es nada fácil, pero ese no es el objetivo primero de nadie. Pero crear algo de la nada es muy sencillo. Eso si, requiere sobre todo algo fundamental que debes hacer tú solo. Debes querer crear, desear hacer algo por ti mismo y proponérselo como una actividad placentera y en donde vas a intentar mejorar y aprender mientras la realizas.

Crear es trasmitir felicidad o conocimientos, es lograr que algunas personas vean lo que hemos dejado tras nuestro paso por este mundo. No se trata de que te admiren miles de personas, simplemente se trata de que te admiren muy pocas personas pero importantes para ti. Mi mayor gratificación es que me leas tú —que también y te voy a ser sincero—, es que me lean mis hijos y mis amigos. Eso si que lo puedes lograr tú, creando lo que te de la real gana. Depende de ti mismo.

Antón Castro entrevistando a Félix Romeo, como un pequeño homenaje a su figura

2011-10-08T09:41:00.000+02:00

Antón Castro entrevistando a Félix Romeo en presentación de su libro "Amarillo". Tal vez la mejor manera de recordar a un agitador cultural aragonés sea enseñando su imagen y sus palabras. Su inesperada muerte deja un vacío en el panorama cultural aragonés pero también español, que habrá que cubrir de alguna menra con más trabajo de sus mucho amigos que como él, movían los hilos y las cuerdas de la cultura, desde los sótanos de esfuerzo personal.

Steve Jobs se ha quedado soñando nuevas tecnologías imposibles

2011-10-06T08:52:00.000+02:00

Ha muerto un soñador, un Steve Jobs que ayudaba a soñar, a ilusionarse por la tecnología, a lograr que creyéramos que el futuro se escribía a golpes de nuevos sueños imposibles.

Ha muerto un joven hombre de negocios que adivinó el futuro, lo construyó para nosotros y lo supo vender como nadie. Hoy la manzana de Apple tiene dos mordiscos.

Los iconos como elementos que nos acompañan en nuestra vida

2011-10-05T00:25:00.003+02:00

Los iconos son aquellas formas, imágenes, signos, frases, espíritus, que se nos quedan clavados dentro, formando parte de nuestra forma de vida, de nuestro ciclo vital por generación o por cultura.

No son solo lo que enseñan sino lo que nos hacen imaginar. No forman parte de una realidad sino de una manera de ser o pensar. De un momento que se ha quedado clavado como un símbolo.

Os dejo el icono de The Beatles en Abbey Road, como un pequeño ejemplo de lo que es algo más que unos cantantes cruzando un paso de cebra, con Paul McCartney descalzo tal vez queriendo decir algo que yo desconozco.

Maleta imposible de Yayoi Kusama

2011-10-02T19:05:00.000+02:00

Viajar requiere una escenificación personal, que nos acompaña como parte del hogar, al no tenerlo envolviendo nuestra vida. Elegimos lo más elemental para que nos acompañe; una parte del todo, como si fuera lo que nos va a convencer de que seguimos trasladándonos con el calor de la cueva encima, para personalizar allá donde vayamos, nuestra estancia personal.

La maleta de la artista japonesa Yayoi Kusama es imposible, un objeto imposible para un viaje imposible. Es tal vez la impresión en sus paredes de los deseos contenidos de llevarse sabores, de impregnar su viaje de recuerdos de infancia. Pero es solo un tal vez, lanzado a la nada del viento que no devuelve respuestas.

Canción amarga, de Luis García Montero. Simplemente una poesía

2011-09-30T10:49:00.000+02:00

Me apetece dejaros hoy un poema de Luis García Montero, ese pequeño genio de la poesía al que adora Sabina que se convierte en el mejor embajador de su obra, cuando declara que lo lee y disfruta de sus claras palabras.

Canción Amarga

En la cara lleva

tres años perdidos

y el frío de las seis de la mañana.

Van a partirte el corazón.

De pronto

la luz apagada,

los pasillos turbios,

la puerta que clava su ruido en la espalda.

Van a partirle el corazón.

Y arrastra

una cadena oscura

de pasiones heladas,

ese frío que cabe solamente

detrás de una palabra.

Y yo la veo caminar,

despacio,

perderse en lo que anda,

fugitiva tristeza que va y viene

de la sombra a la puerta de mi casa.

La luz artificial deja en la calle

el temblor silencioso

de tres barcas ancladas.

cuando ella cruza por mi lado siento

como un golpe de remos

y un murmullo de agua.

Carla Nicolás en el 4º Espacio Cultural de Zaragoza

2011-09-28T21:00:00.000+02:00

En la Sala de exposiciones del 4º Espacio Cultural de la Diputación Provincial de Zaragoza (DPZ) de la Plaza España de Zaragoza se inaugura este jueves, 29 de septiembre, la exposición 'Mutaciones Gráficas', de la joven artista zaragozana Carla Nicolás. La exposición, organizada por el Área de Cultura y Patrimonio de la DPZ, permanecerá abierta hasta el próximo 27 de noviembre.

'Mutaciones gráficas' recoge los trabajos que la artista zaragozana Carla Nicolás ha realizado durante los años 2010-2011, fruto de su estancia artística en Estados Unidos al ser premiada en el Concurso de Proyectos de Ampliación y Perfeccionamiento de Estudios Artísticos del año 2010 que organiza anualmente el Área de Cultura y Patrimonio de la DPZ. La relación de la artista con Diputación Provincial de Zaragoza ha continuado este año, al ser seleccionada para la exposición del XXV Premio de Arte 'Santa Isabel de Aragón, Reina de Portugal', en la especialidad de fotografía, infografía y grabado.

La exposición que ahora se presenta es una fusión artística que aglutina grabado y libros de artista para hacer un recorrido que va desde el arte multiejemplar al libro único, "libro que puede y debe ser algo más que un instrumento de lectura y que en su forma debe transmitir múltiples manifestaciones artísticas", destaca la DPZ en un comunicado.

'Mutaciones gráficas' presenta múltiples ejemplos, desde calcografías con refinadas mutaciones geométricas, como la serie 'Disyunciones de un cuadrado', hasta objetos que llevan complementos textuales para explicitar sus significados. "Este universo calidoscópico pone de manifiesto la prolífica imaginación de Carla Nicolás y el elegante rigor constructivo con el que materializa sus ideas", resalta la institución.

La joven artista zaragozana Carla Nicolás (1981) finalizó sus estudios de grabado y estampación en la Escuela de Arte de Zaragoza en 2009 y los perfeccionó en diversos centros simultáneamente, como la Fundación CIEC de Betanzos (La Coruña), Alchemy Prints (Asturias) o el centro Edinburgh Printmakers de Escocia. En 2010, completó su formación en la Escuela Massana de Barcelona y ese mismo año viajó a Estados Unidos, tras recibir la beca de Ampliación y Perfeccionamiento de Estudios Artísticos en el Extranjero por la Diputación Provincial de Zaragoza. En la actualidad trabaja como promotora de El Calotipo, un centro de Artes del Libro y Diseño ubicado en la calle Las Armas de Zaragoza que abrirá sus puertas en los próximos meses.

Félix Anaut, un artista zaragozano de larga trayectoria

2011-09-27T09:20:00.000+02:00

El pintor y escultor Félix Anaut nació en Zaragoza en el año 1944. Tras trabajar en Madrid para una compañía de diseño estudió en la École de Montparnasse d´Art et Dessin de París y continuó su formación artística en Madrid, Ibiza y Tánger, desarrollando durante este período su interés por la abstracción y por la caligrafía de la escritura árabe.

En 1983, después de estudiar un curso de porcelana en Christie´s (Londres), decide residir en Inglaterra. En 1984 se traslada a Belfast, donde funda una galería de arte contemporáneo (The Otter Gallery, Belfast). Tras siete años, regresa a su estudio español en Aragón, con estancias temporales en Irlanda. Retoma la pintura figurativa, con una expresión muy individual, que hoy en día forma parte de su identidad artística.

En 2001 traslada definitivamente su estudio al suroeste de Francia, donde inicia una nueva línea, reflejando su interés abstracto del pasado, al mismo tiempo que conserva su vertiente figurativa. Una de sus exposiciones más notables fue la organizada por Arttank en Belfast, junto con obras de Picasso, Miró y Bacon. Durante los últimos años, protagoniza diferentes exposiciones individuales en Francia, en el Festival de Arte de Belfast (Irlanda), y en el nuevo museo de Arte Contemporáneo de Sofía (Bulgaria).

Entre 2008 y 2010, ha expuesto en varias ocasiones en Londres, en el Festival de Verano de Arundel (Inglaterra), y en espacios públicos de Irlanda, Francia y España. En este último espacio de tiempo, ha estado trabajando sobre un proyecto de cerámicas en Huesca. En 2011 se estrena en la capital aragonesa su gran obra “Zaragoza: Visual Symphony. El sonido eterno de la pintura” en la Sala de Exposiciones de Cajalón de esa ciudad.

En 2003, invitado por la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia, gana la Medalla de Honor Lorenzo el Magnífico por su carrera artística. Desde 2005, su obra figura en la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Casoria (Nápoles) y, en 2010, el British Museum ha adquirido “Visual Poems” (seis obras abstractas) para su colección. También este año se ha publicado un libro, “Félix Anaut, su vida y su obra”, escrito por Michael Simonow, que analiza su vida e incluye una gran retrospectiva de su obra.

Félix Anaut sigue experimentado en varias técnicas de la pintura, incluido el fotomontaje, esculturas en terracota y bronce y algunas experiencias en cerámica, también ha construido varias instalaciones en espacios públicos. Hoy mucho de su trabajo esta concentrado en pintura figurativa de formato grande, en muchos casos monocromos en blanco y negro con intensas referencias al clasicismo y a la mitología.

La obra (que el llama "Clásico Contemporáneo") ha empezado como demostración en contra de mucho de lo que pasa en el mundo del arte contemporáneo, donde Félix Anaut cree que los artistas ha perdido su dirección y razón, y donde el publico esta totalmente marginado

Con proporciones muy exageradas, y formas muy maneristas, Félix Anaut refleja una perspectiva del mundo muy individual, que posiblemente se inspire en algún mundo misterioso del pasado o en uno desconocido del futuro.

Otro aspecto de la pintura de Félix Anaut abarca obra mas líricas con colorido; a veces mas abstractas, que el artista utiliza para buscar nuevas partidas. en este momento trabaja en dos series en particular, "Minotauro" y "Tauromaquia". Los dos reflejan la pasión del artista por el color, el movimiento, la línea y la forma. Hay ambigüedad en todo, sujeto y composición. Estas obras tienen un base de color suave pero haciendo contraste con fuertes líneas y formas, imágenes que en un sentido son sexuales pero también asexuales, imágenes que son abstractas pero también figurativas. Las obras están abiertas a interpretación libre, sin conceptos premeditados del artista, aparte de su intencionado papel juguetón.

La escultura de Anaut es la consecuencia de la petición de una Galería de Esculturas que, después de ver su pintura, le pedio el hacer piezas con la base y la referencia de su pintura. Comienza haciendo modelos en terracota, una serie de pequeñas piezas figurativas, algunas forjadas en bronce y otras piezas en terracota cocida y policromada, que han dado mucho placer al artista, y reflejan directamente su trabajo en la pintura y ahora a la inversa se inspira en sus esculturas para crear pintura.

Como consecuencia de su investigación en terracota, Félix Anaut ha colaborado con artistas alfareros, para decorar piezas utilitarias, como platos, jarras, etc. Es más una investigación, utilizando la superficie de la terracota para pintar con esmaltes, como han experimentado otros artistas antes. Félix Anaut ha expuesto en diversos países de Europa, ha participado en Bienales, organizado y participado en varios acontecimientos artísticos, como instalaciones, residencias, y happenings. Obras del artista están en colecciones en todo el mundo, y también en Museos y instituciones en Europa.

Los sillones imposibles de Yayoi Kusama

2011-09-24T10:27:00.002+02:00

Yayoi Kusama es una japonesa que está considerada como la artista contemporánea más conocida en Japón. Lleva más de 70 años creando pintura, escultura o dibujo además de diversas instalaciones inmersivas, casi provocativas algunas.

Os dejo un sillón de Yayoi Kusama

Es ilegal modificar este graffiti

2011-09-20T12:51:00.000+02:00

If graffiti changed anything it would be illegal

Es ilegal modificar este graffiti

Este graffiti de Bansksy viene con mensaje claro y contundente. Prohibido modificarlo. Es famosa su ratita simpática mirando atrás o mirándonos de reojo. Desconozco si este texto es original con el grafitti o es un añadido y modificación. De todas formas, es un conjunto simpático.

Los tatuajes despistan la belleza natural de ella

2011-09-19T17:03:00.000+02:00

Encontré esta imagen en zengarage.com, paseando por territorio ajenos en busca de bellezas escondidas. Me pareció de una belleza curiosa pues se mezcla sin querer la vista, entre la hermosura de la mujer y el desvío lógico de la mirada hacia todos los tatuajes de su cuerpo.

No estoy seguro que esta desviación de la mirada suponga belleza añadida, pues pierde sentido a la belleza natural, a la hermosura de verdad que representa la mujer, su sonrisa, la mirada y sus pechos naturales. Creo que los tatuajes nos están engañando.

Caos disolvente en busca de la salida

2011-09-16T09:56:00.002+02:00

La disolución era la idónea para que se repartiera por el camino, avanzando en busca de la salida. Pero al llegar al final, se encontró con las paredes del cierre, con las gruesos muros que delimitan el espacio del que nunca se puede salir.

Muere Richard Hamilton, uno de los padres del pop art

2011-09-14T00:03:00.000+02:00

El artista británico Richard Hamilton, que está considerado como el padre del pop art, ha fallecido hoy a los 89 años en Reino Unido. El artista seguía activo y trabajaba ahora en una gran retrospectiva que iba a recalar en Los Ángeles, Filadelfia, Londres y Madrid a lo largo de los años 2013 y 2014.

Nacido en Londres el 24 de febrero de 1922, su obra más conocida es el pequeño collage Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (¿Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas?), que algunos historiadores del arte señalan como arranque del movimiento artístico del pop art, una expresión que él mismo acuñó.

Diseñador y grabador, comenzó su trayectoria en una agencia publicitaria, con 16 años entró en la Royal Academy of Art, donde estudió pintura. Su primera exposición, una colección de aguafuertes, data de 1950.

Su obra tiene, entre otras, influencias de Cézanne, el cubismo y el futurismo. En 1952 se convierte en profesor de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Cuatro años después, en la exposición This is tomorrow presentó su cuadro más conocido, el collage que marca el nacimiento del pop art.

El propio pintor definió la corriente del pop art como "popular —se dirige a una audiencia de masas—, efímera —es una solución a corto plazo—, fungible —se olvida fácilmente—, de bajo coste, producida en masa, ingeniosa, sexy, joven, tramposa y un gran negocio".

Arte Natural en una cueva de México llena de selenitas gigantes

2011-09-13T00:21:00.001+02:00

La primera vez que tienes en tus manos unos cristales minerales, cuando observas de cerca la belleza natural de unas cristalografías de cualquier tipo crees que es imposible que la naturaleza haya podido hacer tal belleza. Da igual si es un grupo de cuarzos, unos piritas o unos jacintos.

Es Arte Natural en estado puro.

Poder entrar en una cueva inmensa con unos cristales gigantes es un lujo al alcance de muy pocos. La imagen nos enseña unos gigantescos cristales de yeso que ocupan el interior de la cueva mexicana de Naica y que llevan creciendo un millón de años, aunque solo recientemente hayan sido descubiertos.

Estas selenitas que llegan a medir 11 metros de longitud y un metro de anchura, crecen a una velocidad increíblemente lenta, equivalente al grosor de un cabello cada 100 años y por tanto mucho más reducida que la de las estalactitas y estalagmitas normales. "Las minas de Naica en México son ricas en plata, plomo y zinc, y en la actualidad se siguen explotando. Por eso ya no hay agua en la cueva y los cristales de selenitas han parado de crecer, pero si algún día, cuando dejen de bombear el agua hacia el exterior y el agua vuelve a la sala, los cristales de selenita, que ya son los mayores del mundo, continuarán creciendo”.

Detalles del cuadro "La Torre de Babel" de Pieter Brueghel el Viejo

2011-09-10T12:40:00.000+02:00

El cuadro de “La Torre de Babel” fue pintado por Pieter Brueghel el Viejo, (1525 - 1569) considerado como uno de los más grandes pintores Flamencos del siglo XVI. El cuadro está depositado en la actualidad en el Museo de Historia del Arte de Viena en Austria (Kunsthistorisches). Es un cuadro al óleo, pintado sobre tabla de madera de roble, con unas dimensiones de 154 centímetros de ancho por 114 de alto, y trata de la construcción de la Torre de Babel según los datos bíblicos conocidos.

A Pieter Brueghel el Viejo se le considera como el primer artista occidental en pintar paisajes por sí mismos, en lugar de como telón de fondo de alegorías religiosas. Sus paisajes del invierno de 1565 corroboran la dureza de los inviernos durante la helada en ese año. Se le suele comparar con El Bosco por su espectacular fantasía a la hora de pintar. Pintó también (y se conserva en Rotterdam) un cuadro titulado "La Pequeña construcción de la torre de Babel”

Según el libro del Génesis de la Biblia, los hombres pretendían alcanzar el cielo, y para ello se pusieron a construir una torre muy alta que fuera capaz de llegar hasta el cielo. Para evitar Dios el éxito de tal empresa que se oponía a su deseo de que la humanidad simplemente se extendiera por toda la superficie de la Tierra, hizo que los constructores comenzasen a hablar diferentes lenguas, y aquí nacieron los diferentes idiomas, tras lo cual reinó la confusión y se dispersaron. En realidad el cuadro parece plantear más un problema de ingeniería que de idiomas diferentes, para comunicar el fracaso en la construcción. Si nos fijamos bien en el cuadro vemos dos aspectos imposibles para una construcción de este tipo. Por una parte ya hay pisos superiores construidos mientras algunos pisos inferiores están en obras, lo que deja fragilidad a la obra. Y por otra parte hay arcos que no son perpendiculares al suelo, lo que les resta estabilidad e incluso algunos aparecen ya destrozados.

Dejo a continuación el texto bíblico del Génesis, para comprender mejor el contexto del cuadro. El tema de la destrucción de la Torre de Babel no se basa en el Génesis, donde sólo se insinúa, sino en el Apocalypsis

Toda la Tierra tenía una misma lengua y usaba las mismas palabras. Los hombres en su emigración hacia oriente hallaron una llanura en la región de Senaar se establecieron allí. Y se dijeron unos a otros: «¡Ea!, hagamos ladrillos y cozámoslos al fuego». Se sirvieron de los ladrillos en lugar de piedras y de betún en lugar de argamasa. Luego dijeron: «¡Ea!, edifiquemos una ciudad y una torre cuya cúspide llegue hasta el cielo. Hagámonos así famosos y no estemos más dispersos sobre la faz de la Tierra»

Mas Yaveh descendió para ver la ciudad y la torre que los hombres estaban levantando y dijo: «He aquí que todos forman un solo pueblo y todos hablan una misma lengua, siendo este el principio de sus empresas. Nada les impedirá que lleven a cabo todo lo que se propongan. Pues bien, descendamos y allí mismo confundamos su lenguaje de modo que no se entiendan los unos con los otros». Así, Yahveh los dispersó de allí sobre toda la faz de la Tierra y cesaron en la construcción de la ciudad. Por ello se la llamó Babel, porque allí confundió Yahveh la lengua de todos los habitantes de la Tierra y los dispersó por toda la superficie. (Génesis XI, 1-9)

El Museo Thyssen Bornemisza nos muestra obras de Motta

2011-09-09T00:11:00.000+02:00

El Museo Thyssen Bornemisza en Madrid ha decidido celebrar el centenario del nacimiento del artista chileno Motta con una nueva instalación de sus cinco obras de gran formato que componen el ciclo L'Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante).

La exposición ha recibido el nombre de El cubo abierto y permanecerá hasta el 23 de octubre abierto a todo el público. Las obras se han instalado en el balcón-mirador de la primera planta del museo madrileño.

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, nació en Santiago de Chile en 1911 y falleció en Civitavecchia (Italia) en noviembre del año 2002. Además, de pintor surrealista, fue también filósofo, arquitecto y poeta, y está considerado uno de los últimos pintores surrealista. En Europa conoció y trató a los artistas Salvador Dalí, René Magritte, André Breton y Le Corbusier.

El Arte caótico de la nada, que al menos llena los vacíos

2011-09-08T17:46:00.000+02:00

El Arte también puede ser caótico, aleatorio o en busca de la nada; puede ser simple o acomplejado, buscador de espacios vacíos o en cambio estar construido por unos elementos que ocupan los que hasta ese momento, estaba llenos de otros diferentes.

El Arte puede ser todo o nada; o incluso la mayoría de la veces, simplemente puede y debe ser “algo”.

Ser algo, es ser. No ser nada también es ser. El vacío está lleno de pequeñas nadas, decididas para que sean eso, nadas.

El 15M en Madrid también tuvo dentro un movimiento artístico

2011-09-07T11:45:00.000+02:00

Todas las revoluciones, pequeñas o grandes, han dejado bellos ejemplos artísticos de evolución, de mensajes momentáneos, de gritos al aire para que cada uno puede expresar sus ideas con las mejores maneras que saben.

El Movimiento del 15M —de momento un movimiento de primavera que no parece querer continuar en el calor del verano—, dejó en la Puerta del Sol bellas imágenes novedosas, estampas que se han guardado para la crónica de nuestra historia reivindicativa, para bien o para mal.

No es posible decir si la construcción artística es buena o mala, de calidad o no. Es simplemente el momento, el trabajo que nos retrata, la forma que hemos sabido emplear, para plasmar las ideas y quejas. El tiempo nos dirá qué hicieron los jóvenes el 15M en todos los campos posibles.

El Arte no sabe de crisis globales, o tal vez si

2011-09-06T12:50:00.001+02:00

Si navegamos algo por el Arte, viajamos en busca de sus creaciones y sueños, si nos adentramos por sus miradas complejas o no, nunca encontramos crisis coyunturales y globales a su vera. Si acaso crisis personales, depresiones con sustancia en sus envolturas, pero las crisis de la sociedad parecen no afectarle excepto que la violencia sea extrema y con sangres.
El Arte es ajeno a crisis provocadas por manipuladores en busca de sus beneficios, aunque participa de la manipulación selectiva para abusar de sus obras, en otro mercado también manipulado y con cruda dureza.
A los artistas los manipulan para que sean productos y productores de beneficio ajeno, pero cuando vemos sus obras agrupadas y seleccionadas con criterios de mercado, llegamos a pensar que las crisis no les afecta a ellos.
Y es que sus obras duran más en el tiempo que la rapidez con la que los especuladores quieren tener los beneficios. Tal vez sea esta, la única razón por la que trasciende la obra a las embates de las crisis persistentes. O no.

Dalí en Moscú, para disfrutar con la obra de un genio que ayuda a soñar

2011-09-03T09:41:00.001+02:00

Se ha inaugurado este viernes 2 de septiembre de 2011 en el museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú la mayor muestra antológica de la obra original de Salvador Dalí celebrada en Rusia, con 25 óleos, 20 acuarelas, 70 dibujos y numerosas fotografías, dentro del marco cultural y de intercambio del llamado “Año Dual Rusia-España”.

Dalí como genio que trasciende toda su obra a muchos géneros artísticos, es sin duda un artista que “encanta” a quien entra a conocer su obra, por el mundo que representa y su particular manera de entender la visión de todas las cosas que tocaba. Su obra permanece novedosa y moderna, llena de vida y con una visión de los espacios y las miradas que siguen enamorando a muchos visitantes que no ven en su obra un mundo de sueños casi imposibles de imaginar.

Recordemos que los rusos son tras los franceses y los españoles los que más visitan la obra de Dalí en su Museo Fundación Gala-Salvador Dalí en Figueres.

En las arquitecturas hay que mirar para buscar escenas pictóricas

2011-09-02T09:40:00.001+02:00

En la arquitectura hay que encontrar encuadres, ver secciones, buscar puntos de vista que nos sujeten la mirada, mostrando escenas nuevas que el “todo” no contienen.

Dentro de muchos edificios se esconden auténticos cuadros, bellezas escondidas que la luz, el encuadre o la mirada nos enseñan desde otra óptica.

Es cuestión de perder unos instantes en adivinar y dejarse llevar.

Eras el brillo de la noche / You were the brightness of the night

2011-08-30T17:12:00.000+02:00

La noche amenazaba las aguas, que perdían su color. El gris oscuro empezaba a pintar las rocas. Pero tú brillabas entre las aguas, mezclando el blanco con el rojo y el amarillo. Eras la luz. Eras el motivo para fijarme en el brillo. Eras la diferencia entre tanta imperfección.

The night it was threatening the waters, which were losing his color. The dark gray one was starting painting the rocks. But you were shining between the waters, mixing the white with the red one and the yellow one. You were the light. You were the motive for concentrating on the sheen. You were the difference between so many blemish.

El monstruo ensortijado de la orilla me robaba los sonidos de las olas

2011-08-29T00:05:00.000+02:00

Rompía el aire ensortijando los sonidos de las olas, al disolverse con energía el ronroneo antes de llegar a la orilla. No me era posible tocar las olas, pues una y otra, antes de llegar, se deshacían. Era como si aquellas ondas de espuma no fueran reales, simplemente líneas blancas que a lo lejos amenazaban y que al llegar a medio camino, desaparecían. Tal vez al tener miedo a mis pies. Tal vez para no ser tragadas por la arena. Tal vez es que aquellas olas no fueran reales, sino simplemente la ilusión del mar, que venía a mi encuentro. Aquella tarde no las pude tocar. Y el sonido se disolvía entre la espiral de aquel pequeño monstruo verde de la orilla.

Juego de líneas que rompen espacios - Set of lines that break spaces

2011-08-27T12:00:00.000+02:00

Tras verlas en un escaparate, no sé bien por qué, me quedé atrapado por las rayas y líneas sencillas que representaban un entramado muy contundente, es una especie de laberinto que solo descubrí al llegar a casa. Antes veía espacios, líneas que se cruzaban rompiendo esos límites que encerraban los cuadros. Me gustó la línea central que divide y a su vez da sentido al conjunto, como la línea madre que sirve para unificar a la vez que divide. Sin esa línea nada parece tener el mismo sentido o incluso, casi ninguno.

After seeing them in a showcase, I do not know why, I was trapped by the stripes and simple lines that represented a very strong network, is a labyrinth that only saw it when I get home. Before you see spaces, breaking lines that crossed these boundaries that enclosed the pictures. I liked the central dividing line and in turn gives meaning to the whole as the main line that serves to unify while dividing. Without that line nothing seems to make sense.

 La reproducción de este dibujo es a través de una imagen fotográfica del autor del blog, realizada sobre un cuadro que estaba a la vista pública.

Casi da igual si la Sagrada Familia es de Gaudí. Lo importante es que es una belleza

2011-08-25T23:48:00.000+02:00

El trabajo desarrollada en la Sagrada Familia de Barcelona, en estos años de duras decisiones para intentar entender el espíritu de Gaudí e inventarse el resto, ha dado unos resultados espléndidos que ahora se pueden contemplar en toda su belleza. No es una catedral cualquiera, no es una iglesia al uso. Es “la Sagrada Familia”. Su interior es mejor todavía que su exterior, el trabajo realizado se puede contemplar ahora y disfrutar sobre todo por los que visitamos el templo cuando no era más que unas torres que indicaban un excelente trabajo. Pero nada más se podía uno imaginar. Ahora, con el trabajo muy adelantado, se puede disfrutar de un sueno, de unas ideas artísticas maravillosas. Casi da igual si son o no son de Gaudí, lo importante es “que son”.

La música inunda nuestros interiores, aunque no deseemos abrirnos a ella

2011-08-21T12:31:00.001+02:00

La música invita a la alegría o a la tristeza, al recogimiento o a la juerga, a moverse o a quedarse tranquilamente parado para no perder sonidos. La música es vida y cuando inunda las calles es además vida compartida.

Los músicos callejeros nos regalan (casi) sus creaciones y sus trabajos para movernos las sensaciones internas, mientras paseamos o circulamos por entre las densas calles de nuestra ciudad viva. Mucha veces no les miramos, pero no podemos pasar sin escuchar su propuesta sonora. La música inunda nuestros interiores, aunque no nos demos cuenta de ello.

Número 1 de la revista EnSucio, para descargar desde esta blog

2011-08-19T17:10:00.002+02:00

Os dejo el número 1 de la revista de creación propia "EnSucio" realizada para entretenerme y con una mezcla en el diesño entre gráfico en papel y gráfico para web, pues ni tiene las páginas lógicas para papel pero en cambio mantiene un diseño básico de revista para papel.

Son 5 megas y se puede descargar desde la barra de gadget de la derecha de este blog, arriba del todo, y con un clic sobre la imagen de portada.

La idea básica es realizar una revista cada 6 meses en principio, es decir algo muy complementario a la actividad de este blog, pero no sse descarta que se pueda realizar el núemro 2 antes. Todo entra dentro de la libertad de algo sin pulir, bruto, en sucio, como el buen cava. Brut.

Creo que volaron a otro destino. Bueno…, no sé si creo.

2011-08-17T19:38:00.001+02:00

Me quedé con las ganas de sentarme en las sillas de la puerta de su casa. No conocía a la familia pero me los imaginé curiosamente extraños. Si era la libertad lo que añoraban, si su mayor deseo era estar bajo en cielo mirando a la vida, no entendía muy bien las tres plazas tan juntas, tocándose con tanto espacio. ERa como si se estuvieran preparando para volar.

Como no tuve agallas para sentarme, la fotografié.

A las pocas semanas ya no estaba allí, tal vez ya hubieran despegado.

Me gusta el rojo fuego / I like the red fire

2011-08-15T11:08:00.001+02:00

Me gusta el rojo fuego saliendo como luz de los negros escondidos. Si además lucen destellos verdes y amarillos para compensar la luz, más todavía. Creo que los rojos te obligan a ser potente, a ser incluso violento en tus formas de pensar. Pero los negros te sujetan y te llevan a una situación más calmada.

El fuego es rojo, pero muchas veces es amarillo también, es incluso azul brillante y claro. El fuego siempre es atrayente, seductor, hechicero.

I like the red fire going out as light, of the hidden blacks. If in addition they illuminate, the green and yellow sparkles to compensate the light, more still. I believe that the red ones force you to be powerful, to being even violent in your ways of thinking. But the blacks hold you and take you to a more calmed situation.

The fire is red, but often it is yellow also, is even blue brilliant and clearly. The fire always is attractive, a seducer, wizard.

Buena película "El origen del planeta de los simios", con un trabajo digital expléndido

2011-08-15T09:50:00.001+02:00

Para muchos "El origen del planeta de los simios" está siendo la película del verano, o inclusive del año. Por lo que creo que merece una pequeña entrada con mi parecer.

Fue hace meses cuando en plan "teaser", promocional, podíamos ver a Cesar, sin saber aun quien era, moviendo los ojos a uno y otro lado. Cuando nos anunciaron que ese mono tan bien hecho, iba a ser el Cesar de la nueva recreación de la película "El origen del planeta de los simios", algunos pensamos y dijimos que sería un fiasco.

No nos entiendan mal. Veníamos de un remake de Tim Burton que fue, para muchos, una soberana mala película y claro, parecía aproximarse otra pero de proporciones aun mayores.
Obviamente, el hecho de no esperar nada y encontrarnos con una película más que correcta, incrementa el valor que se le pueda dar.

El adjetivo que mejor se le puede dar es de correcta en su plano argumental y soberbia en la recreación por ordenador.
El director, que no quiso emplear monos de verdad para no verlos sometidos a actos que no le parecían corectos —lo cual habría sido totalmente irónico y seguramente criticable—, tampoco quiso emplear actores disfrazados como en las antiguas películas (efecto que tampoco queda del todo mal).
El ordenador es hoy en día, el elemento comodín; sirve para todo y puedes conseguir todo; y "El origen del planeta de los simios" lo consiguen.

James Franco, el protagoista humano está bien, dejando claro que el auténtico protagonista es Cesar y él es casi tan extra como su padre (también muy bien interpretado por cierto).

En cuanto a la historia, bien, se cargan completamente toda la forma de la antigua, pero dejan el fondo, que es lo importante. Al querer hacer un "reboot" completamente nuevo (llevamos años de reboot tras reboot, incluso reboot de reboot), han querido empezar por la que fuera la tercera película de un modo original, y sin referencias a la ya olvidada de nuestro amigo Tim, que no salió muy bien esquilado.

Espoiler:
Me alegró mucho que permaneciera —así como en la antigua—, la escena del ¡NO!, un grito humano realizados por los simios. Esa escena donde la rebeldía se hace patente a través de la palabra que mejor la expresa. Aunque si bien en las antiguas, creo recordar que Cesar hablaba tan normal, aquí le han dado una curva de aprendizaje algo más lenta.
No lo dejan muy claro pero para otras futuras películas (ya confirmadas) parece ser que el antiguo dilema de convivencia-violencia será entre Cesar y el jefe antiguo del redil que me van a perdonar no acordarme del nombre. El tema del virus está bien llevado, de forma sutil y de forma abrupta al final, bajo unos títulos en los que la mitad del cine ya se estaba yendo.
Por otro lado, ¿os acordáis de cuando llega el rubito humano con sus amigos a las jaulas que nos enseñan a una mona? Pues teóricamente, esta simio iba a hacer buenas migas con nuestro querido amigo Cesar, pero al final decidieron no incluirlo en el metraje. Supongo que la dejarán para las siguientes.
Fin del Espoiler.

En definitiva. Es una muy buena película, que no se hace larga en ningún momento, con un tramo final de aupa, y con ganas (aunque no tremendas) de esperar a la siguiente película.

El arte del dolor en el siglo XXI

2011-08-14T19:27:00.000+02:00

Destilan hambre y dolor, pena y penurias, injusticia y vacío. Son una imagen para de vergüenza ante una pared acribillada a balazos, una muestra de lo que somos capaces de permitir mientras miramos al suelo.
Acoge a su hijo como único elemento de valor vital, sin niño moriría de nada. El inmenso calor le obliga a taparse con varios vestidos sin hilos, con telas superpuestas para tapar sus necesidades. Es el siglo XXI.

Se ha ido el arte de un modisto genial, Jesús del Pozo

2011-08-14T01:07:00.000+02:00

El famoso diseñador de moda español Jesús del Pozo ha fallecido hoy en Madrid a los 64 años aquejado de una larga enfermedad pulmonar. Jesús del Pozo, nacido en Madrid en diciembre de 1946, comenzó como decorador de interiores y diseñador de muebles y en 1974 se adentró en el mundo de la moda. En 1972, un viaje a Colonia para montar una tienda de antigüedades le abre los ojos y la mente. Vive en Londres, Turquía y Grecia, y a su regreso abre su primera tienda en la calle Almirante, la misma donde nació. «Decidí poner la tienda por casualidad: yo mandaba a hacer toda mi ropa a un sastre y todo el mundo me preguntaba ¿dónde te has hecho esto? Madrid era muy aburrido». «Nunca he planificado nada en mi vida. No me gustaba nada estudiar, pero me gustaba aprender». «Tengo mucho más miedo ahora que hace 30 años».

Comenzó su carrera de moda en 1979 a crear y diseñar colecciones para mujer y ropa de encargo para hombre. Jesús del Pozo fue el creador de los uniformes para el Pabellón de España y sus Autonomías en la Expo de Sevilla, de los voluntarios de la Cruz Roja Española y del personal de largo recorrido de Renfe. Jesús del Pozo colaboró en diferentes espectáculos de teatro, ópera y zarzuela. Entre ellos destaca su participación con el director de escena Emilio Sagi, en la ópera Carmen de Bizet, Farnace de Vivaldi y en la zarzuela El juramento de Gaztambide. Jesús del Pozo inauguró en febrero del 2011 la 53 edición de Cibeles Madrid Fashion Week. Asesor artístico del Centro Superior de Diseño y Moda de Madrid, fue reconocido con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1998, el Premio Nacional Cristóbal Balenciaga al mejor Diseñador Nacional y el premio al Mejor Diseñador del Centro Español de Nuevas Profesiones en 1989, además de la Aguja de Oro en 1981.

«Yo he sido empresario por pura necesidad», sostenía. «Nosotros no fabricamos nada, lo licenciamos todo. Aquí hacemos lo único que sabemos hacer: tener ideas y diseñarlas». El modisto Jesús del Pozo siempre estuvo preocupado por profesionalizar el sector de la moda y en 2003 creó la Fundación que lleva su nombre, una entidad cuyo objetivo es promover y colaborar con iniciativas relacionadas con el diseño. En 1999 funda la Asociación de Creadores de Moda de España, que presidió hasta diciembre de 2000.

Tocan tiempos violentos / They touch violent times

2011-08-11T09:51:00.001+02:00

Tocan tiempos violentos, de los que aseguramos no entender. Mientras no comprendamos los inicios, los motivos, las razones, no seremos capaces de encontrar soluciones.

They touch violent times, of which we assure not to understand. While we do not understand the beginnings, the motives, the reasons, we will not be capable of finding solutions.

Los nuevos caminos en la dura piedra los abre la suave agua

2011-08-08T08:53:00.002+02:00

Los caminos duros de la piedra se marcan por la suavidad del agua que los recorre con persistencia. Nada hay como la insistencia para conseguir abrir nuevas fronteras, novedosas ideas rompedoras, caminos inexplorados que nos enseñan nuevas posibilidades.

Si tienen dudas con los nuevos caminos, deja que fluyan las ideas, las lógicas y persistentes suavidades del sentido común, el camino lento pero básico de la razón. Ella sola abrirá nuevos horizontes.

Ojos de ladrillo que entornados, seducen

2011-08-05T01:08:00.002+02:00

La arquitectura a veces te guiña el ojo y te seduce mirándote a la cara. Una ventana puede ser un ojo que observa; un edificio el sueño de un arquitecto. Hay que mirar para seducir al interior y para dejarte conquistar con las ideas ajenas de los que han querido contarnos historias escondidas.

La fuerza del dibujo animado realizado con Arte

2011-08-03T18:11:00.002+02:00

La fuerza del dibujo, de la animación, del humor y el buen gusto, sencillo y entretenido.

Programa sobre la vida de "Bola de nieve" en La 2 de RTVE

2011-08-01T00:38:00.000+02:00

Excelente reportaje, programa, sobre la vida del cantante cubano “Bola de nieve”, Ignacio Jacinto Villa Fernández, en La 2 de TVE. Programas así merecen una televisión pública. Os deja la canción de “El Manisero”

Me encontré con un sueño que no me pertenecía

2011-07-31T12:08:00.000+02:00

Ordenaba mi cabeza cuando me encontré con un sueño que no era mío.
¿Qué hago?, me pregunté.
Tuve miedo de que se notara el robo, pero me lo guardé por si me lo reclamaban alguna vez.

La fotografía censurada del Cristo desnudo de Mérida

2011-07-30T09:42:00.001+02:00

La dirección del Festival de Mérida ha retirado una foto de la exposición Camerinos, un retrato del actor Asier Etxeandía caracterizado de Jesucristo, obra del fotógrafo Sergio Parra, tras recibir quejas de ciudadanos que consideraban que atentaba contra la sensibilidad cristiana. En la fotografía retirada, Asier Etxiandía se maquilla para interpretar la obra “Infierno”, una versión del esloveno Tomaz Pandur sobre “La Divina Comedia” de Dante. La fotografía, que estaba expuesta en el Templo de Diana de la ciudad de Mérida, había sido impugnada por grupos católico.

Blanca Portillo, y su adjunta en la dirección, Chusa Martín, en una carta dirigida a los medios informa de la retirada del retrato por los correos electrónicos que han recibido de algunos ciudadanos.

La muestra Camerinos, del fotógrafo Sergio Parra, ocupa desde el inicio del festival distintos espacios de la ciudad en los que se muestran imágenes de actores mientras se preparan para actuar.

Blanca Portillo y Chusa Martín dicen que "el arte es siempre y por encima de todo un espacio de libertad cuyo objetivo nunca es ofender sino mostrar y mover a la reflexión".

La Dirección del Festival especifica, además, que la exposición fotográfica "Camerinos" no contiene precisamente una serie de posados o fotografías "compuestas" por el autor, sino que éste, simplemente se limita a ser espectador, observador del trabajo de los actores en sus camerinos. Por tanto, explican que la foto retirada "simplemente recoge un hecho que estaba sucediendo en el momento en que un actor se estaba preparando para hacer su trabajo, un trabajo a las ordenes de un director de escena que es quien decide cómo se viste y se maquilla el personaje". Portillo y Martín reconocen que retirar una pieza de una exposición "supone romper una línea de trabajo diseñada por el artista, lo cual es siempre una forma de destrucción de un discurso". No obstante, insisten en que "entendiendo todos los seres humanos tenemos legítimos derechos y en base a nuestro profundo respeto a ellos" han procedido a retirar la fotografía. Agradecen al artista Sergio Parra su colaboración y comprensión e insisten en que "el arte nunca tiene como objetivo ofender", por lo que lamentan profundamente que así haya sido percibido.

Vuelve la Edad de los Metales, para llenar nuestras plazas

2011-07-28T16:14:00.000+02:00

Hay que reencontrarse con los metales: con la dureza pero con la calidez, con el brillo y su oscuridad, con su valor y maleabilidad. Ser metal es sujetar el tiempo y casi convertirte en eterno. Es ser flexible y duro a la vez, suave pero contundente, blando y suave al tacto pero rompedor si chocas contra algo rígido y crudo.

Escultura silenciosa, esperando tu mirada

2011-07-25T11:38:00.001+02:00

Siempre es buen momento para adivinar, para reencontrarse con los formas escondidas por los artistas que colocan ideas para hacernos ver. Las prisas no nos dejan ver lo que no es excesivamente claro y obvio. Por eso a veces hay que pararse, observar junto al tiempo y dejarse llevar por la imaginación.
Esta porción de escultura está en la Plaza Colón de Madrid, esperándonos unos instantes de atención.

Steve Gibson, esculturas de cartón sumanente humanas

2011-07-20T11:21:00.000+02:00

Steve Gibson es un escultor de Liverpool que lleva 13 años trabajando en Zaragoza como profesor de Arte y que realiza esculturas empleando el cartón como material principal, tremendamente naturales y con una visión muy crítica de la sociedad y de la contemplación humana.

La obra escultórica tiene personalidad propia, con una fascinante y aparente contradicción, que se capta a través del poder físico de sus personajes, perfectamente armónicos, unido a la fragilidad de la persona mediante dispares actitudes, que puede verse como un canto a la libertad y al triunfo del ser humano frente a su propia existencia.

Obras y autor, tal vez poco reconocidos todavía, pero con un largo recorrido pendiente.
Se puede revisar su obra y catálogos en esta dirección

También las paredes pueden ser amigas

2011-07-20T09:28:00.000+02:00

¡Contra la pared!, me dijeron sin saber, que aquella madera me resultaba amablemente conocida. Con mucho gusto, les respondí.

Puse al cielo como testigo de mis miedos

2011-07-19T19:06:00.000+02:00

Puse el Telediario y no me gustó. Abrí elperiódico y me asusté. Conecté la radio y los gritos me espantaron. Levanté la persiana y me puse a mirar el cielo.

Arte con sencillas puertas de madera

2011-07-19T17:27:00.000+02:00

José Jurado (Córdoba, 1984) y Julián Pérez (Illescas, 1987) han montado una instalación escultórica tras presentar su proyecto al concurso del Espacio Contemporáneo Archivo de Toledo (ECAT), dependiente de la Junta de Castilla-La Mancha. Fueron seleccionados entre 240 trabajos presentados para que se expusiera su obra en esta sala de arte donde se puede contemplarse hasta el 21 de septiembre en el ECAT.

Sobre gritos o gritos suspirados

2011-07-18T19:18:00.000+02:00

¿Qué es un grito?

¿Es dolor o es llamada?

Soñaba con el verde esperanza que cambiaría mi vida

2011-07-17T21:16:00.001+02:00

No tenía más que ganas de soñar con la esperanza. Pero sabia que era muy costosa de conseguir. Aun así me empeñaba en ella como elemento imposible. Era cuestión de esperar otras semanas más, soñando.